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  • share read star COLETTE et WILLY : Claudine, les 4 volumes en détails
    Saturday 14 June 2025 - 19:08
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Colette
    Colette : Femme de lettres et actrice française, auteure de la série des " Claudine ".

    Colette, auteure française et personnage authentique.

    Colette, de son vrai nom Sidonie-Gabrielle Colette, est une figure majeure de la littérature française du XXe siècle.
    Tour à tour romancière, journaliste, mime et critique, elle incarne une femme libre, passionnée et novatrice.
    Son œuvre, marquée par une grande sensibilité, explore les thèmes du corps, de la nature, du désir et de la condition féminine avec une finesse rare.
    Reconnue de son vivant comme une écrivaine d’exception, Colette a su imposer sa voix singulière dans un monde littéraire longtemps dominé par les hommes. Sa vie, tout aussi riche que ses écrits, reflète une quête permanente d’indépendance et d’authenticité.
    1 - Généralités.
    Nom complet : Sidonie-Gabrielle Colette
    Naissance : 28 janvier 1873 à Saint-Sauveur-en-Puisaye (Yonne, France)
    Décès : 3 août 1954 à Paris
    Profession : Romancière, journaliste, mime, actrice, critique dramatique
    Période d'activité : Fin XIXe siècle – milieu XXe siècle
    Reconnaissance : Membre de l’Académie Goncourt, première femme à recevoir des funérailles nationales en France (1954)
    2 - Chronologie de la vie et de l'œuvre de Colette.
    1873–1893 : Enfance et jeunesse.
    Elle est née dans un village bourguignon, elle grandit dans un environnement rural et littéraire.
    Son père, ancien militaire, est bibliophile ; sa mère, Sido, est une figure centrale de son œuvre future.
    3 - 1893–1906 : Mariage avec Willy et débuts littéraires.
    Elle épouse Henry Gauthier-Villars, dit "Willy", écrivain parisien, puis, sous le nom de Willy, Colette écrit la série " Claudine " :
    - Claudine à l’école (1900)
    - Claudine à Paris (1901)
    - Claudine en ménage (1902)
    - Claudine s’en va (1903)
    Ces romans rencontrent un vif succès mais sont signés par Willy , ce qui ne trompe personne !
    Elle entame ensuite une carrière de mime et d’actrice après leur séparation.
    4 - 1906–1920 : Indépendance et affirmation
    Après son divorce d’avec Willy en 1906, elle intègre la vie artistique libre et provocante dans les milieux parisiens. ( Relations féminines notoires (avec Missy, notamment) ).
    Elle continue de publier des œuvres marquantes, dont :
    - La Vagabonde (1910) – semi-autobiographique
    - L’Envers du music-hall (1913)
    Elle y développe un style personnel, sensible et sensoriel, tourné vers l'intime et le corps.
    5 - 1920–1935 : Reconnaissance littéraire
    Colette se remarie avec Henry de Jouvenel, journaliste et homme politique et devient alors, elle aussi, chroniqueuse pour *Le Matin*, ce qui affine sa plume journalistique.
    Nouvelles publications, dans lesquelles elle explore l’adolescence, le désir, le temps qui passe :
    - Chéri (1920)
    - La Fin de Chéri (1926)
    - Le Blé en herbe (1923)
    - La Naissance du jour (1928)
    6 - 1935–1954 : Consécration et Reconnaissance.
    * Nommée membre de l’Académie Goncourt, elle en fut la présidente de 1949 à 1954.
    * Elle écrit " Gigi " (1944), qui sera adapté au théâtre, puis au cinéma avec Audrey Hepburn.
    * Reçoit la Légion d’honneur.
    * Son œuvre est saluée pour sa finesse psychologique et sa sensibilité à la nature.
    7 - Style et thèmes majeurs.
    * Corps et sensualité : langage charnel, perception aiguë des sensations.
    * Féminité et indépendance : femme libre, elle explore la condition féminine.
    * Temps et nostalgie : regard tendre sur l’enfance, la vieillesse, le souvenir.
    * Nature : omniprésente, elle est un miroir des émotions.
    8 - L'héritage de Colette.
    Colette est aujourd’hui considérée comme l’une des plus grandes écrivaines françaises.
    Sa modernité et sa liberté de ton inspirent encore la littérature contemporaine.
    Son œuvre, traduite dans de nombreuses langues, est étudiée dans le monde entier.

    Les 4 volumes de la série "Claudine" de Colette.

    La série " Claudine " de Colette est une œuvre littéraire emblématique qui suit l'évolution de son héroïne, Claudine, à travers différentes étapes de sa vie.
    Publiée au début du XXe siècle, cette série se compose de quatre volumes qui explorent l'éducation, l'amour, le mariage et l'émancipation féminine avec une plume vive et audacieuse.
    1. Claudine à l'école (1900)
    Ce premier roman nous plonge dans l'univers scolaire de Claudine, une adolescente vive et malicieuse qui grandit dans un petit village français. Son quotidien est rythmé par les cours, les amitiés et les intrigues autour de ses professeurs. Ce livre, écrit sous le nom de Willy (le mari de Colette), fit scandale à sa sortie en raison de son ton libre et de ses thèmes audacieux.
    - Date de publication : 1900
    - Thèmes : Éducation, adolescence, sensualité
    2. Claudine à Paris (1901)
    Dans ce second tome, Claudine quitte son village pour s'installer à Paris avec son père. Elle découvre la vie citadine, fait de nouvelles rencontres et commence à explorer les complexités des relations humaines. Ce roman marque une transition vers une Claudine plus mature, confrontée à des dilemmes sentimentaux et sociaux.
    - Date de publication : 1901
    - Thèmes : Paris, découverte de soi, amour
    3. Claudine en ménage (1902)
    Claudine est désormais mariée à Renaud, un homme plus âgé qu'elle. Ce volume explore la vie conjugale, les désillusions du mariage et les tentations extérieures. L'arrivée de Rézi, une jeune Américaine, vient bouleverser l'équilibre du couple et pousse Claudine à remettre en question sa relation.
    - Date de publication : 1902
    - Thèmes : Mariage, séduction, indépendance féminine
    4. Claudine s'en va (1903)
    Dans ce dernier tome, Claudine s'efface progressivement pour laisser place à une nouvelle héroïne, Annie. Cette jeune femme, soumise à son mari Alain, découvre une autre facette de la vie lorsqu'il l'abandonne aux soins de sa sœur Marthe, une femme libre et indépendante. Ce roman marque une rupture avec le personnage de Claudine et ouvre la voie à une réflexion sur l'émancipation féminine.
    - Date de publication : 1903
    - Thèmes : Indépendance, transformation, féminisme
    5 - In fine, la série "Claudine" est une œuvre incontournable qui illustre avec finesse l'évolution d'une jeune femme à travers les épreuves de la vie. Colette y déploie un style unique, mêlant sensualité, humour et profondeur psychologique. Ces romans restent aujourd’hui des références littéraires, témoignant de la modernité et de l’audace de leur autrice.

    Nos quatre exemplaires des aventures de CLAUDINE.

    WILLY et COLETTE - Les quatre Claudine.
    1. Claudine à l'école / 2. Claudine à Paris / 3. Claudine en ménage / 4. Claudine s'en va.
    Bièvres, Pierre de Tartas, 1972 - 1973.
    4 volumes, chacun illustré d'après Pierre Lelong, Grau Sala, Gaston Barret, Gabriel Dauchot, dont le premier volume est enrichi d'un frontispice signé Jean Cocteau.
    Superbes reliures cuir bleu à réserve dorée, sous emboîtage de l'éditeur.
    Tirage limité, sur vélin de Lana; exemplaires numéro 365/1000, seul le dernier volume portant la numérotation.
    dimensions : 26,5 x 20 x4 cm env. le volume
    poids : 4900 g
    Superbe ensemble pour amateurs de beaux livres …
        enjoy :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Découvrir La Chanson de Roland
    Monday 09 June 2025 - 18:30
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    La Chanson de Roland : la fin de Roland, neveu de Charlemagne, à Roncevaux

    Un texte ancien, appelée ' chanson de geste  ', qui nous relate la fin tragique, à Roncevaux, de l'arrière-garde dont l'Empereur Charlemagne avait confié le commandement à son vaillant neveu, nommé Roland ...

    La Chanson de Roland : Épopée médiévale et mythe fondateur

    La Chanson de Roland est l’un des plus anciens et des plus célèbres textes de la littérature française médiévale.
    Cette œuvre emblématique du Moyen Âge raconte l’héroïsme, la loyauté, le sacrifice et les valeurs chevaleresques dans un monde chrétien en guerre.
    Partons en plongée dans cette chanson de geste qui continue de fasciner historiens, littéraires et artistes contemporains.

    Présentation générale de la Chanson de Roland

    Composée vers la fin du XIe siècle (vers 1080), *La Chanson de Roland* est un poème épique rédigé en ancien français.
    Il s'agit d'une chanson de geste, un genre littéraire médiéval qui met en scène des exploits guerriers et héroïques, souvent liés à des personnages historiques ou semi-légendaires.
    Le texte nous est principalement parvenu grâce au manuscrit d’Oxford, conservé à la bibliothèque Bodléienne. Il compte environ 4 000 vers en laisses assonancées (groupes de vers rythmés par la répétition d’un même son à la fin).

    L’histoire racontée dans la Chanson de Roland

    L’intrigue s’inspire librement d’un événement historique : l’attaque en 778 de l’arrière-garde de l’armée de Charlemagne dans les Pyrénées, à Roncevaux.
    ... Mais le récit transforme cet épisode militaire mineur en un affrontement épique entre chrétiens francs et Sarrasins musulmans.
    Voici les grandes lignes de l’histoire :
    * Charlemagne, empereur chrétien, fait la guerre en Espagne contre les Sarrasins.
    * Après la prise de Saragosse (ou presque), il décide de retourner en France.
    * Il confie la protection de son arrière-garde à son neveu Roland, un chevalier courageux mais imprudent.
    * Ganelon, beau-père de Roland et jaloux de lui, trahit Charlemagne et livre l’arrière-garde à l’ennemi.
    * À Roncevaux, Roland refuse de sonner du cor pour appeler Charlemagne à l’aide, par orgueil chevaleresque.
    * Il se bat vaillamment avec ses compagnons, notamment Olivier et l’archevêque Turpin, mais ils meurent tous.
    * Roland finit par sonner du cor si fort qu’il en meurt.
    * Charlemagne arrive trop tard mais venge son neveu en écrasant les Sarrasins.
    * Ganelon est jugé et exécuté pour trahison.
    Le récit se termine sur une note mystique, avec Roland accueilli au paradis par les anges ...

    À qui peut-on attribuer la Chanson de Roland ?

    L’auteur exact de *La Chanson de Roland* reste inconnu...
    Toutefois, le manuscrit d’Oxford se termine par la phrase :
    " Ci falt la geste que Turoldus declinet ",
    ce qui a suscité de nombreux débats.
    Turoldus pourrait être :
    * soit l’auteur du poème
    * soit un jongleur (récitant) ayant mis en forme ou chanté l’œuvre
    * soit simplement un copiste
    L’œuvre est donc anonyme ou " non attribuée " si vous le voulez, mais elle est le fruit d’une tradition orale et poétique bien ancrée dans la culture médiévale.

    Quel est le genre littéraire de la Chanson de Roland ?

    *La Chanson de Roland* appartient au genre épique, plus précisément à celui de la chanson de geste.
    Ce genre se distingue par :
    * un style solennel et répétitif
    * des héros chevaleresques
    * un idéal chrétien et féodal
    * un récit centré sur l’exploit et l’honneur
    La chanson de geste vise autant à inspirer qu’à édifier.
    Elle a une forte dimension morale et politique, valorisant la foi chrétienne, la loyauté envers le seigneur, et l’esprit de sacrifice.

    Œuvres inspirées par la Chanson de Roland

    La puissance narrative de *La Chanson de Roland* a traversé les siècles et influencé de nombreuses œuvres dans des domaines variés.
    En littérature :
    * Victor Hugo évoque Roland dans *La Légende des siècles*.
    * Des auteurs contemporains ont réécrit ou modernisé l’histoire, comme Jean-Luc Cornette avec *Roland, le preux* (bande dessinée).
    * Le personnage de Roland apparaît dans la poésie épique italienne, notamment dans *Orlando Furioso* (1516) de Ludovico Ariosto et *Orlando Innamorato* de Boiardo.
     Au cinéma et à la télévision :
    * Il n’existe pas de grand film hollywoodien directement consacré à *La Chanson de Roland*, mais des adaptations ont été proposées en Europe :
    - "La Chanson de Roland" (1978), film d’animation de Frank Cassenti.
    - Documentaires télévisés sur France 3 et Arte ont évoqué l’épopée.
    * Les archétypes du héros loyal, du traître et du combat final ont influencé de nombreux films médiévaux et fantastiques.
     Dans la musique et l’art :
    * Plusieurs opéras et oratorios ont été composés autour de Roland ou Orlando, notamment par Lully, Händel (*Orlando*), et Vivaldi.
    * Des miniatures médiévales, tapisseries, et peintures illustrent la bataille de Roncevaux et la mort de Roland.

    Pourquoi La Chanson de Roland reste-t-elle si actuelle ?

    *La Chanson de Roland* est bien plus qu’un vieux poème médiéval. Elle cristallise les grandes valeurs d’une époque : le courage, la loyauté, la foi, mais aussi les dangers de l’orgueil et de la trahison.
    Son récit vibrant continue de nourrir notre imaginaire collectif, du Moyen Âge jusqu’aux œuvres modernes.
    À travers Roland, c’est l’image d’un héros tragique et exemplaire qui nous est transmise, une figure intemporelle qui, malgré les siècles, parle encore à notre quête d’idéal.

    L'exemplaire de " La Chanson de Roland " que nous vous présentons aujourd'hui.

    LA CHANSON DE ROLAND - trad. Raoul Mortier - Paul Dardé - Union Latine d'Edition - 1931
    La Chanson de Roland, traduite et annotée par Raoul Mortier.
    Illustrations de Paul Dardé.
    Edition réalisée par " Union Latine d'Éditions ", Paris, 1931
    Bel In-8, relié, couverture demi-chagrin.
    Tirage limité sur épais Vergé Chiffon, exemplaire numérote 284/1000
    état : fort bel état général, reliure avec de légers frottements, intérieur en l'état, intérieurs très bien conservés et préservés, reliure brochée originale conservée, 
    dimensions : 23 x 18 x 3,5 cm
    poids : 950 g
    Bel exemplaire de Bibliothèque que vous pouvez voir plus en détails à l'aide des photos ci-dessous …
          enjoy   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star A quoi sert un métronome ?
    Monday 09 June 2025 - 17:02
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Métronome
    Métronome : instrument donnant le tempo, la vitesse, pour jouer correctement un morceau de musique.

    Un métronome est un appareil qui donne un tempo régulier, souvent sous forme de "clics" sonores, pour aider les musiciens à jouer en rythme.
    Il peut être mécanique (avec un balancier) ou électronique (avec un signal numérique).
    On règle la vitesse en battements par minute (BPM), par exemple 60 BPM pour un battement par seconde.

    A quoi ça sert précisément dans la pratique musicale ?

    Un métronome sert à :
    Garder un tempo constant : il aide les musiciens à jouer sans ralentir ni accélérer sans s’en rendre compte.
    Travailler la précision rythmique : il permet de s’entraîner à jouer exactement sur le temps, ce qui est essentiel pour jouer en groupe ou enregistrer.
    S’entraîner à différentes vitesses : on peut commencer lentement pour bien maîtriser un passage difficile, puis augmenter progressivement la vitesse.
    Améliorer l’indépendance rythmique : par exemple, les batteurs ou pianistes peuvent pratiquer des rythmes complexes en s’appuyant sur le métronome comme repère externe.
    Développer le sens du timing interne : en s’entraînant régulièrement avec un métronome, le musicien apprend à “sentir” le tempo sans dépendre de l’appareil.

    Comment utiliser un métronome ?

    Quelques exemples concrets …
    1. Choisir un tempo
    Régle le métronome sur le nombre de battements par minute (BPM) adapté à ce que tu joues.
    Par exemple :
    60 BPM = lent (1 battement/seconde)
    120 BPM = tempo moyen
    180 BPM = rapide
     2. Jouer avec le métronome
    Lance le métronome.
    Joue une note, un accord ou un rythme sur chaque clic (ou sur des clics précis selon le morceau).
    Commence lentement, même si la version finale est plus rapide.
     3. S’exercer avec intelligence
    Exercice rythmique simple : tape dans les mains ou joue une note sur chaque battement.
    Exercice avancé : joue une note toutes les deux battements, ou entre les battements (contretemps).
    Travail de passages techniques : ralentis le tempo pour bien exécuter, puis augmente progressivement.
     4. Varier les modes d’entraînement
    Certains métronomes permettent de marquer les temps forts (ex : 1 clic fort sur 4).
    Tu peux t’entraîner avec le clic sur le 2e et 4e temps pour le swing ou le funk.
    Essaie aussi de jouer en silence sans métronome, puis le relancer pour vérifier si tu gardes le bon tempo.

    Que signifient les inscriptions " Maelzel " et " Paquet " sur certains métronomes ?

    "Maelzel"
    C’est le nom de Johann Nepomuk Maelzel, un inventeur allemand du début du XIXe siècle.
    Il est souvent crédité (à tort ou à raison) d’avoir popularisé ou commercialisé le premier métronome mécanique breveté.
    Les fabricants de métronomes ont longtemps inscrit "Maelzel" ou "Metronome Maelzel" sur leurs appareils, un peu comme une marque de référence ou un label historique, même si d’autres ont contribué à l’invention (notamment Dietrich Nikolaus Winkel).
    "Paquet"
    "Paquet" est le nom d’un fabricant français de métronomes, très actif au XXe siècle.
    Les métronomes portant cette inscription viennent souvent de France et sont des modèles mécaniques traditionnels en bois.
    Donc, si vous découvrez  "Maelzel Paquet" sur un métronome, c’est probablement un modèle mécanique français, inspiré du design original de Maelzel.
    C’est un peu l’équivalent de voir "Stradivarius" sur un violon : une référence à une tradition….

    Notre objet du Jour : METRONOME PAQUET MAELZEL

    Il s'agit, en effet d'un très jolie métronome, ancien, portant dans une " pastille métallique " les inscriptions : " MAELZEL - 1815 - PAQUET - 1846 - MADE IN FRANCE " et de plus, sur le dessous une autre étiquette " Lochness - Fully Fashioned Knitwear - MADE IN FRANCE " dont on se demande l'origine ou l'usage ...
    Système de métronome Paquet 1815 et Johan Maelzel 1846 de la seconde moitié du 19e siècle.
    Il s'agit d'un instrument utilisé pour mesurer le tempo de la musique, le son du pendule indiquant avec précision la vitesse à laquelle elle est jouée.
    L'instrument se compose d'un pendule avec un contrepoids qui fonctionne avec un mécanisme d'horlogerie avec des roues dentées actionnées par un ressort.
    La tige à contrepoids située à l'avant est entraînée par le mécanisme d'horlogerie, dont les oscillations marquent le passage du temps.
    L'instrument est logé dans une boîte pyramidale en chêne qui porte une plaque sur le devant et les noms de Paquet 1815 et de l'inventeur, le physicien autrichien J. N. Maelezel 1846. 
    Très bon état, entièrement fonctionnel.
    Dimensions : 23 x 13 x 11 cm
    poids : 400 g
    ....   enjoy  :)
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  • share read star Auguste Péquégnot : eaux-fortes
    Saturday 31 May 2025 - 16:13
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Auguste PéquégnotAuguste Péquégnot : le maître de l'Eau-Forte

    Avec cet artiste retrouvons des notions de base de la gravure, des grands maîtres, des imprimeurs de renom aussi qui ont fait la renommée d'un Art qui au travers des eaux-fortes allie finesse, talent, qualité, célébrité dans le monde de l'imagerie du XIXème siècle.

    Auguste Péquégnot : Maître Oublié de l'Eau-forte

    Auguste Péquégnot (1819-1878) est un nom qui ne résonne peut-être pas immédiatement dans l'esprit du grand public, et pourtant, il fut un graveur d'une finesse et d'un talent remarquables, particulièrement reconnu pour ses eaux-fortes.
    Son œuvre, bien que parfois éclipsée par des contemporains plus célèbres, offre un témoignage précieux de son époque et de son exceptionnel savoir-faire technique.
    Plongeons dans le monde de cet artiste discret mais influent...

    Qui était Auguste Péquégnot ?

    Né à Saint-Dié-des-Vosges en 1819, Auguste Péquégnot a vécu une vie dédiée à l'art de la gravure.
    Élève de Jean-Louis-Nicolas Jaley et de Charles-François Daubigny, il a rapidement développé une maîtrise technique qui lui a permis d'explorer les multiples facettes de l'eau-forte.
    Il a exposé régulièrement au Salon de Paris, où ses œuvres étaient appréciées pour leur précision et leur sens du détail.
    Son parcours, bien que marqué par une certaine humilité, révèle un artiste profondément attaché à la tradition et à l'innovation.

    L'Eau-forte : Son Médium de Prédilection

    L'eau-forte était sans conteste le domaine de prédilection de Péquégnot.
    Cette technique de gravure, qui utilise l'acide pour mordre des lignes dans une plaque de métal recouverte d'un vernis, permet une grande liberté et une finesse de trait difficilement égalables.
    Péquégnot a su exploiter toutes les nuances de ce procédé, créant des œuvres d'une richesse visuelle étonnante.
    Ses eaux-fortes se distinguent par plusieurs caractéristiques :
    * La précision du trait : Chaque ligne est placée avec intention, contribuant à une composition harmonieuse et détaillée. Que ce soient les textures des pierres, la frondaison des arbres ou les plis des vêtements, tout est rendu avec une fidélité impressionnante.
    * La richesse des contrastes : Péquégnot maîtrisait l'art de créer des jeux d'ombre et de lumière qui donnent de la profondeur et du volume à ses scènes.
    Ses noirs sont profonds, ses blancs lumineux, et les gris intermédiaires créent une atmosphère vibrante.
    * Le sens de la perspective : Ses paysages et ses vues architecturales sont souvent dotés d'une perspective impeccable, guidant l'œil du spectateur à travers la composition.
    * Les thèmes variés : Bien qu'il ait une prédilection pour les paysages et les scènes architecturales, Péquégnot a également réalisé des portraits et des scènes de genre, témoignant de sa polyvalence.
    On retrouve souvent dans ses œuvres des vues de villes françaises, des ruelles pittoresques, ou des monuments historiques, qu'il immortalise avec une grande poésie.

    L'Héritage d'Auguste Péquégnot

    Bien qu'il ne soit pas aussi célébré que certains de ses contemporains, l'œuvre d'Auguste Péquégnot est d'une importance capitale pour comprendre l'évolution de la gravure au XIXe siècle.
    Ses eaux-fortes sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées, et sont régulièrement recherchées par les amateurs et les collectionneurs d'estampes.
    Péquégnot incarne cet artiste méticuleux, parfois dans l'ombre, mais dont le travail a grandement contribué à la richesse de l'art de la gravure.
    Ses eaux-fortes ne sont pas de simples reproductions, mais de véritables interprétations artistiques, empreintes d'une sensibilité unique.
    Découvrir ses œuvres, c'est se plonger dans un univers où la technique sert une vision poétique du monde.
    A ce propos, voici un sujet fort intéressant:  le " Premier cahier des 12 Eaux Fortes par Péquégnot " est une œuvre emblématique de cet artiste...

    "Premier cahier des 12 Eaux Fortes par Péquégnot" : Une Œuvre Clé

    Le "Premier cahier des 12 Eaux Fortes par Péquégnot" est un recueil significatif qui met en lumière la virtuosité d'Auguste Péquégnot dans l'art de l'eau-forte.
    Il s'agit d'une suite de 12 planches gravées, souvent accompagnées d'une page de titre dédiée.
    Caractéristiques Générales du Cahier
    Titre Complet : "Premier cahier des 12 Eaux Fortes par Péquégnot". On peut parfois le trouver simplement sous le titre "12 eaux-fortes par Péquégnot, 1er cahier".
    Contenu : Il est composé d'une page de titre (parfois signée et dédicacée par l'artiste) et de 12 planches d'eaux-fortes.
    Technique : Exclusivement des eaux-fortes, technique que Péquégnot maîtrisait parfaitement.
    Support : Les épreuves sont généralement tirées sur papier vergé, un type de papier de qualité qui met en valeur la finesse du trait.
    Datation : Bien qu'il puisse y avoir des tirages ultérieurs, on trouve des exemplaires datés des années 1870, par exemple une dédicace de Péquégnot datée de novembre 1873.
    La date de publication principale semble être vers 1875-1882, édité par Firmin-Didot et Cie.
    Dimensions : Les dimensions des planches varient, mais des exemples citent des dimensions maximales de 21 x 27 cm, avec des marges également variables.
    Référence Bibliographique : Ce cahier est souvent répertorié dans les catalogues raisonnés d'estampes, notamment par Beraldi (qui fait référence aux planches de 1 à 12 de Péquégnot).

    Le Contenu Thématique des Eaux-fortes

    Les 12 eaux-fortes de ce premier cahier illustrent généralement la prédilection de Péquégnot pour les paysages urbains, les vues architecturales et les scènes pittoresques.
    On y trouve :
    Vues de Paris : Péquégnot était un observateur attentif de la vie parisienne et des transformations de la capitale au XIXe siècle. Il a souvent représenté des vues de monuments, de rues et de quartiers emblématiques.
    Paysages : Ses eaux-fortes peuvent également inclure des paysages ruraux ou des scènes naturelles, toujours avec ce souci du détail et de l'atmosphère.
    Scènes de genre : Parfois, des figures humaines ou des scènes de la vie quotidienne animent ses compositions, ajoutant une dimension narrative.
    Chaque planche est une œuvre à part entière, caractérisée par la précision du dessin, la subtilité des ombres et lumières, et la capacité de Péquégnot à rendre la texture des matériaux et l'ambiance des lieux.

    Importance et Rareté

    Suite Complète : Il est noté que les suites complètes des 12 planches, avec la page de titre, sont considérées comme "belles et rares". La page de titre elle-même n'est pas toujours décrite dans les références comme Beraldi, ce qui en fait un élément précieux pour les collectionneurs.
    Témoignage Artistique : Ce cahier est un excellent exemple du savoir-faire de Péquégnot en tant que graveur. Il démontre sa capacité à créer des images complexes et évocatrices à travers le médium de l'eau-forte.
    Valeur de Collection : En raison de leur qualité artistique et de leur rareté, les exemplaires complets et en bon état de ce cahier sont recherchés sur le marché de l'art et peuvent atteindre des estimations significatives lors de ventes aux enchères.

    Contextualisation : La Collaboration avec Auguste Delâtre

    Il est important de noter qu'Auguste Péquégnot a souvent travaillé avec Auguste Delâtre (1822-1907), un imprimeur et éditeur d'estampes de renom.
    Delâtre était un pionnier et un maître de l'impression d'eaux-fortes, et sa collaboration avec Péquégnot (comme avec de nombreux autres graveurs importants de l'époque) a sans doute contribué à la qualité exceptionnelle des tirages du "Premier cahier des 12 Eaux Fortes".
    On trouve même des mentions de ce cahier sous la référence "Auguste Delatre - 12 eaux-fortes / par / Péquégnot. / 1er cahier.", soulignant le rôle essentiel de l'imprimeur.

    Nos gravures ou eaux-fortes du jour.

    Ressorties d'un vieux greniers, malheureusement incomplète, nous vous présentons ici une partie de cette œuvre incontournables, dont seules 8 eaux-fortes sur 12 ont réussi à survivre …  admiration ….   :)
    - 12 eaux fortes par PEQUEGNOT, 1er cahier, Delattre Impr. R. Bieuvre , 19, paris, 1ère couverture 
    - B 15 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - notée : Mont-Faucon - Paris - 1846
    - 8 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - noté au milieu (Delattre- Impr. ) r.de la Harpe 9
    - 12 - Eau Forte signée Pequegnot en bas à gauche - notée : Mont-Faucon - Paris - 1846
    - 7 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - notée au milieu : Paris - Delattre Impr. r de Harpe 9
    - 6 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - suivie de : ' Pont N. Dame. Paris. - noté à droite : (r de la Harpe 9   Delattre Impr. )
    - 5 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - notée : Dessous du quai de Gèvres, Paris, 1848 - noté à droite : Paris, Delattre Imp r. de la Harpe 9
    - 2 - Eau Forte signée Péquégnot en bas à gauche - numérotée à droite © Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Découvrir les anciens appareils photos à soufflet
    Thursday 29 May 2025 - 16:58
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    appareil photo à soufflet
    appareil photo à soufflet : histoire et technique de la Photographie
    Saviez-vous que les appareils photo à soufflets sont de véritables témoins de l'histoire de la photographie ?
    Avec leur design pliable si particulier et leur mécanisme ingénieux, ils ont marqué les débuts de la photo moderne.
    Plongeons dans l'univers de ces objets emblématiques, entre art, technique et nostalgie.

    À la découverte des Anciens Appareils Photo à Soufflets : Histoire et Technologie

    Les anciens appareils photo à soufflets représentent une époque fascinante dans l'histoire de la photographie, marquée par l'ingéniosité technique et l'artisanat.
    Ces appareils, souvent élégants et souvent ornés, sont devenus des symboles de l'ère pré-numérique où la photographie nécessitait une compréhension approfondie de la mécanique et de la lumière.

    1. Introduction aux Appareils Photo à Soufflets

    Les appareils photo à soufflets ont dominé la photographie du début à la moitié du 20e siècle.
    Leur conception pliable permettait une portabilité accrue tout en protégeant le matériel sensible à la lumière à l'intérieur.
    Ces appareils étaient utilisés pour capturer une variété de sujets, des portraits intimes aux paysages grandioses.

    2. Histoire et Évolution

    Les premiers appareils photo à soufflets ont été développés au 19e siècle, avec des pionniers comme George Eastman (fondateur de Kodak) et Louis Daguerre (inventeur du daguerréotype).
    Ces appareils ont rapidement évolué pour inclure des fonctionnalités telles que la mise au point précise, les obturateurs améliorés et des lentilles interchangeables.

    3. Technologie et Mécanisme

    Le cœur des appareils photo à soufflets résidait dans leur mécanisme de soufflet, une structure pliable en accordéon qui permettait d'étendre et de rétracter l'appareil pour la mise au point.
    Les lentilles et les obturateurs étaient souvent manuels, nécessitant une expertise pour ajuster l'exposition et la netteté.

    4. Utilisation et Popularité

    Ces appareils ont connu une popularité massive jusqu'à ce que la photographie numérique moderne les remplace progressivement dans les années 1950-60.
    Leur utilisation a été documentée dans des événements historiques et des moments intimes de la vie quotidienne à travers le monde.

    5. L'héritage des Appareils Photo à Soufflets

    Aujourd'hui, les appareils photo à soufflets sont prisés des collectionneurs et des amateurs de photographie vintage pour leur esthétique unique et leur construction robuste.
    Ils sont également des témoins visuels précieux de l'histoire de la photographie, rappelant une époque où capturer une image était un acte de patience et de savoir-faire technique.

    6. Et de nos jours ...

    Ces anciens appareils photo à soufflets continuent d'inspirer et d'intriguer, non seulement par leur fonctionnalité technique mais aussi par leur capacité à capturer l'essence même du passé photographique.
    Petit rappel pour les COLLECTIONNEURS :
    Leur héritage perdure à travers les collections privées et les musées, rappelant aux générations futures l'importance de l'innovation et de la créativité dans l'évolution de la photographie moderne.

    Quelques exemples bien concrets d'appareils photo à soufflet.

    ** Le Zeiss Ikon Super Ikonta 530/15, produit vers 1934, est un appareil moyen format à soufflet conçu pour des négatifs de 6,5 x 11 cm, offrant une image panoramique sur film 120. Il est équipé d’un objectif Tessar 4,5 de 120 mm, réputé pour sa netteté et son contraste, monté sur un obturateur Compur, capable de vitesses précises jusqu’au 1/250 s. Un modèle emblématique combinant finesse optique et mécanique de précision allemande.
    ** Le Welta Solida, folding à télémètre datant d’environ 1933, est un appareil moyen format utilisant du film 6x9 cm.
    Il est doté d’un objectif Radionar 4,5 de 105 mm, une optique triplet performante signée Schneider, monté sur un obturateur Compur à vitesses variables et déclenchement central.
    Compact et précis, il représente une belle alliance entre portabilité et qualité d’image pour son époque.
    ** Le Kodak Modèle B21, datant d’environ 1951, est un appareil photo à soufflet au format 6x9 cm.
    Il est équipé d’un objectif Angénieux 105 mm ouvrant à f/6,3, gage de qualité optique française, monté sur un obturateur Atos offrant une plage de vitesses adaptée à la photographie de plein air.
    Robuste et simple d’utilisation, c’était un modèle populaire auprès des amateurs éclairés de l’époque.
    ** Le Jiffy V.P., produit vers 1937, est un appareil photo à soufflet compact au format 4,5 x 6 cm, utilisant du film 127.
    Conçu pour la simplicité d’usage, il était destiné au grand public et livré avec sa boîte d’origine et sa notice, ce qui en fait aujourd’hui une pièce de collection recherchée.
    Son design épuré et sa mécanique fiable en font un bel exemple de la production Kodak des années 30.
    ** Le Kodak No. 3-A Autographic, modèle C est un appareil à soufflet datant du début du 20e siècle, conçu pour produire des négatifs au format panoramique 8 x 14 cm sur film 122.
    Il est équipé d’un objectif Kodak 170 mm ouvrant à f/7,7, adapté à la photographie de paysage ou de portrait en extérieur.
    Ce modèle se distingue par la fonction Autographic, permettant d’écrire des annotations directement sur le film via une petite trappe arrière.
    Il est ici présenté avec son étui d’origine, ajoutant au charme historique de l’ensemble.
    © Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Francisque Poulbot : Un autre Regard sur la Vie Parisienne
    Saturday 17 May 2025 - 18:11
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Journée de Paris
    Journée de Paris : une affiche utilisant les " Poulbots " de Francisque POULBOT

    Qui était ' Francisque Poulbot ' ?

    Francisque Poulbot (Paris - 1879-1946) était un affichiste, dessinateur, humoriste et illustrateur français, célèbre pour ses représentations des enfants des rues de Montmartre, surnommés les "Poulbots".
    Il a joué un rôle important dans la vie artistique et sociale de Montmartre, cofondateur de la " République de Montmartre " en 1921, un mouvement artistique et humanitaire.
    Son engagement envers les enfants défavorisés l'a conduit à ouvrir un dispensaire, " Les P’tits Poulbots ", pour leur venir en aide.
    Son style distinctif, plein de tendresse et d'humour, a marqué l'imagerie populaire parisienne.
    Connue pour son style chaleureux et humoristique, son œuvre captivante offre un regard bienveillant sur les gens ordinaires, en particulier les enfants et les plus démunis.

    Jeunesse et Débuts :

    Francisque Poulbot grandit dans le quartier de Montmartre, berceau de nombreux artistes et bohémiens à l'époque.
    Très tôt, il développe un intérêt pour le dessin et la peinture, fréquentant les rues animées de ce quartier bohème qui influencera profondément son art futur.

    Son Œuvre :

    L'œuvre de Poulbot se distingue par son engagement social et sa capacité à capturer l'essence de la vie populaire parisienne.
    Il est surtout connu pour ses dessins de gamins de Paris, des enfants des rues dont les visages expressifs et malicieux sont devenus emblématiques.
    Ses illustrations pleines de tendresse et d'humanité ont souvent été comparées à celles de son contemporain, le célèbre peintre Pablo Picasso.

    Les Poulbots :

    Un des aspects les plus emblématiques de son travail est la création des "Poulbots" - un terme utilisé pour décrire à la fois les enfants de Montmartre et les personnages qu'il a créés dans ses dessins.
    Ces figures sont devenues des symboles de la résilience et de l'innocence de l'enfance, capturant l'imagination du public et élargissant l'influence culturelle de Poulbot bien au-delà de Paris.

    Engagement Social :

    Au-delà de son talent artistique, Poulbot était également un humaniste engagé.
    Il a utilisé sa renommée pour sensibiliser aux conditions difficiles des enfants des rues parisiens et a soutenu activement plusieurs causes sociales, y compris l'éducation des plus défavorisés.

    Héritage et Reconnaissance :

    Aujourd'hui, l'héritage de Francisque Poulbot perdure à travers ses œuvres exposées dans des musées à travers le monde et à travers l'expression continue de son influence dans l'art et la culture populaires.
    Sa capacité à capturer l'essence même de la vie quotidienne avec une touche d'humour et de poésie reste une source d'inspiration pour les artistes contemporains et les amateurs d'art.
    Pour conclure, Francisque Poulbot demeure non seulement un artiste de renom, mais aussi un témoin de son temps, qui a su immortaliser avec émotion et sincérité la beauté simple de la vie parisienne au début du XXe siècle. Son art continue d'émerveiller et de toucher les cœurs, rappelant à tous que la véritable grandeur réside parfois dans les moments les plus simples de la vie.

    Notre œuvre du jour, signée Francisco Poulbot : " Le Salut aux blessés ".

    1 - Titre complet : *Le Salut aux Blessés*
    Artiste : Francisque Poulbot (Paris, 1879–1946)
    Date de création : 1916
    Technique : Lithographie en couleurs sur papier japon
    Date de création : vers 1915-1916 (pendant la Première Guerre mondiale)
    Dimensions : 65,5 x 47,9 cm
    Conservation : Musée des Beaux-Arts de Reims
    2 - Description de la scène
    L'œuvre représente quatre enfants déguisés en soldats, portant des armes factices et un drapeau tricolore, saluant au garde-à-vous deux soldats français blessés, marchant avec une canne. Dans la marge, une remarque lithographiée montre deux têtes d’enfants : une fillette déguisée en infirmière soignant un garçon en soldat agenouillé.
    3 - Analyse thématique
    * Innocence et patriotisme : Les enfants imitent les gestes militaires avec sérieux, exprimant une admiration sincère pour les soldats.
    * Humour et tendresse : Le contraste entre la solennité des enfants et leur jeune âge apporte une touche d'humour attendrissante.
    * Hommage aux blessés : L'œuvre rend hommage aux soldats blessés, soulignant leur courage et la reconnaissance de la population civile.
    4 - Technique artistique
    * Lithographie polychrome : Poulbot utilise la lithographie en couleurs pour une reproduction fidèle et expressive de ses dessins.
    * Papier japon : Le choix de ce support confère une texture fine et une qualité supérieure à l'estampe.
    5 - Contexte historique et sociétal
    Créée en 1916, en pleine Première Guerre mondiale, cette lithographie s'inscrit dans un contexte où l'art sert de soutien moral et de propagande. Poulbot, trop âgé pour être mobilisé, contribue à l'effort de guerre par ses dessins, participant à des campagnes de soutien aux blessés et aux œuvres de guerre, comme la "Journée de Paris" du 14 juillet 1916 .
    6 - Autres œuvres similaires de Poulbot
    a - " C’est un coup de fourreau de sabre " (1915)
    Un enfant blessé minimise sa blessure, illustrant la bravoure enfantine et l'humour face à l'adversité.
    b - " Le 75 " (1915)
    Des enfants jouent avec un canon miniature, reflétant la fascination des jeunes pour l'artillerie et la guerre.
    c - " Porte-le à Guillaume " (1915)
    Une scène humoristique dans une infirmerie militaire, où un pot de chambre est destiné à l'empereur Guillaume II, moquant l'ennemi.
    d - " Vers l’arrière " (1915)
    Un soldat blessé est accompagné d'un enfant portant une épée, symbolisant le passage de témoin et la continuité de l'effort de guerre.
    7 - Héritage et postérité
    Les œuvres de Poulbot, notamment " Le Salut aux Blessés ", témoignent de l'impact de la guerre sur la société civile et de la manière dont l'art peut servir de lien entre le front et l'arrière.
    Ces dessins restent des documents précieux pour comprendre l'état d'esprit de la France pendant la Grande Guerre.© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Découvrir les anciens moules à cigares
    Tuesday 13 May 2025 - 11:42
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    tabacologie
    Tabacologie : une science, mais surtout une passion, une soif de découvertes pour de nombreux collectionneurs

    Les moules à cigares anciens sont des témoins silencieux d’une époque où chaque cigare était le fruit d’un travail minutieux et passionné. Que vous soyez amateur de cigares, collectionneur ou simplement curieux du patrimoine artisanal, ces objets méritent d’être observés, compris et préservés.
    En les redécouvrant, on honore l’histoire de tout un art de vivre.

    Les anciens moules à cigares : histoire, fabrication et usage d’un outil artisanal.

    L’univers du cigare est empreint d’histoire, de traditions et d’un savoir-faire méticuleux transmis de génération en génération.
    Parmi les outils emblématiques de cette industrie artisanale, les moules à cigares – ou presses à cigares – occupent une place centrale.
    Ces instruments, souvent en bois massif, ont longtemps été essentiels à la fabrication manuelle des cigares, et continuent aujourd’hui d’intriguer les collectionneurs comme les passionnés.
    Plongez-vous dans l’univers fascinant des anciens moules à cigares : leur origine, leur fabrication, leur utilisation, et leur importance historique...

    Origine des moules à cigares.

    L’usage des moules à cigares remonte aux débuts de la production industrielle du cigare, principalement dans les Caraïbes et en Amérique latine.
    Bien que la fabrication du cigare soit une tradition ancienne ( les premiers cigares étant roulés à la main sans aide mécanique ) l’introduction du moule au XIXe siècle a permis d’harmoniser les formats, d’accélérer le processus de fabrication, et de garantir une qualité constante.
    C’est à Cuba, cœur historique de la production de cigares, que les premiers moules standards apparaissent dans les manufactures (les fábricas).
    Ils sont ensuite adoptés dans d’autres pays producteurs comme la République dominicaine, le Honduras et le Nicaragua.

    Fabrication des moules à cigares

    Les anciens moules à cigares étaient traditionnellement fabriqués à la main, souvent en bois dur comme le cèdre, l’acajou ou le hêtre, des essences résistantes à l’humidité et aux variations de température.
    Un moule classique est composé de deux plateaux en bois évidés, comportant chacun une série de demi-cavités, qui, une fois les plateaux réunis, forment des alvéoles cylindriques.
    Chaque cavité correspond à un format de cigare spécifique (Robusto, Corona, Churchill, Torpedo, etc.).
    Le moule peut contenir entre 5 et 10 cigares, parfois plus selon les modèles.
    Les alvéoles sont finement poncées et calibrées avec précision pour ne pas écraser le cigare tout en lui donnant une forme régulière.
    La fabrication d’un moule demandait de la précision et du savoir-faire.
    Les artisans menuisiers de l’époque taillaient les cavités à la main ou à l’aide de fraises spécialisées.
    Chaque moule pouvait être estampillé du nom de la fabrique, du format de cigare ou d’un numéro de série.

    Utilisation des moules dans la fabrication des cigares

    La fabrication d’un cigare traditionnel se fait en plusieurs étapes : sélection du tabac, fermentation, roulage (torcido), pressage, et enfin finition.
    Le moule intervient après le premier roulage, lorsque les feuilles de tabac sont rassemblées et formées en un cylindre grossier appelé bunch (ou bonche en espagnol).
    Voici comment le moule est utilisé :
    Préparation du bonche : Le torcedor (rouleur de cigares) assemble les feuilles de remplissage (tripa) et de sous-cape (capote) en une forme cylindrique.
    Mise sous presse : Le bonche est inséré dans les cavités du moule. Une fois rempli, le moule est fermé et placé sous une presse en métal ou en bois pendant 30 à 60 minutes. Cette pression uniforme donne au cigare sa forme définitive.
    Roulage final : Après le pressage, le cigare est recouvert de la cape (capa), une feuille de tabac extérieure soigneusement choisie pour sa texture et son apparence.
    Le moule permet ainsi d’obtenir des cigares réguliers en termes de diamètre, de densité et de format, des éléments essentiels pour une combustion uniforme et une expérience de dégustation optimale.

    Les différents types de moules

    Les moules à cigares anciens présentent une grande diversité en fonction des époques, des régions et des manufactures. On distingue notamment :
    Les moules simples : Deux blocs de bois, souvent numérotés, avec des cavités de forme droite.
    Les moules en « torpedo » ou « figurado » : Pour les formats non cylindriques, avec des formes effilées ou complexes.
    Les moules en bois exotiques : Certains fabriqués avec des bois rares ou décorés pour des éditions spéciales.
    Les moules industriels : Utilisés au XXe siècle dans les grandes manufactures, parfois en métal ou en matériaux composites.

    L’utilisation des moules à cigares en Europe : histoire et développement.

    Si les moules à cigares ont vu le jour dans les Caraïbes et en Amérique latine, leur usage s’est également étendu à l’Europe dès le XIXe siècle, avec l’essor de la consommation de cigares sur le continent.
    Plusieurs pays européens ont développé une véritable industrie autour du cigare, en important les techniques artisanales, y compris l’utilisation des moules.
    Les principaux pays utilisateurs en Europe
    - Espagne : L’Espagne est le premier pays européen à adopter l’utilisation des moules, notamment grâce à ses liens coloniaux avec Cuba. La Fábrica de Tabacos de Sevilla devient un centre majeur de production.
    - France : Avec les manufactures de Morlaix et Tonneins, la France intègre rapidement les moules dans la production nationale.
    Ils permettent une meilleure standardisation pour un marché exigeant.
    - Allemagne : Régions comme le Bade-Wurtemberg ou la Saxe voient fleurir de nombreuses manufactures locales.
    Des moules en bois comme en métal y sont employés.
    - Pays-Bas et Belgique : Ces pays adoptent les moules grâce à leurs colonies productrices de tabac et une demande locale soutenue.

    Pourquoi l’Europe a adopté les moules ?

    Standardisation de la production : Garantir un produit homogène pour les marchés nationaux et d’exportation.
    Optimisation du travail artisanal : Accélération du processus de fabrication.
    Influence coloniale et culturelle : Transfert de savoir-faire depuis les colonies.
    Contrôle étatique : En France par exemple, pour encadrer la production sous monopole.

    Les moules à cigares comme objets de collection.

    Aujourd’hui, les anciens moules à cigares sont très recherchés par les collectionneurs, amateurs d’artisanat ou de design vintage.
    Ils sont souvent vendus sur les marchés d’antiquités, dans les ventes aux enchères ou sur des plateformes spécialisées.
    Plusieurs éléments influencent leur valeur :
    L’ancienneté : Les moules du XIXe siècle ou du début du XXe sont les plus rares.
    L’état de conservation : Un moule bien conservé, avec toutes ses cavités intactes, est plus précieux.
    Les inscriptions : Les marques de fabrique, les cachets d’époque ou les signatures augmentent la valeur historique.
    Le bois utilisé : Le cèdre de Cuba ou l’acajou peuvent rendre un moule plus désirable.
    Certains les détournent même en objets décoratifs, en boîtes de rangement, ou en présentoirs originaux pour des cigares ou des stylos.

    Un témoignage d’un savoir-faire intemporel.

    Les anciens moules à cigares sont bien plus que de simples outils : ils sont le reflet d’une tradition artisanale profondément enracinée dans la culture du tabac. Chaque moule raconte une histoire, celle des mains qui l’ont fabriqué, des cigares qu’il a formés, des ouvriers qui ont transmis leur savoir.
    Dans un monde de plus en plus mécanisé, ces objets rappellent l’importance du travail manuel, de la précision et du respect des matériaux.
    Leur redécouverte ravive un lien tangible avec le passé de la fabrication du cigare, entre artisanat et patrimoine industriel...

    Nos objets du jour...

    Sur les images présentées dans la galerie ci-dessous, vous pouvez découvrir de nombreux détails sur de vrais moules à cigares, relativement anciens.
    Vous pouvez y observer les formes, les couleurs, les variantes de bois, les détails de construction mais aussi et surtout les inscriptions que portent ces moules à cigares, inscriptions qui ajoute une vraie plus-value à leurs qualités décoratives …
    Les inscriptions sur les anciens moules ou presses à cigares ont des significations spécifiques liées à l'histoire et à la fabrication.
    Un exemple concret : sur l'un de ces objets nous relevons ces inscriptions :
    *****
    D.R.G.M.

    HART & HERTEL
    N° 14479
    SCHWETZINGEN
    BEI MANNHEIM

    K & B. 179
    *****
    Quelles sont leurs signification alors ?
    1. * D.R.G.M. * : Cela signifie " Deutsches Reichs-Gebrauchsmuster ", ce qui se traduit littéralement par " Modèle d'utilité du Reich allemand ". C'était une marque déposée en Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale pour indiquer un modèle ou un design protégé, similaire à un brevet mais pour un usage pratique plutôt que pour une invention.
    >> cela nous permets de situer son origine ( Allemagne ) et de peaufiner la datation ( début XXème ) !
    2. * HART & HERTEL * : Il s'agit fort probablement  du nom des fabricants ou de l'entreprise qui a produit le moule ou la presse à cigares.
    Ils pourraient être basés à Schwetzingen près de Mannheim.
    3. * N° 14479 SCHWETZINGEN BEI MANNHEIM * : Il s'agit probablement du numéro de série ou d'identification spécifique de l'objet, indiquant sa fabrication à Schwetzingen, une ville près de Mannheim en Allemagne.
    4. * K & B. 179 * : Cette inscription pourrait représenter un autre numéro de série ou une référence interne utilisée par l'entreprise ou le fabricant.

    Je vous laisse trouver d'autres renseignements à partir d'autres photographies ...
    enjoy  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Pour trouver des Netsuke en ivoire ou en os ...
    Friday 09 May 2025 - 17:22
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Netsuke
    Netsuke : des objets de collections fascinants
    Vous avez, vous cherchez des objets bien précis en os ou en ivoire, comme les Netsuke ?
    Collectionneur, passionnés d'art Asiatique, plus particulièrement de ces petits objets vestimentaires traditionnels japonais servant à maintenir les sagemono à la ceinture du Kimono, vous cherchez à en trouver davantage, comme tout collectionneur ou à réaliser des échanges ou des ventes …
    Sur le plan artistique, il n'est pas exagéré de dire que le netsuke représente la tradition artistique naissante du Japon.  

    Les netsuke en ivoire ou en os sont souvent des pièces de collection fascinantes !

    Où et comment trouver des netsuke en ivoire ou en os à vendre ?
    Pour trouver de tels netsuke à vendre, voici quelques options :
    1. Boutiques spécialisées et galeries d'art : Cherchez dans les boutiques d'antiquités, les galeries d'art asiatique ou les magasins spécialisés dans l'art et l'artisanat japonais. Ils peuvent avoir des collections variées et parfois rares.
    2. Sites de vente en ligne : Des plateformes comme eBay, Etsy, ou des sites spécialisés dans les antiquités peuvent avoir une sélection de netsuke, y compris en ivoire ou en os.
    Assurez-vous de vérifier l'authenticité et les détails avant l'achat.
    3. Maisons de vente aux enchères : Les grandes maisons de vente aux enchères comme Sotheby's, Christie's, ou des maisons locales spécialisées dans les antiquités asiatiques organisent parfois des ventes aux enchères d'objets d'art japonais où vous pourriez trouver des netsuke.
    4. Foires d'antiquités : Les foires d'antiquités et les salons d'art peuvent être des endroits où des collectionneurs et des marchands exposent leurs pièces.
    C'est une bonne occasion de voir une variété de netsuke en réel.
    5. Réseaux de collectionneurs : Joindre des clubs de collectionneurs d'art asiatique ou des forums en ligne spécialisés peut vous mettre en contact avec des collectionneurs qui pourraient vendre ou recommander des pièces.

    Quelles différences entre netsuke en Os et en Ivoire ?

    Les netsuke en os et ceux en ivoire peuvent sembler similaires à première vue, mais plusieurs différences permettent de les distinguer, tant sur le plan esthétique que matériel :
    Netsuke en os
    - Matière : L'os provient généralement de bœuf, de cheval ou de baleine.
    * L’os a souvent un grain plus grossier.
    * On voit fréquemment de petits canaux ou points noirs (vestiges des canaux médullaires).
    * Le ton est souvent plus mat et légèrement grisâtre ou jaunâtre.
    * Poids : Un peu plus léger que l’ivoire.
    * Travail de sculpture : Plus facile à sculpter, mais l’usure est plus rapide.
    * Valeur : Moins cher que l’ivoire, sauf cas de pièces rares ou très anciennes.
    Netsuke en ivoire
    - Matière : Issu des défenses d’éléphant, mais parfois aussi de morse ou de narval.
    - L’ivoire a un aspect plus lisse et soyeux, avec une brillance naturelle.
    - Présente souvent un motif en croissant de lune (appelé "Schreger lines") visible en coupe transversale.
    - Plus uniforme que l’os.
    - Poids : Un peu plus dense et lourd que l’os.
    - Travail de sculpture : Permet des détails plus fins et plus nets.
    - Valeur : Plus élevé, surtout si la pièce est ancienne et bien conservée.

    ** IMPORTANT : Attention légale : que dit la LOI ?

    L’ivoire est strictement réglementé à l’achat, à la vente et à l’import/export dans de nombreux pays (y compris la France), même pour les objets anciens.
    Les netsuke en os sont beaucoup moins contraints.
    Si l'Os ne pose aucun problème à la vente comme à l'achat, que dit la Loi pour les Objets en Ivoire ?
    La législation sur l’ivoire est devenue très stricte ces dernières années, notamment pour lutter contre le braconnage des éléphants…
    La Législation française et européenne sur l'ivoire (mise à jour 2022)
    A -  Ce qui est autorisé :
    Vous pouvez posséder et vendre certains objets en ivoire sous conditions strictes :
    1. Objet ancien pré-CITES (avant 3 mars 1947) :
    - Il doit être entièrement façonné (c’est-à-dire transformé) avant cette date.
    - Il faut prouver cette ancienneté (facture, expertise, datation…).
    - Il est possible de vendre en France et dans l'UE avec une déclaration préalable auprès de la DREAL (Direction Régionale de l'Environnement, de l'Aménagement et du Logement).
    2. Objet contenant moins de 20 % d’ivoire et fabriqué avant 1947 : il peut aussi être vendu sous certaines conditions.
    B - Ce qui est interdit :
    - L’achat, la vente, ou l’exportation d’ivoire brut, même ancien.
    - La vente d’objets en ivoire postérieurs à 1947 (sauf rares exceptions scientifiques ou muséales).
    - Les objets ne respectant pas les critères de transformation et d’ancienneté ne peuvent pas être commercialisés, même s’ils sont "anciens".
    Quelles démarches pour vendre un objet en ivoire ?
    1. Obtenir une expertise ou certification prouvant que l’objet est bien pré-CITES.
    2. Déclarer l’objet à la DREAL via un formulaire CERFA.
    3. Attendre l’autorisation de détention et de vente avant de procéder à la transaction.

    À bien prendre en compte ...

    *** Les contrôles peuvent être sévères, notamment sur les plateformes comme eBay, lors de certaines brocantes ou dans les ventes aux enchères.
    ** Le transport d’objets en ivoire est encore plus restreint et peut nécessiter un Certificat CITES.
    Vous trouverez ci-dessous quelques petits exemples de Netsuke, en ivoire ou en os pour illustrer ce petit article, n'hésitez pas à bien les observer dans la galerie photos …   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Adolphe Léon Willette : Chroniqueur visuel de la Belle Époque
    Wednesday 07 May 2025 - 11:41
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Adolphe Léon Willette
    Adolphe Léon Willette : illustrateur du XIXe siècleAdolphe Léon Willette (1857-1926) fut un artiste aux multiples facettes, illustrateur, affichiste et peintre, dont l'œuvre s'inscrit dans l'effervescence artistique de Montmartre à la fin du XIXe siècle.
    Son style, mêlant satire et poésie, reflète les contrastes de son époque, entre insouciance bohème et engagement politique.

    Adolphe Léon Willette : Entre satire et rêverie, un artiste au cœur de Montmartre.

    Sa Biographie

    Né le 30 juillet 1857 à Châlons-sur-Marne (aujourd'hui Châlons-en-Champagne), Adolphe Léon Willette est le fils du colonel Henri-Léon Willette, aide de camp du maréchal Bazaine, et de Marie Claire Élisabeth Junck. Il commence ses études à l'institut Boniface à Paris, puis au lycée de Dijon. En 1875, suite à l'implication de son père dans l'évasion de Bazaine, il est radié du lycée et intègre l'École des beaux-arts de Paris, où il devient l'élève d'Alexandre Cabanel.
    En 1882, Willette s'installe à Montmartre, quartier alors en effervescence artistique. Il y fréquente des figures majeures de l'époque telles que Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Camille Pissarro et Vincent van Gogh. Il participe activement à la vie culturelle montmartroise, notamment en collaborant à la création du cabaret Le Chat Noir avec Rodolphe Salis et Émile Goudeau.
    Willette meurt le 4 février 1926 à Paris et est inhumé au cimetière du Montparnasse.

    Son Œuvre artistique

    Peinture et illustration
    Willette est reconnu pour ses talents de peintre, illustrateur, affichiste et caricaturiste. Son style, mêlant humour, satire et poésie, s'exprime à travers diverses œuvres :
    "Parce Domine…" (1884) : Toile ayant orné le cabaret du Chat Noir, aujourd'hui conservée au musée de Montmartre.
    "Passage de Vénus devant le soleil" (1885) : Huile sur toile exposée au musée d'Art et d'Histoire Louis-Senlecq.
    "Notre-Dame de Paris" (1904) : Œuvre emblématique conservée au Petit Palais à Paris.
    "Feu Pierrot" (1919) : Recueil de souvenirs de Willette.
    "Pauvre Pierrot" : Ouvrage illustré par Willette.
    "Les Sept Pêchés Capitaux ", déjà évoqués.
    Des reproductions de ses œuvres, comme le "Panneau décoratif" se trouvent encore en ligne ...
    Il réalise également des fresques, des vitraux, des affiches publicitaires, des cartes postales et des illustrations pour des ouvrages littéraires.
    Presse et caricature
    Willette collabore avec plusieurs journaux et revues, dont Le Courrier français et La Libre Parole illustrée. En 1888, il fonde son propre magazine, Le Pierrot, où il publie des bandes dessinées muettes et des caricatures politiques.
    Il est également l'auteur de caricatures antisémites publiées entre 1889 et 1895, reflétant ses positions politiques controversées de l'époque.

    Engagements et reconnaissance

    Willette est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1906, puis officier en 1912. Il milite pour le respect du droit d'auteur et devient le premier président de la Société des artistes pour la propriété artistique en 1909.
    Il participe à la décoration de la salle des commissions de l'hôtel de ville de Paris, inaugurée en 1909, où il réalise des panneaux représentant des scènes de la vie parisienne.
    En 1920, il cofonde la République de Montmartre avec Forain, Guérin, Neumont et Poulbot, et en devient le premier président.

    Héritage et postérité

    Après sa mort, un square au pied du Sacré-Cœur est nommé en son honneur. Cependant, en 2004, en raison de son engagement antisémite, le square est rebaptisé "square Louise-Michel".
    Malgré les controverses, l'œuvre de Willette continue d'être étudiée et exposée, témoignant de son influence sur l'art de la Belle Époque.
    Adolphe Willette demeure une figure complexe de l'art français, dont l'œuvre, riche et variée, reflète les contradictions et les aspirations de son époque.

    Quelques exemples concrets et illustrés.

    1 - Les Septs Pêchés capitaux : avarice / luxure / orgueil / envie / paresse / gourmandise / colère - Lithographies originale de A. Willette - 1857 / 1936
    Quasiment une des plus récentes apparitions d'une des séries de Lithographies, connue et recherchée de Willette, " Les 7 pêchés capitaux " ... complète de ses 7 planches originales !
    Il s'agit donc d'un lot de 7 lithographies signées dans la planche, de leur auteur " Adolphe Léon Willette ", datées pour certaines et nommées ainsi:
    * l'avarice 1917
    * la luxure  1917
    * l'orgueil   1916
    * l'envie   1916
    * la paresse
    * la gourmandise
    * la colère = notée 1906
    2 - Les enfants et les Mères - Sanguine - Lithographie Originale
    WILLETTE Adolphe
    Les enfants et les mères.
    Lithographie originale, imprimée à la sanguine.
    dimensions : 25 x 38 cm env.
    3 - La Flagellation du Christ - 1910 - Gravure - Lithographie - Tampon à Sec
    WILLETTE Adolphe Léon : Châlon sur Marne 1857 † Paris 1926
    Belle gravure originale par Adolphe Willette, signée en bas à gauche dans la planche, représentant la flagellation du Christ à la colonne.
    Un jeune homme fouette une personne attachée à un poteau qui semble avoir une " auréole ", d'où un intitulé courant pour cette lithographie, à savoir : " La Flagellation du Christ ".
    Les deux personnes sont nues. La victime est déjà gravement blessée, un chien lèche son sang sur le sol. À l'arrière-plan, on croit voir un soldat avec un casque et une lance ainsi qu'une fenêtre grillagée.
    dimensions : 32 x 45 cm env.
    4 - "Visite matinale" - Lithographie originale 1925 Dernière œuvre de l'artiste" - 1925
    Lithographie originale en sanguine, épreuve sur Japon, timbre sec "SSG" en bas à gauche et petite remarque représentant un enfant nu balayant.
    Dimensions : vue : 283 x 433 mm - marges : 380 x 560 mm.
    Il s’agit de la dernière œuvre de l’artiste qui n’a pas eu l’occasion de la contresigner, mais elle reste cependant bel et bien signée " dans la planche ".
    Traces d'humidité, sinon Très bon état.
    ....© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Les objets et souvenirs des JO de Paris arrivent aux enchères publiques
    Saturday 12 April 2025 - 12:24
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Ventes aux EnchèresVentes aux Enchères : les premiers lots officiels des JO de Paris 2024

    Les Jeux Olympiques de Paris 2024, ainsi bien sur que les Jeux Paralympiques, à peine terminés, bon nombre d'objets s'échangeaient déjà, ou se vendaient, entre amateurs et collectionneurs.
    Désormais c'est le tour des Salles de Ventes de monter des enchères publiques avec ce type de thématique qui devient forcément " collectible ", soit pour de petits lots, soit pour liquider certains stocks ( mascottes … ), choses qui sont proposées à prix abordables ou même plus lorsque dans plusieurs ventes l'on trouve désormais des objets emblématiques comme des torches ou autres symboles olympiques qui sont dans une toute autre catégorie de prix …
    Quelques petits exemples pour vous en donner un bref aperçu ...

    1 - Costume complet du Porteur de Flamme masqué

    comprenant : Capuche, calot, masque, chemise, veste et veston, pantalon, guêtres, chaussures, gants, bretelles, t-shirt noir
    Le porteur de flamme masqué, apparaissant notamment lors de la séquence d'introduction de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024, a servi de fil rouge tout au long de l'événement.
    Ce personnage mystérieux, vêtu d'un costume noir, a été interprété par plusieurs artistes, dont Simon Nogueira, champion de France de freerunning, et Floriane Issert, sous-officier de gendarmerie. Le personnage rendait hommage à des figures emblématiques de la culture française, telles que le Fantôme de l'Opéra, Belphégor, l'Homme au masque de fer, Fantômas, Arsène Lupin, Fantômette, ainsi qu'au jeu vidéo Assassin's Creed. Cependant, les organisateurs n'ont pas attribué de nom officiel spécifique à ce personnage.

    2 - Torche Olympique des Jeux de Paris 2024

    Torche officielle des XXXIIIe Jeux Olympiques d’été, imaginée par Mathieu Lehanneur et réalisée en France par ArcelorMittal en acier 100 % recyclé.
    Son design symétrique et épuré incarne trois valeurs essentielles : l’égalité, avec une parité totale entre athlètes et une torche unique pour les Jeux Olympiques et Paralympiques, l’eau, élément central du parcours de la flamme et des épreuves, symbolisé par des effets d’ondes et de vibrations, et l’apaisement, représenté par des courbes douces évoquant la fraternité et la trêve olympique.
    D’une hauteur de 70 cm pour un poids de 1,5 kg, elle arbore une teinte dorée champagne (Matthieu Lehanneur a imaginé une couleur résultant du mélange de l'or, de l'argent et du bronze) et présente un diamètre identique de 3,5 cm en haut et en bas. 
    Produite en 2000 exemplaires seulement, dont 1500 pour les Jeux Olympiques et 500 pour les Jeux Paralympiques, elle se distingue par une fabrication en quantité limitée, cinq fois inférieure aux productions des Jeux précédents.
    Cet exemplaire, un des 1500 acheminés depuis Marseille à Paris après avoir fait son grand Tour et enchanté près de 11 000 relayeurs, a été reconditionné dans son emboitage officiel.

    3 - Torche Paralympique des Jeux de Paris 2024

    Torche officielle des Jeux Paralympiques de Paris 2024, conçue par le designer Mathieu Lehanneur et fabriquée en France par ArcelorMittal.
    Son design épuré et symétrique reflète les valeurs fondamentales de ces Jeux : l’égalité, l’eau et l’unité. Identique à la torche olympique à l’exception du logo gravé, elle symbolise l’inclusion et l’universalité en réunissant, pour la première fois, les deux événements sous un même objet emblématique.
    Réalisée en acier 100 % recyclé, sa teinte dorée champagne aux reflets doux évoque la lumière et la chaleur humaine. 
    Elle mesure 70 cm de hauteur, pèse 1,5 kg et présente un diamètre uniforme de 3,5 cm. 
    Produite à seulement 500 exemplaires pour les Jeux Paralympiques, elle s’inscrit dans une démarche d’exclusivité et de durabilité, marquant une rupture avec les productions en grande série des éditions précédentes.
    La flamme paralympique, allumée simultanément dans plusieurs lieux en France et en Outre-mer, a parcouru un itinéraire unique avant son arrivée à Paris. Portée par des relayeurs célébrant la diversité et la résilience, elle a traversé des territoires emblématiques, tissant des liens entre les communautés et rappelant la force du mouvement paralympique.
    Présentée dans son écrin officiel, cette torche incarne l’esprit des Jeux Paralympiques, entre dépassement de soi et fraternité.

    ** Bon à savoir :

    Si ces trois lots font partie d'une vente en ligne, le même jour, le 13 avril, 2025, une autre vente intègre elle toute une foule d'objets divers, presque 200 lots, allant de la mascotte à des accessoires de décors, de vêtements ou de photographies dédicacés par les participants et les champions de 2024 et ceci dans une gamme de prix un peu plus accessible …
    Tous les passionnés vont pouvoir y trouver leur bonheur et vous, pour l'instant, vous pouvez les voir ici, en dessous dans les photos exposées …     enjoy  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Pourquoi et comment collectionner les autos miniatures ?
    Friday 11 April 2025 - 18:19
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    auto miniature
    auto miniature : des souvenirs pour certains, une véritable passion pour d'autres ...

    Pourquoi certaines personnes collectionnent-elles les petites voitures miniatures ?

    Il y a plein de raisons pour lesquelles on se prend au jeu de les collectionner…
    C'est un peu comme plonger dans un monde miniature plein d'histoires.
    * Souvent, ça commence par un " attachement nostalgique ", une sorte de retour vers l'enfance.
    Peut-être qu'on avait une petite voiture préférée quand on était gamin, et en retrouver une similaire est alors le but de la quête ...
    Ça réveille des souvenirs, des sensations... c'est un lien tangible avec le passé.
    * Il y a aussi le " plaisir esthétique " …
    Certaines de ces miniatures sont de véritables œuvres d'art en réduction, avec des détails incroyables. On apprécie la finesse de la reproduction, les couleurs, les formes... C'est un peu comme collectionner des tableaux ou autres, mais en trois dimensions !
    * Pour d'autres, c'est l'" aspect de la collection elle-même " qui les stimule …
    Une sorte de défi pour trouver le modèle manquant, de compléter une série, de classer et d'organiser sa collection... C'est une quête, une sorte de chasse au trésor permanente.
    Et puis, il y a la fierté de montrer sa collection, de partager sa passion avec d'autres !
    * On peut aussi même y voir un " investissement financier ", même si ce n'est pas la motivation première pour la plupart.
    Certaines miniatures rares peuvent prendre de la valeur avec le temps.
    * Pour d'autres, c'est juste un " amusement " ...
    On peut les manipuler, les faire rouler, imaginer des scénarios... C'est tout un petit monde à portée de main.
    In Fine, c'est une passion qui touche à la fois la mémoire, l'esthétique, le défi et le pur plaisir.

    Il y a des AUTOPHILES ou MECANOPHILES dans le monde entier !

    Hé oui, enfin, c'est au moins le nom que l'on donne, dans le monde des collectionneurs à toutes celles et à tous ceux dont la passion se dirige vers les voitures miniatures et parfois même selon leurs préférences, en fonction des marques, des époques, des pays, des attributions ou fonctions données dans la réalité aux véritables véhicules originaux.

    Quelles sont les différentes catégories que l'on peut avoir quand on collectionne les modèles réduits automobiles ?

    Le monde de la collection de modèles réduits automobiles est vaste et les collectionneurs peuvent organiser leurs trésors de différentes manières.
    Quelques exemples ..
    1. Par échelle : C'est l'une des classifications les plus fondamentales. L'échelle indique la taille du modèle par rapport à la voiture réelle. Les échelles les plus courantes incluent :
    * 1:64 : Très populaire, notamment avec les marques comme Hot Wheels et Matchbox.
    * 1:43 : Très répandue en Europe, offre un bon compromis entre taille et détails.
    * 1:24 : Plus grande, permet plus de détails. Populaire aux États-Unis.
    * 1:18 : Très prisée des collectionneurs sérieux pour son niveau de détail élevé, souvent avec des pièces ouvrantes.
    * Il existe aussi d'autres échelles comme le 1:12 (très détaillé et grand), le 1:87 (très petit, souvent pour les dioramas), etc.
    2. Par type de véhicule : On peut se spécialiser dans une catégorie spécifique de voitures réelles :
    * Voitures de sport et supercars : Lamborghini, Ferrari, Porsche, etc.
    * Voitures de course et de rallye : Formule 1, voitures de rallye historiques, voitures de compétition GT.
    * Voitures classiques et anciennes : Voitures des années 50, 60, 70, etc.
    * Voitures modernes : Les modèles actuels que l'on croise sur nos routes.
    * Utilitaires et camions : Véhicules de chantier, camions de pompiers, etc.
    * Motos : Bien que moins "automobiles", certains collectionneurs les incluent.
    3. Par marque : La fidélité à un constructeur automobile est une autre approche :
    * Collectionner uniquement des modèles réduits de Peugeot, Citroën, BMW, Mercedes, Ford, etc.
    4. Par thème : Certains collectionneurs se concentrent sur un thème particulier :
    * Voitures de cinéma et de télévision : Les voitures emblématiques de films ou de séries.
    * Voitures d'une certaine époque : Par exemple, les voitures américaines des années 50.
    * Voitures ayant participé à un événement spécifique : Les voitures des 24 Heures du Mans d'une année donnée.
    * Voitures de catégories pro : pompiers, ambulances, Tour de France, publicitaires, etc
    5. Par fabricant de modèles réduits : La qualité et le niveau de détail peuvent varier considérablement d'un fabricant à l'autre. Certains collectionneurs sont fidèles à des marques réputées comme Autoart, Minichamps, Norev, Kyosho, etc.
    6. Par état et rareté :
    * Collectionner uniquement des modèles en parfait état, avec leur emballage d'origine.
    * Se concentrer sur les éditions limitées, les modèles rares ou ceux ayant des particularités (erreurs de fabrication, prototypes).
    7. Collection personnelle et sentimentale : Certains collectionneurs privilégient les modèles qui ont une signification personnelle, comme la réplique de la voiture qu'ils possédaient, celle de leur père, ou celle d'un événement marquant de leur vie...

    Les exemples de petites autos à collectionner que nous vous présentons aujourd'hui.

    Pour une fois, il ne s'agit pas de ' détailler ' " UN " article ou lot, mais juste d'essayer de sensibiliser les gens à l'autophilie au travers d'un petit article à caractère anodin et général.
    Pour les pièces plus spécifiques, plus rares, plus importantes, d'autres articles les détailleront ensuite … :)
    Vous pouvez donc visualiser, dans la galerie photos ci-dessous, QUATRE modèles de petites voitures, sans très grandes prétentions sauf celles du plaisir des yeux et du partage.
    a - Ford Model T(Torpedo), Rami JMK, échelle 1/43ème
    b - DEDION-BOUTON CAB - 1900 - Rami JMK - FRANCE - 1/43
    c - Rochet-Schneider - 1895 - Rami JMK - FRANCE - 1/43
    d - Autobus à Impériale - Matchbox "B" type bus 1912-1920 by Lesney avec son chauffeur

    voila, voila …. enjoy :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Netsuke en Ivoire - Homme et son Singe
    Sunday 06 April 2025 - 17:18
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    NERTZUKE
    NETSUKE : objet traditionnel Japonais

    Pourquoi les objets en Ivoire sont-ils très recherchés des collectionneurs ?

    Les objets en ivoire sont très recherchés des collectionneurs pour plusieurs raisons fascinantes :
    a - Beauté et qualité du matériau : L'ivoire est un matériau naturel d'une beauté unique, avec son grain fin, sa couleur chaude et sa capacité à prendre un poli exceptionnel.
    Il est aussi dense et durable, ce qui permet de créer des objets délicats et pérennes.
    b - Maîtrise artisanale : Travailler l'ivoire est un art qui demande une grande habileté et de longues heures de travail.
    Les sculptures et gravures en ivoire témoignent du talent exceptionnel des artisans. Chaque pièce est unique et porte la marque de son créateur.
    c - Histoire et culture : L'ivoire a été utilisé à travers l'histoire et dans de nombreuses cultures pour créer des objets utilitaires, décoratifs et religieux.
    Ces objets sont donc porteurs d'une richesse historique et culturelle importante. Pensez aux ivoires byzantins, aux sculptures gothiques ou aux netsuke japonais.
    d - Rareté croissante : En raison de la protection des éléphants et de la réglementation stricte du commerce de l'ivoire, les objets anciens sont devenus de plus en plus rares.
    Cette rareté contribue à augmenter leur valeur sur le marché de la collection.
    ** La loi distingue généralement les ivoires d'avant 1947, qui peuvent être vendus sous conditions strictes (certificat CITES), de ceux plus récents, dont le commerce est interdit.
    ** Il est important de noter que cette fascination pour l'ivoire a eu des conséquences désastreuses sur les populations d'éléphants. Aujourd'hui, l'achat et la vente d'ivoire sont strictement réglementés pour lutter contre le braconnage et protéger ces animaux emblématiques.
    Les collectionneurs responsables sont de plus en plus conscients de ces enjeux et se tournent vers des objets anciens dont la provenance est claire et légale.

    Les Netsukes : une passion pour certains collectionneurs !!!

    Les netsukes sont de petites sculptures miniatures raffinées, originaires du Japon.
    Historiquement, elles étaient utilisées comme attaches pour fixer des objets tels que des petites pochettes ou des boîtes aux ceintures des kimonos.
    Ces sculptures, souvent incroyablement détaillées, représentaient des animaux, des personnages, des créatures mythiques ou des scènes du quotidien.
    La pièce que nous voyons aujourd'hui, est un grand classique de l'Art japonais, de par sa matière, sa fonction, sa réalisation, sa thématique …

    NETZUKE figurant un homme et son singe sur l'épaule.

    Superbe Netsuke en ivoire d'éléphant.
    Matière : Ivoire d'éléphant, Elephas Maximus (nom scientifique), Eléphant d'Asie (nom espèce).
    Origine : Japon
    datation : ère Meiji (1868 et 1912), fin XIXème, probablement vers 1880
    origine : vérifiée; marque signature aux trois caractères, au revers sous les pieds
    dimensions : 5 cm x 2,5 cm x 4 cm
    poids : 50 grammes

    Pour Collectionneur !

    Il s'agit donc bien ici d'une pièce de collection unique.
    Le singe placé sur l'épaule de ce paysan, et en corrélation avec la place symbolique importante qu'il occupe dans le légendaire japonais, imprégnée de traditions et de croyances. Il est souvent associé à la sagesse, à la protection et à la malice.
    Il semble ici participer à la vie quotidienne du personnage, portant une sorte de besace d'une mais et un fruit de l'autre ...
    Matière lourde, lisse et polie, légèrement teintée par l'âge, ce netzuke est soigneusement réalisé, sculpté et gravé avec une très grande finesse et une grande précision.
    Il est dans un excellent état, sans chocs ni autres coups.
    Le décor est renforcé de couleur naturelle grise; le veinage bien visible et une patine lisse et brillante conforme à son âge que lui a laissé le passage du temps … :)
    ... superbe     :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star La Faïencerie de Saint-Clément et ses Pichets.
    Monday 24 March 2025 - 10:06
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Saint-Clément
    Saint-Clément : des Pichets zoomorphes de plus en plus recherchés
    Faïence, Biscuit, Barbotine ou encore Poterie, les Pichets, Brocs ou autres Cruches zoomorphes signés Saint-Clément ont actuellement une belle côte auprès des collectionneurs …
    La Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément représente bien plus qu’un simple artisanat : elle est un témoin de l’histoire, des traditions et du génie créatif lorrain. De la production de vaisselle raffinée aux pièces plus artistiques comme les pichets zoomorphes, cette manufacture a su marier l’art et la technique pour offrir des objets qui traversent les époques avec une étonnante modernité.
    En redécouvrant ces pièces exceptionnelles, on plonge dans un univers où l’art de la céramique atteint des sommets de beauté et d’inventivité...

    L’Histoire et les Productions de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément : Une Tradition Céramique Incontournable.

    La Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément, fondée au début du XVIIIe siècle, incarne une tradition d’excellence dans le domaine de la céramique en France. Située en Lorraine, cette manufacture a su traverser les époques, alliant savoir-faire ancestral et innovation.
    Son histoire est intimement liée à l’évolution de la faïence, cette céramique émaillée qui a marqué la production artisanale du pays.

    Les Origines de la Faïencerie.

    L’histoire de la faïencerie de Lunéville commence en 1698, lorsque Jean-Daniel Breguet, à l’origine un artisan potier, fonde la première manufacture. Ce n’est cependant qu’en 1760, sous l’impulsion de l’industriel et mécène Nicolas Luneville, que la faïencerie commence à véritablement se développer.
    Grâce à son emplacement stratégique au cœur de la Lorraine, Lunéville devient rapidement un centre de production de faïence de renommée européenne.
    La Faïencerie Saint-Clément, quant à elle, a été créée à la fin du XVIIIe siècle, au moment où la demande de faïence décorative explose.
    Les deux manufactures de Lunéville et Saint-Clément se sont associées au fil du temps pour créer des collections d’une qualité inégalée. Leur savoir-faire est marqué par des techniques de décorations minutieuses et des émaillages complexes qui caractérisent encore aujourd'hui leurs productions.

    Les Productions de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément.

    Les céramiques de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément sont principalement reconnues pour leur qualité et leurs motifs raffinés.
    La manufacture a produit une large gamme de vaisselle, de carafes, de vases, mais aussi des objets décoratifs uniques, à la fois utiles et esthétiques.
    Au fil des siècles, la Faïencerie a évolué en fonction des modes et des styles artistiques, du Rococo au style Art Nouveau.
    Les artisans de la faïencerie ont toujours su marier techniques traditionnelles et innovations artistiques. Les motifs de la faïence se déclinent en motifs floraux, en scènes pastorales, en peintures mythologiques et en paysages, tout en restant fidèle à l’esprit de la nature.
    Mais l'une des productions les plus marquantes de la faïencerie reste la série des pichets zoomorphes, des objets qui ont marqué l’histoire de cette manufacture.

    Les Pichets Zoomorphes de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément : Une Création Singulière.

    Les pichets zoomorphes, ces objets de forme animale, sont une spécificité de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément. Ces créations étonnantes s’inspirent de la faune locale et exotique et ont été produites en série dès le XVIIIe siècle.
    Ces pièces sont des exemples remarquables du savoir-faire des artisans de la faïencerie, qui ont su combiner créativité, maîtrise technique et originalité.
    Les pichets zoomorphes sont des objets à la fois utilitaires et décoratifs.
    Conçus à l'origine pour être des récipients à boire, ils prennent la forme d'animaux : oiseaux, chiens, chevaux, ou encore poissons.
    La Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément a produit des pièces d’une grande finesse, où chaque détail est travaillé avec soin, des plumes d’un oiseau aux pattes d’un chat.
    Ces objets, souvent en faïence émaillée, ont été réalisés dans des coloris variés, du bleu traditionnel aux teintes plus audacieuses, en passant par des décorations aux motifs floraux ou géométriques.
    Les pichets zoomorphes sont sans doute l’une des productions les plus emblématiques et les plus fascinantes de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément.
    Ces pièces, qui allient utilité et décoratif, se distinguent par leur forme animale et leur raffinement.
    À travers ces objets, la faïencerie lorraine a démontré une inventivité et un savoir-faire inégalés.
    Chaque pichet zoomorphe est une petite œuvre d’art, où les artisans ont mis à profit des techniques précises de moulage, de décoration et d’émaillage pour donner vie à des créatures animalières de toute sorte.
    Ces pièces ont été produites principalement à partir du XVIIIe siècle et sont devenues de véritables objets de collection.
    1. Le Pichet à Forme de Coq
    Le pichet en forme de coq est l’un des modèles les plus célèbres et les plus caractéristiques de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément. Conçu avec une grande attention au détail, il représente un coq majestueux, dont les plumes sont finement sculptées. Ce pichet, souvent en faïence blanche, est orné de touches de bleu, rouge et jaune qui rappellent les couleurs vibrantes des plumes du coq. Le bec du coq sert de bec verseur, tandis que la crête, délicatement modelée, sert de prise pour la poignée. La base du pichet, souvent arrondie et élargie, imite la forme de l’animal en mouvement, comme si le coq était prêt à se lancer dans un chant. Cette pièce est une parfaite fusion entre utilité et art, où la fonctionnalité d’un pichet rencontre l’élégance d’un oiseau dans sa posture naturelle.
    2. Le Pichet en Forme de Poisson
    Un autre modèle fascinant de la Faïencerie de Lunéville est le pichet en forme de poisson. Ce pichet, inspiré de la faune aquatique, est sculpté dans un réalisme saisissant, avec des détails minutieux représentant les écailles et la nageoire dorsale. Le bec du pichet est souvent situé à l’endroit où se trouve la bouche du poisson, tandis que la queue sert de prise pour la poignée. Le corps du poisson est modelé de manière à capter la fluidité de l'eau, comme si l'animal était en mouvement. Les couleurs utilisées pour ces pichets varient du bleu profond au vert, parfois agrémentées de touches de doré, pour accentuer l’aspect brillant de l’animal. Ce modèle, très prisé des collectionneurs, incarne à merveille l’esprit de la faïencerie de Lunéville – Saint-Clément, qui excelle dans la représentation de la nature de manière à la fois réaliste et artistique.
    3. Le Pichet en Forme de Chat
    Le pichet en forme de chat est une autre pièce emblématique de la collection zoomorphe de Lunéville – Saint-Clément. Il représente un chat assis ou en train de se lécher la patte, une position qui montre l’aisance et la grâce de cet animal. Les détails de ce pichet sont particulièrement fins : les moustaches, les pattes et les yeux du chat sont minutieusement sculptés, et la texture de la fourrure est rendue avec une grande précision. Le bec du pichet est discrètement intégré dans la forme de l’animal, souvent au niveau de la bouche. Les couleurs varient en fonction des modèles, allant des teintes naturelles de gris et de beige aux teintes plus audacieuses, avec des motifs floraux et des touches de doré pour ajouter de la dimension à la pièce. Ce pichet est l’incarnation même de la beauté et de la délicatesse de l’animal.
    4. Le Pichet en Forme de Chien
    Le pichet en forme de chien fait également partie des pièces qui ont marqué l’histoire de la faïencerie. Représentant souvent un chien dans une posture fière ou attentive, ce modèle est caractérisé par un haut degré de réalisme dans les détails. Les oreilles du chien, généralement droites ou tombantes, sont finement modelées, et le pelage est souvent décoré avec des touches de couleurs douces pour simuler le poil. Le bec verseur se trouve souvent à l’endroit du museau, et la queue sert de prise pour la poignée. Ce pichet est particulièrement apprécié pour sa finesse et sa représentation soignée de l’animal. Parfois, des variantes de ce modèle sont produites, avec des chiens de différentes races ou dans des positions variées, permettant ainsi aux collectionneurs de retrouver une gamme assez large de ces créatures fidèles et attendrissantes.
    5. Le Pichet en Forme de Canard
    Un autre modèle populaire est le pichet en forme de canard. Ce modèle évoque la grâce et la fluidité de cet oiseau aquatique. Le bec du canard sert de bec verseur, tandis que la tête est souvent légèrement inclinée, ce qui donne au pichet une expression vivante. Le corps du canard est en forme arrondie, avec une large base pour assurer la stabilité de la pièce. Ce pichet est souvent décoré de couleurs vives, notamment des verts, des jaunes et des oranges, mais parfois aussi de touches de bleu et de blanc pour évoquer le plumage du canard. La finition de la pièce est d’une grande qualité, avec des détails soigneusement appliqués pour souligner la texture du plumage et l’élégance naturelle de l’oiseau.
    6. Le Pichet en Forme de Serpent
    L’un des modèles les plus rares et les plus intrigants produits par la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément est le pichet en forme de serpent. Ce modèle audacieux et peu commun représente un serpent dont le corps sinueux se déroule de manière à former le corps du pichet. Le bec verseur est placé à la tête du serpent, et la poignée est intégrée à la queue. Le travail sur la texture de la peau du serpent est remarquable, avec des détails fins qui imitent les écailles et les ondulations de l’animal. Le serpent, souvent représenté en couleurs vives comme le vert ou le jaune, est parfois décoré de motifs floraux ou géométriques pour accentuer l’aspect décoratif de la pièce. Cette création particulière illustre le génie créatif des artisans de Lunéville – Saint-Clément, qui n’ont pas hésité à explorer des formes plus originales et intrigantes.
    7. Le Pichet en Forme de Paon
    Un autre modèle fascinant est celui du pichet en forme de paon. Ce modèle est particulièrement apprécié pour la majesté de l’animal qu’il représente. Le paon est ici sublimé dans toute sa splendeur : le bec verseur est conçu à partir de la tête du paon, tandis que la queue, qui constitue la base du pichet, est ouverte en éventail. Les plumes du paon sont finement sculptées et décorées de couleurs vives, notamment des bleus, des verts et des jaunes éclatants. La beauté de cet oiseau est capturée dans une forme à la fois dynamique et élégante, et les artisans ont fait un travail exceptionnel pour retranscrire les détails du plumage avec une grande finesse. Ce pichet est un véritable chef-d'œuvre de la faïencerie, qui combine un design spectaculaire avec une grande fonctionnalité.
    8. Le Pichet en Forme de Perroquet ou Cacatoès
    Le pichet en forme de perroquet ou cacatoès est un modèle remarquable, qui capte l'essence de ces oiseaux exotiques connus pour leur plumage coloré et leur intelligence. Ce pichet, minutieusement sculpté, représente un perroquet ou cacatoès en plein vol ou posé sur une branche. Le bec du perroquet, souvent élancé et légèrement incurvé, sert de bec verseur, tandis que la silhouette de l’oiseau est rendue avec une grande précision. Les plumes sont finement détaillées, avec des touches vibrantes de couleurs comme le rouge, le jaune, le bleu et le vert, qui rappellent l’aspect flamboyant du plumage de ces oiseaux. Le corps du pichet est souvent en position de mouvement, capturant ainsi le dynamisme de l’oiseau. La base, qui sert de support, peut imiter une branche ou une pierre, ajoutant une touche de réalisme supplémentaire.
    Ce modèle, par son éclat visuel et son souci du détail, incarne parfaitement l'esprit ludique et raffiné de la faïencerie de Lunéville – Saint-Clément, tout en offrant un hommage vibrant à la beauté naturelle du perroquet ou cacatoès.

    Une Tradition Vivante ...

    Les pichets zoomorphes de la Faïencerie de Lunéville – Saint-Clément ne sont pas seulement des objets utilitaires, mais des pièces artistiques à part entière.
    Leurs formes et leurs décors, toujours inventifs, témoignent d’une volonté constante d’offrir des objets aussi beaux que pratiques.
    Aujourd’hui, les pichets zoomorphes de Lunéville – Saint-Clément sont très recherchés par les collectionneurs, qui les apprécient pour leur unicité et leur rareté.
    À travers ces créations, les artisans ont réussi à capter la beauté et la singularité du monde animal tout en créant des pièces pratiques et esthétiques.
    Ces pichets, souvent décorés avec des couleurs vives et des détails minutieux, sont des témoignages de l’ingéniosité de la faïencerie, qui continue de fasciner et d’émerveiller les collectionneurs et les amateurs d’art céramique ...

        enjoy  :)
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  • share read star Objet de pharmacie et autres : un Mâche-Bouchon
    Monday 17 March 2025 - 16:56
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Mâche-Bouchon
    Mâche-Bouchon : un objet Utilitaire devenu objet de Curiosité
     C'était un outil essentiel pour de nombreux professionnels, garantissant que les contenants étaient bien scellés pour préserver leur contenu ...

    Qu'est-ce qu'un mâche-bouchon ?

    Un mâche-bouchon est un outil manuel traditionnel utilisé pour préparer et insérer les bouchons en liège dans les bouteilles. Il s'agissait d'un outil en métal, bronze, fonte, avec un levier, ressemblant un peu à un tire-bouchon inversé, conçu pour former et comprimer les bouchons à la forme des goulots des flacons ou des bouteilles.
    Ils étaient fort utilisés dans maintes profession, notamment en pharmacie pour assurer une fermeture vraiment bien hermétique des flacons de préparation.
    On leur donnait très souvent un aspect " zoomorphe " comme celui d'un lézard, d'un crocodile ou ...
    Un " mâche-bouchon " est un outil traditionnel utilisé pour insérer ou enlever des bouchons de bouteilles, notamment des bouteilles de vin ou de champagne.
    C'est un appareil manuel qui fonctionne en pressant et en tordant pour forcer le bouchon à entrer ou à sortir du goulot de la bouteille.
    Les mâche-bouchons, plus particulièrement les mâche-bouchon en fonte, étaient particulièrement populaires avant l'invention des bouchons en plastique et des bouchons vissés modernes.
    Ils sont souvent considérés comme des objets de collection ou des instruments vintages dans le domaine de l’œnologie et des accessoires de cuisine ou encore parmi les objets de curiosité.

    Voici un résumé des caractéristiques principales du mâche-bouchon :

    - Usage principal : Insérer ou enlever les bouchons des bouteilles.
    - Matériaux : Généralement fabriqué en métal robuste pour une meilleure durabilité.
    - Mécanisme : Fonctionne par pression et torsion pour manipuler le bouchon.
    Même si les mâche-bouchons ne sont plus couramment utilisés aujourd'hui, ils restent un symbole du savoir-faire artisanal et de la tradition viticole.

    Qui se servait dans le temps d'un mâche-bouchon ?

    Le mâche-bouchon était principalement utilisé par les professionnels du vin et des spiritueux, comme les vignerons, les tonneliers et les restaurateurs.
    Voici quelques exemples de ceux qui se servaient de cet outil :
    1 - Vignerons
    Les vignerons utilisaient des mâche-bouchons pour boucher les bouteilles de vin après la mise en bouteille. Cela permettait de sceller hermétiquement le vin pour assurer sa conservation et son vieillissement.
    2 - Sommeliers et restaurateurs
    Les sommeliers et les restaurateurs utilisaient des mâche-bouchons pour ouvrir les bouteilles de vin devant les clients. À une époque où les bouchons en liège étaient plus courants, cet outil était essentiel pour le service professionnel du vin.
    3 - Tonneliers
    Les tonneliers, qui fabriquaient et réparaient les tonneaux, utilisaient parfois des mâche-bouchons lorsqu'ils travaillaient avec des fûts de vin qui nécessitaient des bouchons pour sceller les ouvertures.
    4 - Collectionneurs et amateurs de vin
    Même si le mâche-bouchon n'était pas un outil domestique courant, certains amateurs de vin et collectionneurs en possédaient pour l'ouverture des bouteilles rares ou anciennes, ajoutant une touche de tradition à leur dégustation.
    L'utilisation de mâche-bouchons a diminué avec l'avènement des bouchons synthétiques et des bouchons à vis modernes, mais ils restent un symbole du savoir-faire et des traditions viticoles d'autrefois.
    5 - Pharmaciens
    Les pharmaciens utilisaient des mâche-bouchons principalement pour " compresser, comprimer, ramollir et assouplir les bouchons de liège " avant de les insérer dans les goulots des flacons ou bouteilles contenant les médicaments. Cela permettait de sceller hermétiquement les contenants et de préserver l'intégrité des produits pharmaceutiques.
    Les bouchons de liège étaient souvent bouillis avant d'être formés dans les alvéoles du mâche-bouchon pour les rendre plus malléables.
    Une fois prêts, les bouchons étaient insérés avec plus ou moins de force selon la taille du goulot.
    Cet outil était essentiel pour garantir que les médicaments restent stériles et efficaces pendant leur stockage et leur utilisation.
    dans les estaminets, ils étaient souvent fixés sur un comptoir ou un socle en marbre ou en fonte pour faciliter leur usage.

    Le fonctionnement du " mâche-bouchon ".

    Un mâche-bouchon est un outil manuel traditionnel utilisé pour préparer et insérer les bouchons en liège dans les bouteilles.
    1. Préparation du bouchon : Le bouchon en liège devait être ramolli avant son insertion. Cela se faisait souvent en le plongeant dans de l'eau chaude pour le rendre plus flexible.
    2. Insertion du bouchon : Le bouchon ramolli était placé dans l'ouverture du mâche-bouchon.
    3. Compression du bouchon : Le mâche-bouchon comprenait généralement un mécanisme de levier qui, lorsqu'il était actionné, comprenait le bouchon pour le rendre plus compact.
    4. Placement dans la bouteille : Le bouchon, maintenant comprimé, était aligné avec l'ouverture de la bouteille. En actionnant à nouveau le levier, le bouchon était poussé fermement dans le goulot de la bouteille.
    5. Scellage hermétique : Une fois inséré, le bouchon se dilatait légèrement pour créer un joint étanche, scellant ainsi la bouteille hermétiquement.

    Utilisation spécifique en pharmacie.

    Les pharmaciens utilisaient des mâche-bouchons pour boucher des flacons contenant des médicaments ou des préparations pharmaceutiques.
    Le processus était similaire à celui utilisé pour les bouteilles de vin, garantissant que les flacons étaient bien scellés pour préserver l'intégrité et la stérilité de leur contenu.

    Notre objet du jour : un ancien mâche-bouchon en fonte

    Bien bel objet, tout à fait typique de ce genre de production ou d'utilisation.
    Dans ce cas particulier, celui-ci représente un crocodile, mâchoires grandes ouvertes et queue relevée, en fort bel état.
    Il ne présente juste que les traces habituelles du temps, notamment une légère rouille qui pourra soit être conservée pour montrer plus d'authenticité, soit être nettoyée, rapidement et facilement avec un produit adapté et un peu d'huile de coude, pour ensuite recevoir une couche de protection et lui rendre un éclat totalement neuf.
    Pas de chocs notoires, pas de casse mais bel et bien toujours opérationnel : un objet du curiosité aussi qui portera sans doute à discussion avec les gens qui ne connaissent pas …  :)
    dimensions : 28 x 10 x 12cm
    poids : 2300 gr
    production vers la fin du XIXème siècle
         enjoy  :)
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  • share read star Nao by Lladró, figurines en porcelaine
    Sunday 09 March 2025 - 17:54
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Nao by Lladró
    Nao by Lladró : une des plus belles porcelaines !
    Les figurines en porcelaine Nao by Lladró sont des œuvres d'art uniques et élégantes, fabriquées à la main en Espagne depuis les années 1960. Elles sont connues pour leurs couleurs vives et leur finition brillante, et chaque figurine raconte une histoire unique qui captivera les amateurs d'art et d'artisanat.
    Les figurines Nao sont inspirées par des expériences de vie, des traditions et des sentiments positifs, et elles sont réalisées avec une esthétique raffinée et des couleurs fraîches. Elles sont également appréciées pour leur qualité et leur durabilité, grâce à la porcelaine fine utilisée pour les fabriquer.
    Découvrir les ventes en ligne ... :)
    En plus des figurines classiques, la collection Nao comprend également des pièces fonctionnelles comme des lampes, ainsi que des sculptures de plus grand format. Chaque pièce est unique et prête à être appréciée ou offerte en cadeau.

    Les productions de Lladró  et Nao, de la création à nos jours.

    Lladró est une entreprise espagnole de renommée mondiale, spécialisée dans la fabrication de figurines en porcelaine de haute qualité.
    Fondée dans les années 60'par trois frères, Juan, José et Vicente Lladró, dans le village d'Almácera, près de Valence. Les frères Lladró se sont inspirés des porcelaines de Sèvres, Meissen et Capodimonte pour créer des œuvres d'art uniques et raffinées.
    Au fil des années, Lladró a diversifié sa production pour inclure des luminaires, des accessoires de décoration et des bijoux, tout en restant fidèle à son style distinctif et à sa qualité exceptionnelle.

    L'entreprise a également collaboré avec des designers de renom pour créer des collections contemporaines et innovantes.

    Peu à peu, vers 1977, après l'immense succès rencontré par la série " DAISA " ( de jolies petites ballerines en tutu … ) la créativité va se diversifier un peu.
    Pour se diversifier, en 1968, Lladró a lancé une ligne de figurines plus simples et plus abordables sous le nom de "Rosal", qui a ensuite été rebaptisée "Nao".
    Les figurines Nao sont conçues pour être plus modestes et accessibles, tout en conservant la qualité et l'attention aux détails qui caractérisent les créations Lladró. Cette ligne a été créée pour répondre à une demande croissante de figurines en porcelaine à des prix un peu plus abordables.
    Aujourd'hui, Lladró et Nao continuent de produire des figurines en porcelaine qui captivent les collectionneurs et les amateurs d'art du monde entier.
    Les créations Lladró sont particulièrement appréciées pour leur finesse et leur élégance, tandis que les figurines Nao offrent une alternative plus accessible sans compromettre la qualité, la finition, le soucis du détail ou la brillance d'origine.

    Les techniques de fabrication des porcelaines de Nao by Lladro pour arriver à une telle qualité !

    Les figurines en porcelaine Nao by Lladró sont fabriquées avec un soin méticuleux et une attention particulière aux détails. Voici un aperçu des techniques de fabrication utilisées :
    1. Conception et Modélisation : Tout commence par la création d'un modèle en argile, sculpté à la main par des artistes qualifiés. Ce modèle sert de base pour la fabrication des moules.
    2. Moulage : Une fois le modèle en argile terminé, des moules en plâtre sont fabriqués. Ces moules sont utilisés pour couler la porcelaine liquide, également appelée barbotine, qui prendra la forme du modèle original.
    3. Assemblage : Les différentes parties de la figurine sont coulées séparément et assemblées à la main. Les artisans veillent à ce que chaque pièce s'ajuste parfaitement pour créer une figurine homogène.
    4. Séchage et Cuisson : Les figurines assemblées sont laissées à sécher avant d'être cuites dans un four à haute température. Cette première cuisson, appelée biscuit, permet de durcir la porcelaine.
    5. Émaillage : Après la première cuisson, les figurines sont émaillées pour leur donner une finition brillante et protectrice. L'émail est appliqué à la main, puis les figurines sont cuites une deuxième fois pour fixer l'émail.
    6. Peinture et Décoration : Les détails finaux, tels que les traits du visage et les motifs décoratifs, sont peints à la main par des artistes spécialisés. Cette étape requiert une grande précision et un savoir-faire exceptionnel.
    7. Contrôle de Qualité : Chaque figurine est minutieusement inspectée pour s'assurer qu'elle répond aux normes de qualité élevées de Lladró. Les pièces défectueuses sont rejetées et les figurines parfaites sont prêtes à être expédiées.
    Ces techniques de fabrication combinent des méthodes artisanales traditionnelles avec des technologies modernes pour créer des œuvres d'art en porcelaine de haute qualité.

    Nos objets, nos Ballerines du jour …

    Il s'agit ici de vous présenter, comme une illustration de la thématique de cet article, quatre sujets bien particuliers, quatre danseuses, quatre ballerines en tutu de cette fameuse collection de 1977, tant recherchée par les amateurs d'Art, les collectionneurs et certaines galeries.
    Nous pouvons différencier ou classer ces 4 modèles selon leur position ou leur attitude:
    - jeune fille à la queue de cheval, allongée et reposant sur ses coudes.
    - jeune danseuse aux 2 couettes, posant pour la  photo en appui sur un coude.
    - jeune ballerine en tutu, assise regardant langoureusement dans le vague.
    - jolie petite ballerine se reposant assise, les mains délicatement posées au-dessus des chevilles.
    Tenue et tutu blanc immaculé, cheveux courts ou longs, d'un beige ou d'un gris léger, peau naturelle, le tout en finesse et brillance, symboles de la Marque.
    Leur AUTHENTICITE est visible en regardant, sur le dessous de chaque pièce, la présence des tampons : NAO hand made in spain by LLADRO - DAISA 1977 - tampon original " Au Gallion ", ainsi que quelques nombres de références du modèle.
    ** Il s'agit d'une des premières séries produites et victime de son succès, n'ayant connu aucune réédition ! **
    dimensions : 19 x 15 x 11 cm env.
    poids : 460 gr env.
    Vous pouvez les découvrir et observer la finesse et la qualité de fabrication en parcourant les photographies placées dans la galerie ci-dessous …

                  enjoy :)

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  • share read star Les aventures de TINTIN en K7 et DVD
    Wednesday 26 February 2025 - 16:44
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    animations TINTIN
    animations TINTIN : des éditions en K7 vidéos et en DVD
    Les aventures de Tintin, créées par le dessinateur belge Hergé, sont devenues un phénomène mondial avec des millions de lecteurs à travers le globe. Cependant, ce ne sont pas seulement les bandes dessinées qui ont conquis les cœurs des amateurs …

    Tintinophiles : à vos K7 et DVD !!!

    Les adaptations en K7 et en DVD ont également joué un rôle crucial dans la diffusion des histoires captivantes de ce jeune reporter et de son chien Milou.
    - Les collections en K7, sorties principalement dans les années 80 et 90.
    Elles ont permis aux fans de revivre les aventures de Tintin dans un format accessible et populaire à l'époque. Ces K7 contenaient des adaptations animées qui, malgré les limitations techniques de l'époque, ont réussi à capturer l'essence des albums originaux avec leur style d'animation distinctif et une fidélité impressionnante à l'œuvre d'Hergé.
    - Avec l'évolution des technologies et l'avènement du DVD, les aventures de Tintin ont connu une nouvelle vague de popularité.
    Les DVD ont offert une qualité d'image supérieure, des suppléments enrichissants, et des fonctionnalités interactives, permettant aux fans de redécouvrir leurs histoires préférées sous un nouveau jour. De plus, ces adaptations ont souvent inclus des documentaires sur Hergé et la genèse de Tintin, offrant un aperçu précieux de la création de cet univers emblématique.
    Les DVD ont également permis une distribution plus large et une préservation des épisodes animés, garantissant que les nouvelles générations puissent également profiter des aventures de Tintin.
    - - Ainsi, que ce soit en K7 ou en DVD, les aventures de Tintin continuent de fasciner et d'inspirer des millions de personnes à travers le monde.
    Ces formats ont non seulement permis de sauvegarder un héritage culturel inestimable, mais aussi de le transmettre aux futures générations, assurant que Tintin et ses amis continueront de vivre de nouvelles aventures dans l'imaginaire collectif.

    Quelques exemples plus détaillés sur les productions des aventures de TINTIN en animation, entre autres … ( K7 ou DVD )

    Les adaptations des aventures de Tintin en vidéo ont été nombreuses et variées. Voici quelques exemples détaillés :
    1. Tintin et le Temple du Soleil (1969)
    Cet épisode est une adaptation des albums "Les 7 Boules de Cristal" et "Le Temple du Soleil". Réalisé par les studios Belvision, il a d'abord été distribué en K7 et plus tard en DVD. L'animation, bien que rudimentaire selon les standards actuels, est restée fidèle aux dessins originaux d'Hergé. La bande son et les dialogues ont été spécialement soignés pour capturer l'atmosphère des bandes dessinées.
    2. Les Aventures de Tintin (1991-1992)
    Cette série animée, produite par Ellipse et Nelvana, a été une grande réussite. Comprenant 39 épisodes couvrant la plupart des albums d'Hergé, elle a été diffusée dans de nombreux pays et traduite en plusieurs langues. Les versions en K7 étaient très populaires dans les années 90, et les coffrets DVD ont continué à être des incontournables pour les fans. Les DVD incluent souvent des bonus, comme des interviews avec les créateurs de la série et des documentaires sur Hergé.
    3. Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge (1957)
    Ces deux histoires, issues des albums éponymes, ont été adaptées dans une série animée en noir et blanc par les studios Belvision. Bien que cette version soit moins connue que celle de 1991, elle est précieuse pour les collectionneurs et les fans des premières adaptations de Tintin. Disponible en K7 et DVD, cette série montre bien l'évolution de l'animation au fil des décennies.
    4. Tintin et le Lac aux Requins (1972)
    Ce long-métrage d'animation, réalisé également par les studios Belvision, propose une aventure originale de Tintin. Sorti en salles avant d'être disponible en K7, puis en DVD, ce film est un ajout unique à la collection Tintin, offrant une histoire inédite par rapport aux albums classiques. Les DVD incluent souvent des bonus intéressants, tels que des bandes-annonces et des making-of.
    Ces productions montrent la richesse et la diversité des adaptations des aventures de Tintin en vidéo, permettant de revivre les histoires captivantes de ce personnage emblématique sous de nombreux formats.

    Trois lots de vidéos, K7 ou DVD, en détails et photographies, pour les collectionneurs.

    a - HERGE MOULINSART - TINTIN - L'INTEGRALE en 6 CASSETTES VIDEO - 1997 - Collector - Rare
    * TINTIN  - L'intégrale de la Série d'Animation - 21 aventures
    * présentées en 6 cassettes vidéo VHS
    * une édition Ellipse Programme, Citel Vidéo, Hergé/Moulinsart, 1997
    TRES RARE COFFRET TINTIN MOULINSART 1997.
    " L'édition "Tintin - L'intégrale de la Série d'Animation" sortie en 1997 par Ellipse Programme, Citel Vidéo, et Hergé/Moulinsart est une collection qui regroupe les 21 aventures de Tintin en 6 cassettes vidéo VHS. Cette série d'animation est basée sur les célèbres bandes dessinées créées par Hergé. Chaque cassette comprend plusieurs épisodes, offrant ainsi une compilation complète des aventures de Tintin dans un format vidéo. C'est une belle manière de revisiter ces histoires captivantes ! est devenue un objet de collection rare. Actuellement, il est difficile de trouver cette version spécifique en vente ... "
    dimensions du coffret : 33,5 x 25,5 x 16 cm
    poids total : 2000 gr.
    b - 1997 - INTEGRALE DE LA SERIE D'ANIMATION TINTIN - 21 aventures - 10 vidéos - 13 heures 40 - Collection
    ** Objet COLLECTOR ! devenu désormais quasi introuvable en cet état ! **
    Présentés dans un coffret en bois, avec poignée en corde et  avec couvercle coulissant illustré d'une création de Hergé/Moulinsart et protégée par du plexiglas.
    TOUS PUBLICS
    VHS - SECAM - VF - Bande "High-grade" - Couleur
    Ellipse Production
    Citel Vidéo, 1997
    " Sacem "
    ISBN : 3309458003227
    dimensions : 28 x 21 x 12 cm
    poids : 2300 gr
    c - TINTIN - L'INTEGRALE de la série d'animation en 22 P'TIT DVD - EDITION LIMITEE - 2007 - COLLECTOR
    en 21 P'tits DVD + 1 P'tit DVD BONUS
    presque 14 heures d'animation !
    DVD video - Citel Vidéo - ELLIPSAN!ME - Sacem - Zone 2 - Pal - 2007
    TOUS PUBLICS
    ** POUR COLLECTIONNEURS PASSIONNES **
    ** en boite métallique, genre coffret valise, avec poignée, non ouverte, encore sous cellophane **
    dimensions : 23 x 15,5 x 11 cm
    poids : 1200gr
    voilà pour aujourd'hui et pour nos amis tintininophiles ...
    enjoy :)
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  • share read star Collector des JO de Pékin : une médaille d'or de 2008
    Saturday 08 February 2025 - 17:11
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    JO Pékin 2008
    JO Pékin 2008 : la cérémonie d'ouverture

    Les Jeux Olympiques de Pékin 2008 : Une célébration mondiale du sport dans l'un des plus grands pays du Monde !

    Les Jeux Olympiques de Pékin en 2008 ont été marqués par une préparation minutieuse et des performances spectaculaires, faisant de cet événement un moment inoubliable dans l'histoire des Jeux modernes.
    Organisés du 8 au 24 août 2008, ils ont accueilli 204 nations et environ 11 000 athlètes venus concourir dans 28 sports et 302 épreuves.
    La cérémonie d'ouverture, orchestrée par le célèbre réalisateur Zhang Yimou, a ébloui le monde entier avec ses spectacles pyrotechniques, ses chorégraphies millimétrées et ses innovations technologiques.
    1 - Infrastructures et innovations
    La ville de Pékin a investi massivement dans les infrastructures pour accueillir les Jeux.
    Le Stade National, surnommé le "Nid d'Oiseau", est devenu l'un des symboles emblématiques de ces Jeux avec son architecture unique.
    Le Centre National de Natation, connu sous le nom de "Cube d'Eau", a également attiré l'attention avec son design inspiré des bulles d'eau.
    Outre ces infrastructures impressionnantes, les organisateurs ont mis l'accent sur l'innovation technologique, assurant une diffusion sans précédent des épreuves et une expérience immersive pour les spectateurs du monde entier.
    2 - Performances et moments mémorables
    Les Jeux de Pékin ont été le théâtre de performances sportives mémorables.
    Usain Bolt, sprinter jamaïcain, a marqué l'histoire en établissant de nouveaux records du monde sur 100 mètres et 200 mètres, captivant l'attention du public avec sa vitesse fulgurante et sa personnalité charismatique.
    Michael Phelps, nageur américain, a également réalisé un exploit retentissant en remportant huit médailles d'or, battant le précédent record de sept médailles d'or en une seule édition des Jeux Olympiques.
    Ces performances ont contribué à faire de Pékin 2008 une édition légendaire des Jeux.
    3 - Héritage et controverses
    Si les Jeux de Pékin 2008 ont été largement salués pour leur organisation et leur spectacle, ils n'ont pas été exempts de controverses.
    Les questions liées aux droits de l'homme en Chine, notamment la censure et le traitement des minorités, ont suscité des débats et des manifestations à travers le monde.
    Malgré ces tensions, l'héritage des Jeux de Pékin reste marqué par des infrastructures durables et un renforcement du rôle de la Chine sur la scène internationale.
    Les Jeux Olympiques de Pékin 2008 ont été, à leur époque, un événement marquant, non seulement pour les performances sportives exceptionnelles, mais aussi pour les innovations technologiques et les discussions sociopolitiques qu'ils ont engendrées.
    Ils demeurent, comme toujours pour des JO, un exemple de la capacité des Jeux Olympiques à rassembler des nations et à promouvoir l'excellence sportive tout en soulevant des questions d'importance mondiale.

    Les Différentes Mascottes ou Fuwa, qui ont représenté les JO de Pékin.

    Les Jeux Olympiques de Pékin en 2008 ont présenté cinq mascottes connues sous le nom de "Fuwa" (aussi appelées "les Amis"), chacune représentant une couleur des anneaux olympiques ainsi qu'un élément de la culture et de la nature chinoises.
    Les cinq mascottes sont :
    1. Beibei : Un poisson bleu qui symbolise la prospérité et la force, associé à l'eau.
    2. Jingjing : Un panda noir qui représente la joie, le bonheur et le bois.
    3. Huanhuan : Une flamme rouge qui incarne la passion et l'esprit olympique, associé au feu.
    4. Yingying : Une antilope tibétaine jaune qui symbolise la santé et la rapidité, représentant la terre.
    5. Nini : Une hirondelle verte qui représente le ciel et la chance.
    Ces mascottes ont été largement présentes tout au long des Jeux, non seulement sur les médailles, mais aussi dans diverses campagnes promotionnelles et événements.
    C'est justement sur une de ces médailles, une médaille d'or qui plus est que nous les avons retrouvées et que nous allons vous les présenter …
    ( comme quoi, une ' collection ' peut nous emmener très loin dans les recherches, investigations et commentaires … :) )

    Notre Collector du jour : Coffret Officiel des JO de PEKIN 2008, en édition officielle et limitée.

    MEDAILLE des 5 MASCOTTES. EDITION LIMITEE à 80 000. Numérotée. Véritable Collector. Rare.
    ensemble complet comprenant :
    - coffret de présentation doré, avec inscriptions en chinois et logo olympique de Pékin 2008.
    - intérieur en soie blanche, velours rouge, avec étiquette d'origine
    - notice officielle écrite en chinois et en anglais ( traduite ci-dessous ) (  portant le numéro de la pièce : n° 018854 )
    - reproduction de la médaille d'or en forme de fleur à 5 pétales; chacun décoré d'une des 5 versions colorées de la mascotte des JO de Pékin, accompagnées d'un commentaire embouti dans la masse. Au centre le logo et les mentions officielles. Au verso le Temple du Ciel comme décrit dans la notice.
    - notice et dépliant de 8 feuillets présentant les versions de la mascotte en plusieurs langues ( chinois et anglais ).
    NOTICE DE PRESENTATION OFFICIELLE JOINTE :
    " Le médaillon commémoratif des mascottes en forme de fleur
    Note de collection
    Le médaillon d'un diamètre de 55 millimètres est en bronze doré en forme de fleur à dix pétales.
    Le devant du médaillon porte les images de l'emblème et des mascottes de la XXIXe Olympiade.
    Le dos porte une image de l'art populaire chinois qui combine cinq éléments de la nature : la mer, la forêt, le feu, la terre et le ciel, comme celui du Temple du Ciel.
    Finement conçu et fabriqué avec une technique avancée, le médaillon porte une étiquette anti-contrefaçon pour le produit sous licence officielle de Pékin 2008 et a un tirage limité à 80 000 pièces, en série numérotée.
     Autorisé par le Comité d'Organisation de Pékin pour les Jeux de la 29ème Olympiade.     "
    dimensions de la boite : 14 x 14 x 3 cm
    poids : 280 gr.
    Pour les détails, voyez les images ci-dessous …  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Qui était la Comtesse DASH ?
    Friday 24 January 2025 - 18:14
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Comtesse Dash
    Comtesse Dash : une femme de lettres aux multiples pseudonymes .
    La Comtesse Dash, de son vrai nom Gabrielle Anne de Cisternes de Courtiras (1828-1899), était une romancière française du XIXe siècle. Connue pour ses écrits prolifiques et passionnés, elle a également utilisé les pseudonymes "Gabrielle de St. Mars" et "La Vicomtesse de Saint-Mars" pour signer certaines de ses œuvres. Son style captivant et ses intrigues romantiques ont su séduire de nombreux lecteurs de son époque.

    Qui était donc La Comtesse Dash ?

    La Comtesse Dash, de son vrai nom Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras, était une romancière française née le 1er août 1804 à Poitiers et décédée le 9 septembre 1872 à Paris.
    Elle a écrit sous plusieurs pseudonymes, dont celui de " Jacques Reynaud " également.
    Elle a commencé à écrire après avoir perdu sa fortune et a utilisé le pseudonyme de " Comtesse Dash " pour éviter des conflits avec sa famille.
    Ses œuvres, souvent nostalgiques des mœurs de la haute société, ont été bien reçues par la critique littéraire de son temps.

    Que sait-on sur Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras ?

    Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras, connue sous le nom de plume Comtesse Dash, est née le 1er août 1804 à Poitiers et est décédée le 9 septembre 1872 à Paris.
    Elle était issue d'une famille noble et riche. Son père, Antoine Cisternes, était directeur des domaines.
    Elle a épousé le vicomte Eugène-Jules de Poilloüe de Saint-Mars en 1822, mais leur mariage n'a pas duré.
    Après avoir connu des revers de fortune, elle a décidé de vivre de sa plume et a pris le pseudonyme de Comtesse Dash pour éviter des conflits avec sa famille.
    Elle a écrit de nombreux romans sous ce pseudonyme, souvent nostalgiques des mœurs de la haute société et des intrigues amoureuses.
    Elle a également collaboré avec Alexandre Dumas et a publié plusieurs de ses œuvres sous son nom.

    Quels sont les principaux romans de la Comtesse Dash ?

    Elle a écrit de nombreux romans au 19ème siècle. Voici quelques-uns de ses principaux ouvrages :
    - Le Jeu de la Reine (1839) - Son premier roman, bien accueilli par la critique.
    - Mémoires des autres - Une série de romans qui dépeignent les mœurs de la haute société et les vicissitudes de l'amour.
    - La Princesse Palatine - Un autre de ses romans populaires.
    - La Dame de volupté (1863) - Publié sous le nom d'Alexandre Dumas, mais attribué par certains à la Comtesse Dash.
    Ces œuvres reflètent souvent une nostalgie pour les mœurs du grand monde et les intrigues amoureuses.

    Le livre du jour : " Madame de la Sablière ".

    "Madame de la Sablière" raconte l'histoire de Marguerite Hessein, marquise de La Sablière, une femme célèbre pour son esprit et sa beauté au XVIIe siècle. Elle est connue pour avoir ouvert son salon littéraire à Paris, attirant des écrivains, des poètes, et des philosophes de renom, tels que La Fontaine. Le roman dépeint sa vie sociale et intellectuelle, ses amours tumultueuses, et ses interactions avec les grands esprits de son temps. À travers ce personnage, la Comtesse Dash explore les défis et les triomphes des femmes de la haute société dans une époque marquée par la grandeur et les intrigues de la cour.

    Notre exemplaire de " Madame de la Sablière.

    *** EDITION ORIGINALE ***
    Comtesse DASH  (pseudonyme d'Anna Gabrielle de Cisternes)
    Madame de La Sablière
    Paris, Desessart, 1840.
    Bel In-8 de (2) ff., 362 pp., (1) f. de table ;
    réalisé en demi-veau fauve, dos lisse orné de filets dorés, pièce de titre de chagrin vert bronze, tranches mouchetées.
    ** Reliure de l'époque **.
    état : reliure légèrement insolée, quelques traces de frottages, intérieur en excellent état = Très Bon exemplaire.
    dimensions : 21,5 x 14 x 2 cm
    poids : 1050 gr
    * "Comtesse Dash" est le nom de plume d'Anna Gabrielle de Cisternes de Courtiras, vicomtesse de Poilloüe de Saint-Mars (1804-1872), épouse du vicomte de Saint-Mars.
    bonne lecture ... enjoy  ...  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Qu'est-ce qu'un pistolet poivrière ?
    Monday 13 January 2025 - 17:11
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    pistolet poivrière
    pistolet poivrière : un système pour tirer plusieurs coups

    Pour en savoir un peu plus sur le Pistolet Poivrière.

    Un pistolet poivrière, ou "pepperbox" en anglais, est une arme à feu historique datant des XVIIIe et XIXe siècles.
    Il se distingue par plusieurs canons rotatifs, souvent entre quatre et dix, montés sur un cylindre. Cela permettait au tireur de tirer plusieurs coups successifs sans avoir à recharger après chaque tir, offrant ainsi un avantage tactique significatif à l'époque.
    Ces pistolets étaient surtout populaires avant l'invention des revolvers modernes, car ils permettaient de tirer plusieurs balles rapidement.
    Les poivrières étaient utilisées à la fois par les civils pour la défense personnelle et par les militaires. Leur conception ingénieuse et leur esthétique en font aujourd'hui des pièces de collection très recherchées.

    Différence entre un pistolet poivrière et un revolver.

    1 - Pistolet Poivrière
    - Conception : A plusieurs canons rotatifs montés sur un cylindre.
    - Tir : Chaque canon a sa propre chambre de charge, ce qui permet de tirer plusieurs coups successifs sans recharger.
    - Avantages : Facilité de tir multiple rapide sans les complications des premiers mécanismes de revolvers.
    - Période d'utilisation : Populaires avant et au début de l'ère des revolvers (XVIIIe et XIXe siècles).
    2 - Revolver
    - Conception : Un seul canon avec un cylindre rotatif contenant plusieurs chambres de charge (généralement six).
    - Tir : Le cylindre tourne pour aligner chaque chambre avec le canon pour chaque coup tiré.
    - Avantages : Plus léger et plus compact par rapport au pistolet poivrière ; finalement plus pratique et efficace.
    - Période d'utilisation : A pris le dessus à partir du milieu du XIXe siècle avec l'invention du revolver à percussion.

    Existe-t-il plusieurs genres ou familles de Pistolet Poivrière ?

    En effet, il y a plusieurs genres de pistolet poivrière et chacune de ces familles a contribué à l'évolution des armes à feu et a son propre charme historique…
    1. Les poivrières à percussion
    Ces modèles utilisent un système de percussion où chaque canon a une amorce qui, lorsqu'elle est frappée par le chien (le marteau), déclenche la poudre dans la chambre de tir.
    2. Les poivrières à silex
    Ces pistolets utilisent un mécanisme à silex pour créer une étincelle qui allume la poudre noire dans les canons. Ce sont des modèles plus anciens par rapport aux poivrières à percussion.
    3. Les poivrières à capsule à broche
    Un type de poivrière plus avancé où les chambres de tir utilisent des capsules à broche. Ces capsules sont frappées par un mécanisme de marteau pour déclencher la décharge.
    4. Les poivrières de poche
    Des versions plus compactes, souvent utilisées pour la défense personnelle. Elles sont conçues pour être facilement transportées et dissimulées.
    5. Les poivrières militaires
    Ces modèles sont généralement plus robustes et peuvent avoir des canons plus longs ou un plus grand nombre de canons, destinés à être utilisés par les militaires pour le combat.
    ...  enjoy  :)
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  • share read star Charles Guérin, poète français du XIXème siècle
    Friday 03 January 2025 - 17:06
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    Douze Sonnets
    Douze Sonnets : par Paul Guérin

    Charles Guérin, poète français.

    Poète Français du XIXème, Charles Guérin, grand ami de Francis James s'est lancé en littérature le temps que lui a laissé la vie ...
    1 - Sa Biographie
    Charles Guérin est né le 29 décembre 1873 à Lunéville, en Lorraine, une région située à l'est de la France.
    Il a grandi dans une famille bourgeoise où il a été encouragé à explorer ses intérêts littéraires dès son plus jeune âge.
    Charles Guérin
    Charles Guérin : portrait par Paul Baudier
    Passionné de littérature, il a poursuivi ses études secondaires à Nancy avant de s'installer à Paris, où il a intégré le monde littéraire bouillonnant de la fin du XIXe siècle. Paris, à cette époque, était un centre névralgique pour les artistes et les intellectuels, ce qui a permis à Guérin de développer ses talents et de se faire connaître parmi ses pairs.
    La ville lumière a joué un rôle crucial dans l'épanouissement de son écriture poétique, influencée par les courants symbolistes et décadents de l'époque.
    2 - La Vie
    La vie de Charles Guérin, bien que courte, a été marquée par des rencontres déterminantes et des amitiés durables avec d'autres figures littéraires.
    Installé à Paris, il a fréquenté les cercles littéraires et a tissé des liens avec des écrivains tels que Paul Claudel, Francis Jammes et André Gide.
    Ces relations ont nourri son inspiration et ont influencé son style poétique. Cependant, Guérin a aussi été marqué par la maladie.
    Dès son jeune âge, il a souffert de la tuberculose, une condition qui a progressivement affaibli sa santé. Cette lutte contre la maladie transparaît dans ses œuvres, où l'on retrouve souvent des thèmes de souffrance, de mélancolie et de contemplation de la mort.
    Malgré sa santé fragile, Guérin a continué à écrire et à publier jusqu'à sa mort prématurée le 17 mars 1907, à Aix-en-Provence, à l'âge de 33 ans.
    3 - Les Œuvres
    L'œuvre poétique de Charles Guérin est riche et diversifiée, reflétant sa sensibilité et sa vision du monde.
    Son premier recueil, "Le Sang des Crépuscules" (1895), a été acclamé par la critique et lui a valu une reconnaissance immédiate. Ce recueil, marqué par une tonalité sombre et introspective, explore des thèmes tels que le crépuscule, la mort et la solitude.
    En 1897, Guérin publie "Lumières et Ténèbres", un recueil où il approfondit ses réflexions sur la dualité de la vie, opposant la lumière à l'obscurité, l'espoir au désespoir. Ce recueil témoigne de son évolution en tant que poète et de sa capacité à capter les nuances de l'existence humaine.
    "Le Semeur de Cendres" (1901), son troisième recueil, est imprégné d'une atmosphère encore plus sombre et méditative. Guérin y exprime ses angoisses et ses doutes, tout en continuant à chercher la beauté dans la tristesse.
    Enfin, en 1904, il publie "La Beauté Nérée", son dernier recueil de poèmes publié de son vivant. Cette œuvre, plus sereine, traduit une quête de la beauté et de l'harmonie malgré les épreuves de la maladie.
    4 - Influence et Héritage
    Bien que Charles Guérin n'ait pas eu une longue carrière, son impact sur la poésie française est indéniable. Son style mélancolique et introspectif a influencé de nombreux poètes contemporains et ultérieurs.
    Sa capacité à exprimer des émotions profondes et complexes à travers des vers élégants et évocateurs continue d'inspirer les lecteurs et les écrivains.
    Les thèmes de la souffrance, de la beauté et de la recherche de sens dans la douleur, omniprésents dans son œuvre, résonnent toujours chez ceux qui découvrent sa poésie.
    Aujourd'hui, Charles Guérin est reconnu comme une figure importante de la littérature française de la fin du XIXe siècle, et ses œuvres sont régulièrement étudiées et admirées pour leur profondeur émotionnelle et leur richesse stylistique.

    Une de ses nombreuses œuvres : Douze Sonnets.

    "Douze Sonnets" est un recueil posthume de Charles Guérin, publié en 1922.
    Ce livre rassemble douze sonnets qui reflètent la sensibilité et la profondeur émotionnelle du poète. Chaque sonnet explore des thèmes tels que la mélancolie, la beauté de la nature, l'amour et la souffrance. Guérin utilise un langage poétique riche et évocateur pour capturer les nuances de l'expérience humaine.
    Les sonnets de ce recueil sont marqués par une introspection intense et une recherche de la beauté dans la douleur.
    Ils montrent la maîtrise de Guérin de la forme poétique et sa capacité à exprimer des émotions complexes de manière concise et puissante. "Douze Sonnets" est un témoignage de l'habileté de Guérin à toucher le lecteur et à laisser une impression durable à travers ses mots.

    Notre livre du jour : Douze Sonnets de Charles Guérin.

    Charles Guérin - Douze Sonnets - ill. William Fel - Librairie des Amateurs - 1922
    Illustrations de William Fel, dont un Frontispice gravé au vernis mou.
    éditeur : Librairie des Amateurs, Paris, 1922
    Gr. in-8°, 28p. Edition limitée à 500 exemplaires non numérotés sur vélin d'Arches
    Bel exemplaire. Broché, couverture illustrée rempliée
    dimensions : 23 x 16,5 x 0,5 cm
    poids : 150 gr
    * sous protection plastique
    état : fort bel état général, extérieur légèrement insolé, intérieur très frais et en excellent état, ne présentant juste que quelques traces de rousseurs …
    * Bel Exemplaire à Collectionner
    … enjoy :)

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  • share read star Que signifie " chryséléphantine " ?
    Saturday 28 December 2024 - 22:55
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    chryséléphantinechryséléphantine : Or & Ivoire pour la beauté de l'Art !

    La technique chryséléphantine, héritée de la Grèce antique, marie avec éclat l’ivoire et l’or pour créer des sculptures d’une élégance et d’un raffinement exceptionnels. Initialement réservée aux représentations divines et monumentales, elle a traversé les siècles pour renaître dans des œuvres plus intimes, notamment durant l’ère Art déco. Ces sculptures, alliant délicatesse et opulence, continuent de captiver les passionnés d’art et les collectionneurs.
    Aujourd'hui, les réalisations chryséléphantines, qu'elles soient antiques ou modernes, incarnent une quête intemporelle de beauté et d'excellence.
    Leur rareté, la finesse de leur exécution et l’éclat des matériaux précieux en font des trésors prisés, souvent vendus à prix d’or lors d’enchères.
    Cette technique, à la croisée de l’histoire et de l’esthétique, reste un symbole de l’art intemporel et du savoir-faire exceptionnel des artistes.
    danseuse avec des voiles
    danseuse avec des voiles : une sculpture chryséléphantine de Demetre Chiparus

    Chryséléphantine : Une technique d'art unique et précieuse

    Le terme chryséléphantine dérive des mots grecs "chrysos" (or) et "elephas" (ivoire). Il désigne une technique artistique ancienne qui combine l'utilisation de l'or et de l'ivoire pour créer des sculptures, souvent des pièces de grand raffinement et de haute valeur. Cette technique, bien que raréfiée aujourd'hui, est à la fois un témoignage du génie artistique des civilisations antiques et un objet de fascination pour les collectionneurs modernes.

    Origines et signification du terme.

    La sculpture chryséléphantine trouve ses origines dans la Grèce antique, particulièrement au Ve siècle avant J.-C. Elle était utilisée pour la réalisation de statues monumentales représentant des dieux ou des figures mythologiques. Ces sculptures étaient généralement constituées d’un noyau de bois, recouvert de plaques d’ivoire pour la peau et d’or pour les vêtements ou les ornements. Les exemples les plus célèbres incluent :
    La statue de Zeus à Olympie, créée par le sculpteur Phidias, considérée comme l'une des Sept Merveilles du monde antique.
    La statue d’Athéna Parthénos, également par Phidias, située dans le Parthénon à Athènes.
    Ces œuvres n'étaient pas seulement des symboles religieux, mais aussi des démonstrations de richesse et de pouvoir pour les cités grecques.

    Techniques pour réaliser des objets chryséléphantins

    1. Matériaux de base :
    Ivoire : Prélevé des défenses d'éléphant, parfois d'autres animaux comme le morse. Le travail de l'ivoire exige une grande dextérité pour sculpter des détails sans fissurer le matériau.
    Or : Généralement battu en feuilles ou travaillé en fines plaques pour être appliqué sur les parties décoratives.
    2. Structure :
    Le cœur de l’œuvre était souvent en bois (comme le cèdre ou le chêne), garantissant la stabilité de la sculpture. Ce noyau servait de support pour fixer l'ivoire et l'or.
    3. Fixation :
    Des techniques complexes de fixation étaient nécessaires pour assembler les différentes pièces sans les endommager, notamment en utilisant des chevilles ou des adhésifs naturels comme la résine.
    4. Polissage et finitions :
    Une fois assemblée, l'œuvre était polie pour révéler la brillance naturelle de l'ivoire et la richesse de l’or.

    Difficultés de réalisation

    Fragilité des matériaux :
    L'ivoire est particulièrement sensible à l'humidité et aux variations de température, ce qui peut provoquer des fissures ou une déformation.
    Coût et rareté :
    Les matériaux comme l’or et l’ivoire étaient rares et précieux, limitant leur usage à des commandes d’élite.
    Techniques de conservation :
    Préserver ces œuvres à travers les siècles est un défi, surtout lorsque le bois du noyau se détériore.

    Divers types d'objets réalisés en chryséléphantine

    Bien que les sculptures monumentales de la Grèce antique soient les exemples les plus emblématiques, la technique a été reprise à d'autres époques pour des objets plus petits, notamment au cours de l'Art déco (début du XXe siècle).
    Les artistes de cette période, tels que Demetre Chiparus et Ferdinand Preiss, ont utilisé l’ivoire et le bronze doré pour créer des figurines élégantes représentant des danseuses ou des personnages féminins.

    Exemples célèbres :

    "Danseuse avec des voiles" de Demetre Chiparus : Une sculpture Art déco combinant ivoire pour le visage et bronze doré pour le corps.
    "Fille au cerceau" de Ferdinand Preiss : Une œuvre miniature montrant le mariage délicat entre ivoire et métaux précieux.
    Plus léger que l'air
    Plus léger que l'air : une œuvre de Ferdinand Preiss représentant la danseuse de revue anglaise Ada May

    La passion des collectionneurs et la valeur des pièces

    Les sculptures chryséléphantines suscitent un vif intérêt dans le monde des collectionneurs. Leur rareté, leur esthétique unique et leur association avec des périodes artistiques prestigieuses en font des objets de désir et d’investissement.
    Valeur financière :
    Les pièces Art déco peuvent atteindre plusieurs centaines de milliers d'euros lors de ventes aux enchères. Les œuvres antiques, lorsqu'elles sont découvertes, sont inestimables et généralement conservées dans des musées.
    Conservation et restauration :
    Les collectionneurs investissent souvent dans des techniques modernes pour protéger l’ivoire contre les dommages, notamment en contrôlant les conditions de stockage.
    Symbolique :
    Au-delà de leur valeur monétaire, ces sculptures incarnent une recherche de beauté et de perfection artistique.

    Et, pour résumer ...

    Le terme chryséléphantine dépasse la simple description technique ; il renvoie à une tradition artistique d’une richesse exceptionnelle.
    Des statues monumentales de la Grèce antique aux figurines délicates de l’Art déco, ces œuvres témoignent d’un savoir-faire hors pair et d’une quête perpétuelle d’harmonie et de beauté.
    Dans le monde moderne, elles continuent de fasciner amateurs d’art et collectionneurs, transcendant les siècles et les cultures.
    © Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Comment réussir à écouter les anciens vinyles 78 tours comme avant ?
    Sunday 22 December 2024 - 12:44
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    aiguilles
    aiguilles : pour une durée prévue de ... 10 auditions
    Laissons de côté les histoires de phonographe ou autre gramophone recherchés pour souvent de la décoration " Vintage ", il s'agit ici de réussir à se replonger dans le passé et, véritablement, de parvenir, comme de nombreuses générations en arrière … écouter un ancien disque avec du matériel d'époque et obtenir cette ancienne sonorité inégalable ...
    Écouter des vinyles 78 tours comme avant peut être une expérience fascinante ! Voici quelques étapes pour y parvenir :
    mais ... avant toutes autres choses, une petite mis au point s'impose !

    Quelles sont les principales différences entre un gramophone et un phonographe ?

    Le phonographe et le gramophone sont deux des premiers appareils d'enregistrement sonore, mais ils présentent des différences fondamentales :
    1 - Support d'enregistrement :
     Phonographe : Utilise un cylindre en cire ou en matériau similaire sur lequel les vibrations sonores sont gravées en spirale.
     Gramophone : Utilise un disque plat en gomme-laque (et plus tard en vinyle) sur lequel les vibrations sonores sont gravées en sillon latéral.
    2 - Mécanisme de lecture :
     Phonographe : Un stylet suit les sillons gravés sur le cylindre, amplifiant les vibrations pour produire le son.
     Gramophone : Un stylet suit les sillons gravés sur le disque, qui tourne sur un plateau.
    3 - Qualité sonore :
     Phonographe : La qualité sonore est généralement considérée comme inférieure à celle du gramophone en raison des limitations du support cylindrique.
     Gramophone : La qualité sonore est généralement meilleure, grâce à la surface plane du disque qui permet une gravure plus précise des sons.
    4 - Durabilité :
     Phonographe : Les cylindres sont sensibles aux rayures et à l'usure, ce qui limite la durée de vie d'un enregistrement.
     Gramophone : Les disques sont plus résistants aux rayures et peuvent être lus de nombreuses fois.
    5 - Format et portabilité :
     Phonographe : Les cylindres sont plus encombrants à transporter et à stocker.
     Gramophone : Les disques sont plus plats et plus faciles à transporter.
    6 - Production en masse :
     Gramophone : Le format disque a permis une production en masse plus facile et moins coûteuse, rendant la musique enregistrée plus accessible au grand public.
    In fine, le gramophone a rapidement supplanté le phonographe en raison de sa meilleure qualité sonore, de sa durabilité supérieure et de sa facilité de production en masse.
    Le gramophone a posé les bases de l'industrie du disque telle que nous la connaissons aujourd'hui.

    Les grands dates de l'évolution de ces deux techniques.

    A - Le Phonographe d'Edison (1877)
    1877 : Thomas Edison invente le phonographe, un appareil révolutionnaire permettant d'enregistrer et de reproduire le son sur un cylindre en cire.
    Fin du 19ème siècle : Le phonographe connaît un certain succès commercial, notamment pour la dictée et la reproduction de musique.
    Cependant, la qualité sonore reste limitée et les cylindres sont fragiles.
    B - Le Gramophone de Berliner (1887)
    1887 : Émile Berliner dépose un brevet pour le gramophone, utilisant des disques plats en gomme-laque au lieu des cylindres. Cette innovation permet une meilleure qualité sonore et une production en masse plus aisée.
    Fin du 19ème - début du 20ème siècle : Le gramophone devient rapidement populaire, supplantant progressivement le phonographe.
    De grandes compagnies phonographiques voient le jour, comme Victor Talking Machine Company (qui deviendra RCA Victor) et Columbia Records.
    C - Évolution et Déclin
    Début du 20ème siècle : Le gramophone est amélioré avec l'utilisation de matériaux plus résistants pour les disques (comme le shellac) et de meilleurs systèmes d'amplification.
    Dans les années 1940 : L'arrivée du disque microsillon en vinyle marque une nouvelle ère pour l'enregistrement sonore, offrant une meilleure qualité sonore et une plus grande capacité d'enregistrement.
    … Le gramophone à disque de gomme-laque devient progressivement obsolète.
    Années 1970-1980 : Le vinyle est supplanté par le cassette audio, puis par le CD.
    Cependant, le vinyle connaît un regain d'intérêt depuis les années 2000, notamment auprès des audiophiles.
    Pour résumer cette nouvelle passion qui anime désormais certains collectionneurs, le phonographe d'Edison a ouvert la voie à l'enregistrement sonore, mais c'est le gramophone de Berliner qui a véritablement démocratisé la musique enregistrée.
    Bien que les technologies aient continué d'évoluer, l'héritage du phonographe et du gramophone reste présent dans notre culture musicale ...

    Et pour retrouver le son de cet héritage, comment faire, donc ?

    Il faut se remettre dans les conditions qu'on connues nos ancêtres, à savoir ...
    1 - Le Matériel Nécessaire
    * Un Phonographe à Manivelle : Pour une expérience authentique, utilisez un phonographe à manivelle. Cela vous permettra de faire tourner le disque à la vitesse correcte (78 tours par minute).
    * Une Aiguille Adaptée : Les aiguilles modernes sont généralement plus légères et moins endommageantes pour les disques. Utilisez une aiguille en bambou ou en épine de cactus pour minimiser l'usure.
    * 'SI' vous désirez dépasser le niveaux des " pavillons ", un Amplificateur et des Haut-parleurs : Si vous souhaitez écouter les disques à un volume plus élevé, vous aurez besoin d'un amplificateur et de haut-parleurs compatibles.
    2 - Les Étapes pour Écouter
    * Préparation du Disque : Insérez soigneusement le disque sur le plateau du phonographe. Assurez-vous qu'il est bien centré.
    * Lecture : Actionnez la manivelle pour mettre le disque en mouvement. Laissez-le tourner jusqu'à ce que vous ayez fini d'écouter.
    * Changement d'Aiguille : Après avoir écouté une face du disque, changez l'aiguille pour éviter d'endommager le sillon.
    3 - Quelques Conseils pratiques
    * Précautions : Manipulez les disques avec soin pour éviter les rayures et les dommages.
    * Entretien : Gardez vos disques et votre équipement propres et en bon état pour une meilleure qualité sonore.

    Objet de Curiosité du jour : une ancienne boite d'aiguilles de Gramophone - MARSCHALL.

    Petits objets et témoignages d'un temps passé pas si lointain que cela …
    Boite d'aiguilles de Gramophone - MARSCHALL - Longue durée - tôle - lithographiée
    ** AVEC LES AIGUILLES D'ORIGINE ! **
    VINTAGES mais toujours opérationnelles.
    Petites aiguilles pour gramophone (disque), modèles d'origine, couleur ' or ', aiguilles à longue durée
    Noté: Marschall - Aiguille longue durée
    " Chaque aiguille donne 10 auditions " …
    Petite boite métallique remplie d'Épingles de gramophone pour écouter les très anciens disques vinyles !
    dimensions : 4,8 x 3,4 x 0,7 env.
    Année 1910/1920

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  • share read star Jules Barbey d'Aurevilly : L'Ensorcelée
    Friday 20 December 2024 - 17:14
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Jules Barbey d'Aurevilly
    Jules Barbey d'Aurevilly : réalisme, fantastique et romantisme noir

    Jules Barbey d'Aurevilly est une figure singulière et influente dans le paysage de la littérature française du XIXe siècle. Connu pour son style baroque et ses thèmes sombres, il a laissé une marque indélébile sur la littérature française, mêlant réalisme, fantastique et romantisme noir...

    Qui était Jules Barbey d'Aurevilly ?

    Jules Barbey d'Aurevilly, de son nom complet " Jules Amédée Barbey d'Aurevilly " était un écrivain et critique littéraire français, né le 2 novembre 1808 et décédé le 23 avril 1889. Il est surtout connu pour ses romans psychologiques et ses nouvelles, ainsi que pour ses essais sur la littérature et la société de son temps. Son œuvre mélange souvent le réalisme et le fantastique, et il a influencé de nombreux écrivains français.
    Jules Amédée Barbey d'Aurevilly
    Jules Amédée Barbey d'Aurevilly : une figure incontournable de la littérature française du XIXème siècle

    L'œuvre de Jules Barbey d'Aurevilly.

    Jules Barbey d'Aurevilly a laissé derrière lui une œuvre littéraire riche et variée, marquée par ses thèmes de prédilection tels que le mysticisme, le dandysme, et les passions exacerbées. Voici quelques-unes de ses œuvres les plus notables :
    A - Romans
    - Une vieille maîtresse (1851) : Un roman où l'auteur explore les passions destructrices à travers l'histoire d'un jeune homme partagé entre son amour pour une femme vertueuse et son attachement à une ancienne maîtresse.
    - L'Ensorcelée (1854) : Ce roman se déroule en Normandie et plonge le lecteur dans une atmosphère de superstition et de mysticisme.
    - Les Diaboliques (1874) : Un recueil de six nouvelles, chacune racontant des histoires de femmes fatales et d'hommes pris au piège de leurs propres passions. C'est l'une de ses œuvres les plus célèbres.
    - Le Chevalier des Touches (1864) : Un roman historique se déroulant pendant les guerres de Vendée, explorant la loyauté et le courage à travers ses personnages.
    B - Nouvelles et Essais
    - Le Rideau cramoisi (1854) : Une nouvelle sombre et passionnée, souvent citée comme l'une des meilleures de Barbey d'Aurevilly.
    - Les Prophètes du passé (1851-1871) : Une série d'essais où Barbey d'Aurevilly examine les grandes figures littéraires de son temps, telles que Balzac, Baudelaire et Flaubert.
    C - Œuvres Critiques
    - Les Œuvres et les Hommes (1860-1909) : Une série de critiques littéraires où il offre ses réflexions sur la littérature et les écrivains contemporains.
    Le style de Barbey d'Aurevilly est souvent caractérisé par une prose élégante et raffinée, teintée de mysticisme et de romantisme noir. Son influence se fait sentir chez des auteurs comme Marcel Proust et Jean Lorrain.

    L'Ensorcelée de Barbey d'Aurevilly.

    L’Ensorcelée ou La Messe de la Croix-Jugan est un roman de Barbey d’Aurevilly, publié en feuilleton en 1852, puis édité en 1854.
    "L'Ensorcelée" est un roman publié en 1854 par Jules Barbey d'Aurevilly. Il est souvent considéré comme un chef-d'œuvre du romantisme noir, combinant des éléments de mysticisme, de superstition et de passions humaines. L'histoire se déroule en Normandie et s'inspire de légendes locales ainsi que de la culture traditionnelle de la région.
    "L'Ensorcelée" est une œuvre fascinante qui combine le romantisme noir avec une exploration profonde de la nature humaine et des forces mystiques. Barbey d'Aurevilly réussit à créer une ambiance envoûtante qui captive le lecteur et laisse une impression durable.
    L'intrigue suit un prêtre, l'abbé de la Croix-Jugan, qui est marqué par une vie tragique et mystérieuse. Il rencontre Jeanne Le Hardouey, la femme d'un fermier, qui semble être sous l'emprise d'une force surnaturelle. Le roman explore les thèmes de la foi, du doute, de l'amour interdit et des influences surnaturelles, créant une atmosphère sombre et envoûtante.
    Les Thèmes Principaux :
    Mysticisme et Superstition : Le roman est imprégné de mysticisme et de croyances superstitieuses, typiques de la Normandie du XIXe siècle. L'abbé de la Croix-Jugan est lui-même une figure mystérieuse, hantée par son passé et par des phénomènes qu'il ne peut expliquer.
    Passions Humaines : Les personnages sont profondément marqués par des passions intenses, souvent destructrices. Jeanne Le Hardouey est partagée entre son devoir conjugal et son attirance pour l'abbé, tandis que ce dernier lutte contre ses propres démons intérieurs.
    Le Bien et le Mal : Barbey d'Aurevilly explore la lutte entre les forces du bien et du mal, tant dans le monde spirituel que dans le cœur humain. Les personnages sont souvent confrontés à des dilemmes moraux et spirituels, ajoutant une profondeur psychologique à l'histoire.
    Style et Structure :
    Style Évocateur : Barbey d'Aurevilly utilise un langage riche et descriptif pour créer une atmosphère gothique et mystérieuse. Ses descriptions de la campagne normande et des événements surnaturels sont particulièrement marquantes.
    Narration Non Linéaire : Le roman est construit de manière non linéaire, avec des retours en arrière et des perspectives multiples, ce qui renforce l'impression de mystère et d'ambiguïté.
    Analyse des Personnages :
    Abbé de la Croix-Jugan : Un personnage complexe, marqué par des épreuves passées et une foi vacillante. Il est à la fois fasciné et horrifié par les événements surnaturels autour de Jeanne.
    Jeanne Le Hardouey : Représente la figure de la femme ensorcelée, tiraillée entre son rôle de mère et d'épouse et ses aspirations spirituelles et émotionnelles.

    Contexte Historique et Culturel

    "L'Ensorcelée" se déroule dans le contexte de la Normandie rurale du début du XIXe siècle, une période marquée par les superstitions et les croyances mystiques. Ce cadre contribue à l'atmosphère gothique et inquiétante du roman, où le folklore local joue un rôle crucial dans le développement de l'intrigue.
    Analyse Thématique
    1. La Superstition et le Surnaturel
    Barbey d'Aurevilly exploite les croyances populaires en Normandie pour tisser une histoire où le surnaturel et la superstition sont omniprésents. L'abbé de la Croix-Jugan et Jeanne Le Hardouey sont entourés d'un monde où les forces mystérieuses semblent à l'œuvre. Ce thème reflète les peurs irrationnelles et les croyances enracinées dans la culture paysanne.
    2. La Foi et le Doute
    L'abbé de la Croix-Jugan représente le conflit entre la foi religieuse et le doute spirituel. Son passé tragique et son excommunication symbolisent sa lutte intérieure. Il est à la fois fasciné et effrayé par les phénomènes qu'il ne peut comprendre, ce qui le pousse à questionner sa propre foi.
    3. Les Passions Humaines
    Jeanne Le Hardouey incarne les passions destructrices. Sa relation complexe avec l'abbé met en lumière le pouvoir des émotions humaines et leur capacité à perturber l'équilibre moral et spirituel. Leurs interactions sont empreintes de désir, de culpabilité et de rédemption.
    Structure et Style Littéraire
    1. Narration et Point de Vue
    Le roman utilise une narration omnisciente, permettant à Barbey d'Aurevilly d'explorer les pensées et les motivations de ses personnages en profondeur. Cette technique permet de créer une riche tapisserie de perceptions et d'émotions.
    2. Style Évocateur
    Le style de Barbey d'Aurevilly est caractérisé par une prose dense et descriptive. Il utilise des métaphores et des symboles pour renforcer les thèmes du roman. Par exemple, les descriptions des paysages normands sont souvent imprégnées d'une atmosphère sombre et menaçante, reflétant l'état intérieur des personnages.
    Personnages Clés et Leur Symbolisme
    Abbé de la Croix-Jugan
    Symbolisme : L'abbé représente le conflit entre le sacré et le profane, entre la foi et la tentation. Son excommunication et son retour en Normandie marquent son parcours spirituel et personnel.
    Développement : À travers ses interactions avec Jeanne, il évolue d'un homme tourmenté par son passé à quelqu'un cherchant la rédemption.
    Jeanne Le Hardouey
    Symbolisme : Jeanne est l'incarnation de la pureté corrompue par des forces extérieures. Elle symbolise la victime des superstitions et des passions incontrôlées.
    Développement : Son personnage montre la fragilité humaine face aux influences surnaturelles et émotionnelles.

    Analyse des Scènes Clés

    Rencontre entre Jeanne et l'abbé
    Cette scène est cruciale car elle établit la dynamique entre les deux personnages principaux. La tension palpable entre eux, mêlée à une attraction inexplicable, pose les bases de l'intrigue.
    La Séance de Prière
    La scène où l'abbé prie pour Jeanne est chargée d'émotion et de symbolisme. Elle illustre la lutte de l'abbé pour sauver son âme et la sienne, tout en mettant en lumière son propre doute spirituel.

    In Fine.

    "L'Ensorcelée" est une œuvre complexe qui combine le mysticisme, les superstitions et les passions humaines pour créer une histoire envoûtante. Barbey d'Aurevilly réussit à captiver le lecteur par son style évocateur et ses personnages profondément humains, tout en explorant des thèmes universels et intemporels.

    Notre exemplaire : L'ENSORCELÉE - J. Barbey D'Aurevilly - Jacques Camus - 1951 - Les Cent Bibliophiles

    auteur : J. BARBEY D'AUREVILLY
    titre : L'ensorcelée
    illustrations : lithographies de Jacques CAMUS
    éditeur : Les cent bibliophiles, 1951
    Un vol. au format in-4 de 188 pp. env.
    en feuilles, sous chemise titrée à rabats rempliés et étui-chemise de plein cartonnage greige , étui rouge, dos lisse, titre imprimé en noir. Tirage unique à 130 exemplaires numérotés seulement ; sur Arches.
    Exemplaire : n° 116 / 130
    Il est agrémenté, ici, en premier tirage de nombreuses lithographies originales in et hors-texte par Jacques Camus.
    Dédicace à Monsieur le Marquis A. de Custine.
    Mentions 'amoureuses' à l'encre rouge reportées en pleine page avec la signature de l'auteur.
    état : étui comportant qq. soucis aux 2 coins, facilement réparables, dos de la chemise et étui partiellement insolés, le reste et intérieur en parfait état, voire même en état exceptionnel, avec certaines serpentes encore bien présentes. TB++
    dimensions : 35 x 26 x 7 cm
    poids : 2800 gr

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  • share read star Les Poteries de Montières : Un Trésor Artistique et Industriel d’Amiens.
    Thursday 12 December 2024 - 12:41
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    Montières
    Montières : une entrée méritée dans la cour des grandes faïenceries
    Les poteries de Montières, créées au début du 20ème siècle, sont célèbres pour leurs pièces uniques et artistiques. Aujourd'hui, ces poteries sont très recherchées par les collectionneurs et admirées pour leur style distinctif Art Nouveau et Art Déco.
    Leur héritage continue de briller à travers des expositions et des collections privées.

    Un Quartier Historiquement Lié à l’Art et à l’Industrie.

    Montières, situé à l’ouest d’Amiens, était autrefois un village indépendant avant de devenir un quartier industriel et résidentiel de la ville. Pendant une période relativement courte, de 1917 à 1933, Montières fut le berceau d’une production exceptionnelle de céramiques d’art, un chapitre fascinant de l’histoire artistique et industrielle de la région.

    Fondation de la Faïencerie Picarde

    En 1915, Messieurs Trouillot et Marque fondent une petite faïencerie dans ce quartier. Cependant, la mobilisation des deux fondateurs pendant la Première Guerre mondiale les pousse à céder leur entreprise à l’industriel amiénois Désiré Borck le 2 avril 1917.
    Ce dernier engage Jean Barol comme directeur artistique.
    Jean Barol, potier renommé formé par Clément Massier à Cannes, apporte son expertise à Montières. Accompagné de Jean Sicard, un autre artisan talentueux, il introduit des techniques innovantes, des modèles originaux, et des matières premières de grande qualité, notamment la terre rouge de Vallauris.

    Les Premiers Pas : Style Napoléon III

    Les premières créations de Montières reflètent un style décoratif influencé par le Napoléon III. Chaque pièce est marquée de la signature de la "Faïencerie Picarde" et produite avec un soin artisanal minutieux. L’argile rouge est associée à des motifs riches et élégants, ce qui distingue ces poteries sur le marché.

    L’Âge d’Or : Transition vers l’Art Nouveau et l’Art Déco

    En 1920, Jean Barol retourne à Cannes, et Maurice Dudicourt prend la direction artistique. La manufacture adopte alors l’esthétique de l’Art Nouveau, marquée par des formes organiques et des décors naturels. Plusieurs artistes de renom contribuent à cet essor, notamment Guy Dumesnil, Georges Tribout, et Guy Arnoux.
    En 1927, la SARL de la Céramique d’Art de Montières est créée.
    Le style Art Déco devient dominant, avec des lignes épurées et des motifs géométriques audacieux. Les émaux métallisés et les reflets iridescents sont caractéristiques des pièces produites pendant cette période, témoignant d’une maîtrise technique exceptionnelle.

    Les Techniques et Méthodes de Production

    La céramique de Montières se distingue par l’utilisation d’argile rouge provenant de Vallauris et de sables blancs locaux. Ces matières premières sont malaxées avec soin, puis transformées en barbotine pour la création de moules et de pièces au tour de potier.
    Une attention particulière est portée à chaque étape de la production. Les moules en plâtre sont réalisés sur place et permettent de produire des formes variées. Le travail au tour de potier, utilisant des techniques traditionnelles, confère une touche artisanale unique à chaque création.
    Les artistes appliquent ensuite des décors peints à la main ou des émaux spéciaux avant une cuisson entre 800 et 1 200°C.
    Cette cuisson contrôlée produit des effets spectaculaires de métallisation et de lumière, reconnaissables dans les pièces signées Montières. Certains décors, tels que les motifs cloisonnés ou les reflets irisés, sont le résultat d’un savoir-faire minutieux qui exige une parfaite maîtrise des températures et des réactions chimiques des émaux.

    Des Collaborations Artistiques Remarquables

    Montières a attiré plusieurs artistes de renom.
    Guy Dumesnil, dessinateur talentueux, a participé à l’élaboration de motifs novateurs. Georges Tribout, connu pour ses influences japonisantes, a également collaboré avec la manufacture. Guy Arnoux, célèbre illustrateur, a créé des modèles emblématiques, notamment des potiches décorées de motifs animaliers ou historiques.
    Leurs contributions ont permis à Montières de produire des pièces originales et audacieuses, mêlant tradition et modernité. De nombreuses œuvres portaient la signature "Géno", un pseudonyme artistique utilisé à partir de 1930.

    La Crise et le Déclin

    La crise économique de 1929 affecte gravement la manufacture. En raison de la concurrence étrangère et d’une baisse de la demande, la production diminue.
    En 1933, l’atelier est réduit à seulement trois employés avant de cesser définitivement son activité.
    Malgré cette fin prématurée, les créations de Montières restent très prisées par les collectionneurs.
    En 1937, lors de l’Exposition universelle, Pierre Motton, dernier gérant de l’atelier, remporte une médaille d’or pour une pièce représentant la céramique de Montières.
    Ce succès tardif souligne l’importance de cet artisanat dans l’histoire céramique française.

    Un Patrimoine à Réhabiliter

    Aujourd’hui, les poteries de Montières sont redécouvertes grâce à des collectionneurs passionnés et des restaurateurs spécialisés.
    Certaines pièces, comme des vases en céramique émaillée, ont été restaurées pour retrouver leur éclat originel. Les techniques utilisées, notamment pour recréer les dorures ou les émaux abîmés, témoignent d’une expertise unique.
    Des expositions, telles que celle de 1987 à Amiens, ont permis de faire connaître ce patrimoine oublié.
    Des projets sont en cours pour intégrer ces œuvres dans des musées, notamment celui d’Amiens en cours de rénovation. L’objectif est de rendre hommage à cette aventure artistique et industrielle et de la partager avec le grand public.

    Les Collectionneurs et la Cote Actuelle

    Les poteries de Montières connaissent un regain d’intérêt remarquable parmi les collectionneurs contemporains.
    Ces pièces uniques, souvent signées et chargées d’histoire, sont devenues très recherchées sur le marché de l’art. Elles apparaissent de plus en plus fréquemment dans les salles des ventes, où leur cote est en pleine expansion.
    Des collectionneurs privés ainsi que des institutions rivalisent pour acquérir ces trésors du patrimoine céramique français.
    Cette demande croissante reflète non seulement l’appréciation esthétique de ces œuvres, mais aussi leur rareté et leur valeur historique. Les vases, potiches et autres créations de Montières trouvent ainsi une nouvelle vie dans les collections privées et les galeries, contribuant à la préservation et à la reconnaissance de cet héritage exceptionnel.

    Un exemple par l'image: une petite coupelle signée ' Montières '.

    Petit vide-poche en céramique irisée de forme mouvementée, à décor de fougères, signé " Montières " dans le décor.
    Très bel exemple que cette petite pièce qui nous montre un éventail des couleurs métalliques et irisées que ces procédés de cuisson pouvaient donner comme rendu.
    Des couleurs, pour celui-ci qui vont du jaune, vert aux multiples reflets brunâtres aux " chocolat " des fougères. Une partie du rebord est faite en creux pour surligner la forme des feuilles.
    On distingue également les ( presque ) inévitables toutes petites bulles de cuisson éparses dans la matière, matière qui, bien observée, montre également un léger mode " craquelé " du plus bel effet.
    dimensions : 15,5 x 11 x 2,5 cm
    poids : 155 gr
    à noter : une belle signature " Montières " apposée sur la face supérieure de la réalisation et non sur le talon…

    Et, pour terminer ...

    Les poteries de Montières représentent bien plus qu’une production céramique. Elles incarnent une époque de création et d’innovation artistique unique. Leurs styles variés, leur qualité technique, et leur histoire méritent une reconnaissance accrue, non seulement comme un trésor local, mais aussi comme un chapitre important de l’histoire de la céramique française.
    En redécouvrant ce patrimoine, nous honorons une tradition qui mêle art, artisanat et industrie, et qui illustre le génie créatif d’une région en quête d’excellence ...
    Prenez maintenant le temps de voir tous les détails avec les photos mises ci-dessous ...
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  • share read star Une jolie petite mouchette, ancienne, en laiton
    Tuesday 10 December 2024 - 17:16
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    mouchette
    mouchette : petit objet en laiton à usage domestique permettant d'éteindre facilement les bougies.
    Si le terme " mouchette " peut avoir plusieurs significations, nous allons ici découvrir un petit objet qui a servi, aux siècles passés, dans de très nombreux intérieurs à ... éteindre la lumière, en coupant les mèches de bougies ...

    Qu'est-ce qu'une mouchette ?

    Une " mouchette en laiton " désigne généralement un petit outil conçu pour éteindre les bougies.
    Traditionnellement, les mouchettes étaient munies de lames semblables à des ciseaux et étaient dotées d'une petite coupelle ou réceptacle pour recueillir la mèche carbonisée lorsqu'elle est coupée.
    Cela permettait d'éteindre proprement une bougie sans trop produire de fumée excessive ni de débris.

    Comment étaient fabriquées les mouchettes aux siècles précédents ?

    Fer, bronze ont été utilisés occasionnellement, mais en grande majorité, les mouchettes d'intérieur ou d'église étaient fabriquée en laiton.
    Le laiton est un alliage de cuivre et de zinc, est souvent utilisé pour fabriquer des mouchettes en raison de sa durabilité, de son esthétique (aspect doré), et de sa résistance à la corrosion.
    La mouchette en laiton peut être ornée ou simple, souvent en accord avec les styles décoratifs anciens ou classiques. On peut en trouver de style et de tailles différents selon l'usage ou l'utilisation qui en sera faite.
    C'était donc un objet courant à l'époque où l'éclairage domestique dépendait des bougies, que l'on retrouvait partout où il pouvait y avoir des bougies, principalement dans les intérieurs; pour les plus grandes pièces ou bâtiments l'on utilisait alors plutôt des " éteignoirs ", plus adaptés aux lieux.
    Aujourd'hui, il est souvent vu comme un accessoire décoratif, un objet de collection également ou un utilitaire pour les amateurs de bougies.
    Certaines mouchettes en laiton spécifique, peuvent également être des objets d'antiquité ou des reproduction inspirées des modèles du XVIIIᵉ ou XIXᵉ siècle, voire même des pièces originales et authentiques !!!

    La Mouchette trouvée en belle brocante.

    Voici le modèle découvert en chinant et qui représente bien tout ce que nous venons de décrire.
    En forme générale de ciseaux, en bon laiton épais et doré, elle comporte les lames et le compartiment parallélépipédique pour recueillir mèche coupée et suif fondu. Elle a aussi deux petits 'pieds' pour pouvoir la poser à plat, ainsi qu'un trou dans le haut de la lame pour l'accrocher.
    Présentée ici " dans son jus ", après juste un nettoyage de surface, elle donne une apparence ancienne, vintage, qui en fait un bel objet de décoration, de curiosité aussi ...
    dimensions : 14 x 5 x 2,5 cm
    poids : 80 grammes
    époque présumée : vers 1900
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  • share read star Une statue de SAINT-ANTOINE en pierre calcaire
    Monday 09 December 2024 - 18:32
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    Saint-Antoine
    Saint-Antoine : une re-découverte, pour notre plus grand plaisir
    Une petite beauté que cette statuette sculptée dans une pierre calcaire fort tendre, qui va surtout, en plus, nous permettre de mieux connaître le personnage de Saint Antoine, dit également Saint Antoine Galamus ce qui va donc nous faire voyager dans les objets votifs ainsi que jusque dans Les Gorges de Galamus du pays, dans les Pyrénées Orientales...

    L'Histoire de Saint Antoine Ermite ou Saint Antoine Galamus ou encore Saint Antoine de Tau.

    Richement vêtu, il porte la longue barbe des ermites et une corde à nœuds lui sert de ceinture.
    Les trois nœuds symboliques rappellent les vœux de pauvreté, de chasteté et d’obéissance.
    Dans sa main gauche, il tient un livre fermé contenant sans doute les Saintes-Ecritures. De la main droite, il tient un bâton se terminant par un T (Tau) et une clochette.
    Ce sont les attributs classiques de Saint Antoine de Tau.
    Un cochon est accroupi à ses pieds : au Moyen Âge, l'Ordre hospitalier de Saint-Antoine avait le droit de laisser ses porcs errer dans les rues avec une clochette, ce qui valut au saint d'avoir pour attribut un porc et une clochette.
    Nommé également " De Padoue ", Saint Antoine portait une ceinture en corde avec trois nœuds pour symboliser les trois vœux de pauvreté, de chasteté et d'obéissance.
    Ces vœux sont typiques des ordres religieux mendiants, comme les Franciscains, à qui il appartenait.
    Bien qu'étant une 'personnalité' différente de Saint-Antoine Galamus, ces deux personnages sont souvent confondus, surtout dans leurs représentations ...
    La ceinture avec les trois nœuds était un rappel constant de ses engagements envers ces vœux, et elle servait également de signe de dévotion et de discipline personnelle.

    L'Histoire de Saint-Antoine Ermite.

    Saint Antoine naquit en Égypte à Qeman (Fayyoum), près d’Heracléopolis, vers le milieu du IIIe siècle.
    Sa famille était aisée, et lorsque ses parents moururent alors qu'il avait 18 ans, il hérita de leur fortune. Un jour, alors qu’il se trouvait à l’église, il entendit les mots: " si tu veux être parfait, va et vends tout ce que tu possèdes ".
    Pensant que ces paroles lui étaient destinées, il se débarrassa de tous ses biens terrestres et entra en religion.
    Il commença alors par mener une vie d’ascète en observant les vies d’autres ascètes et il affina sa philosophie.
    Il prit ensuite résidence dans une tombe où, dit‑on, il dut se battre pratiquement à mort contre des démons et des bêtes sauvages. Ces épisodes sont restés célèbres au travers des artistes  qui peignirent les innombrables toiles sur les tentations de Saint Antoine.
    Après environ 15 ans de cette vie, à l’âge de 35 ans, il se retira alors dans un fort abandonné près de Der el Memum, où il vécut dans un isolement complet pendant 25 ans.
    Pendant ce temps, il ne porta le regard sur aucun autre être humain. On lui jetait même de la nourriture par‑dessus les murs.
    A mesure que les années passaient, des pèlerins vinrent rendre visite à cet étrange reclus et, au fil du temps, une petite colonie d’adeptes se constitua non loin de là…
    Bien qu’il ne vît jamais ses visiteurs, il céda cependant à leur prière de devenir leur guide spirituel, et vers 305 il abandonna sa retraite.
    Sa réputation et le nombre de ses adeptes augmenta et un monastère fut fondé dans le voisinage. On dit souvent qu’il a été le fondateur du monachisme chrétien.
    Après avoir passé quelque temps à prêcher ses nouvelles ouailles, il retourna à une vie de réclusion et trouva une grotte près de la Mer Rouge, dont il fit sa demeure et où il resta 45 ans.
    … Saint Antoine dit le Grand ou Antoine d'Égypte ou Saint Antoine Galamus aurait donc vécu de l'an 251 à 356 …
    Il mourut à l'âge de 105 ans entre les bras de ses deux disciples Macaire et Amathas, le 17 Janvier 356.

    Une belle Statuette de Saint Antoine Galamus.

    C'est donc notre ' objet du jour ' que nous vous présentons ici …
    Cette belle représentation votive, pesant 1,5 kg environ, mesurant 30 cm de hauteur, a été réalisée dans une pierre calcaire très tendre et friable, comme beaucoup d'autres du même genre que l'on peut rencontrer dans certains chemins de croix, certaines chapelles nominatives ou autres oratoires.
    On y voit nettement la tenue vestimentaire de l'Ermite, ornée pour l'occasion des différents attributs qui lui ont été octroyés tels sa longue barbe, le livre des saintes-écritures, la corde à trois nœuds, le bâton, sans oublier le cochon à ses pieds, cochon parfois volontairement transformé en sanglier. On ne peut pas ne pas le reconnaître !!!
    Sur le socle est inscrite, gravée dans la pierre tendre, la mention " St. Antoine Galamus ".
    Un fort bel objet qui retrouvera facilement une place bien adaptée chez un collectionneur qui saura le mettre en valeur ...© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Ancienne Vierge d'Accouchée
    Friday 08 November 2024 - 16:59
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    Vierge d'Accouchée
    Vierge d'Accouchée : une ancienne tradition religieuse qui perdure de nos jours
     Dans la tradition chrétienne, la thématique de la "Vierge d'accouchée" explore la représentation de la Vierge Marie dans le moment intime et sacré de l’accouchement ou encore de la naissance. Ce sujet rare et délicat, surtout dans l'art chrétien, met en lumière la maternité de Marie et son humanité, tout en soulignant son caractère divin.
    Ces œuvres cherchent à montrer le mystère de l’Incarnation, offrant une vision douce et profondément humaine de la naissance du Christ.

    Les origines de la " Vierge d'Accouchée ".

    La "vierge d'accouchée" ou "Notre-Dame d'accouchée" est une statue ou une image représentant la Vierge Marie en lien avec la période de l'accouchement et de la maternité.
    Elle est souvent représentée tenant l'Enfant Jésus, tout contre elle ou en position d'accouchement, et elle symbolise la protection divine pour les femmes enceintes et les nouveau-nés.
    Ces représentations ont leurs racines dans la dévotion médiévale, où la Vierge Marie était invoquée pour obtenir une aide divine lors de l'accouchement.
    Parfois même, La Vierge peut être représentée seule ou en compagnie d'anges, tenant des objets symboliques comme une rose (symbole de pureté) ou une étoile (symbole de guidance).
    Les statues, ou plutôt " statuettes " peuvent être réalisées en bois, en céramique, en pierre ou en métal.
    Les images peuvent être peintes sur des toiles, des fresques ou des vitraux.
    La position de Marie peut varier, mais elle est souvent montrée debout ou assise, dans une attitude de tendresse et de protection.
    Les Vierges d'accouchée ont joué un rôle important dans les pratiques religieuses et culturelles, offrant réconfort et espoir aux femmes en période de grossesse et d'accouchement.
    Elles sont encore vénérées dans certaines traditions catholiques aujourd'hui.

    Les statuettes de Vierge d'Accouchée réalisées en céramique ?

    Les statuettes de la Vierge d'Accouchée sont des objets religieux populaires, surtout dans les foyers ruraux du XVIIIᵉ et XIXᵉ siècles. Elles représentent la Vierge Marie couronnée, portant l'enfant Jésus dans ses bras, et sont souvent en faïence ou céramique.
    Ces statuettes étaient couramment utilisées lors des accouchements. Une bougie était placée dans la couronne de la Vierge, allumée au début des contractions de la future maman, et brûlait jusqu'à la fin de l'accouchement1.
    Les membres de la famille priaient pour que l'accouchement se déroule bien.
    Potiers et Manufactures.
    Les Vierges d'Accouchée étaient souvent vendues par des colporteurs et des marchands ambulants. Certaines régions, comme le Coglais, étaient connues pour la fabrication de ces statuettes1. Les potiers locaux et les manufactures de faïence étaient les principaux artisans de ces objets.
    Il existe de nombreux collectionneurs passionnés de Vierges d'Accouchée, souvent appelés "collectionneurs d'art religieux" ou "collectionneurs de faïence".
    Ces objets sont recherchés pour leur valeur historique et artistique qui est souvent élevée, selon l'époque, l'ancienneté, la fabrication.

    Où en Trouver, où en voir ?

    Vous pouvez trouver ces statuettes dans des brocantes, des marchés aux puces, des magasins d'antiquités, ou en ligne sur des sites spécialisés dans l'art religieux et la faïence ancienne.
    Nous allons ici vous en présenter deux modèles, fort simples, mais fort beaux …
    1 - Statue représentant Sainte-Marie à l'enfant Jésus en faïence polychrome.
    Réalisation que l'on peut facilement attribuer à la manufacture de Quimper, vers le milieu du XIXème siècle ( circa : 1860 )
    Un modèle ancien qui comporte quelques manques d'émail ainsi que quelques défauts de cuisson caractéristiques de certains artisans potiers de l'époque.
    dimensions : 25 x 10 x 8 cm
    poids : 700 gr
    ** FORT BEL OBJET **
    2 - "Vierge à l'enfant" couronnée en faïence polychrome, marquée AVMa.
    Plus probablement cette fois d'origine Rennoise, proche de Quimper, mais d'poque encore plus ancienne. ( milieu du XVIIIème et circa : 1780 )
    Cette Statuette en faïence de Rennes polychrome représente la Vierge Marie tenant l'Enfant Jésus sur son bras gauche, marquée AVMa pour Avé Maria.
    Celle-ci est " couronnée " (couronne creuse) et comportait donc l'emplacement pour y placer une bougie, tout en étant accrochée au mur. (trou visible dans le dos)
    Pas de fêles ou chocs importants, mais quelques légers accrocs ou infimes manques dus à l'âge et à l'usage.
    dimensions : 24 x 7 x 8 cm
    poids : 400 gr
    ** BEL OBJET ANCIEN ET DE QUALITÉ **
       découvrez les photos et enjoy :)
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  • share read star Un ancien jeu de bistrot en bois pour amuser les clients.
    Monday 04 November 2024 - 11:15
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Jeu de Puces
    Jeu de Puces : ancien jeu traditionnel, principalement dit de " bistrot " ...

    Les Jeux de Comptoirs dans les anciens bistrots.

    Les jeux de puces de comptoir, autrefois très populaires dans les bistrots, estaminets et même les foyers, étaient des jeux de société traditionnels où l’on utilisait des petits jetons ou "  puces " en bois ou carton, parfois de petites billes, également des pièces de monnaie.
    C'étaient des jeux d'adresse, de stratégie, ou de hasard, qui réunissaient généralement de 2 à 6 joueurs autour d'une table.
    On les trouvait le plus souvent sur le comptoir d'un estaminet ou d'un bistrot où jouaient les clients.
    Les enfants, les parents aussi, les ont 'ramenés' à la maison pour s'y amuser aussi.
    Ces jeux traditionnels, reviennent à la mode, à la fois objets de curiosité, objets vintage ou témoins d'un ancien patrimoine local, ils sont désormais la cible de très nombreux chineurs ou collectionneurs.

    Ancien Jeu de Puces à Catapultes - bois - hexagonal - Vintage - Bistrot - Traditionnel.

    Estaminet ou Comptoir
    ** DECORATIF & FONCTIONNEL **
    Le jeu de puces à catapulte avec son plateau de bois muni de lanceurs et ses rondelles de métal est un jeu traditionnel de bar. Autrefois pratiqué dans les cafés du Nord de la France, on y jouait avec de vraies pièces de monnaie.
    Un jeu très prisé et présent dans les anciens bistrots de Picardie ou du Nord de la France depuis le début du siècle dernier.
    Réalisé artisanalement et totalement en bois, présenté ici avec des jetons en carton coloré.
    Une version hexagonale, de bonne taille, pour 4 joueurs.
    état : en état " vintage ", ne présentant aucun défaut majeur.
    dimensions : 34 x 37 x 5,5 cm
    poids : 620 gr
    époque : 1960 env.
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  • share read star Les anciens jeux de constructions au siècle dernier.
    Monday 28 October 2024 - 10:40
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    jeu de construction en pierre
    jeu de construction en pierre : un ancien jeu pour retrouver certaines techniques de construction.
     Les anciens jeux de construction, comme les blocs en bois ou les ensembles de briques, ont une valeur éducative et ludique inestimable. Ils stimulent la créativité et l'imagination des enfants, leur permettant de construire des structures complexes tout en développant leur motricité fine.
    Ces jeux favorisent également la résolution de problèmes et la pensée critique, car les enfants doivent planifier et ajuster leurs constructions pour qu'elles tiennent debout. De plus, ils encouragent la coopération et le travail d'équipe lorsque les enfants jouent ensemble, renforçant ainsi leurs compétences sociales.
    Ces anciens jeux de construction sont finalement bien plus que de simples jouets; ils sont des outils pédagogiques essentiels qui contribuent au développement global des enfants.

    Beaucoup plus rares et réalistes : les jeux de construction en Pierre !!!

    Les jeux de construction en pierre, c'est vraiment quelque chose de spécial !
    Ils apportent une touche de réalisme et de durabilité que les autres matériaux ne peuvent pas égaler.
    Construire avec des pierres permet aux enfants de se connecter avec des techniques de construction ancestrales et de comprendre la solidité et la stabilité des structures.
    C'est une expérience tactile unique qui développe la patience et la précision.
    En plus, ces jeux sont souvent plus esthétiques et peuvent même servir de décoration une fois les constructions terminées.
    Un vrai retour aux sources, n'est-ce pas ?

    Notre découverte du jour : Jeu de construction en Pierre avec sa Notice et ses planches modèles.

    C'est bien plus qu'un simple " objet vintage ", c'est réellement une pièce ancienne, un objet de curiosité et de décoration, qui conserve sur lui toutes les habitudes d'une époque presque révolue, malheureusement; une époque pas si lointaine que cela, mais un temps où l'on savait prendre le temps de jouer de manière à la fois ludique et instructive, avec ces jeux, anciens, fabriqués dans des matériaux nobles ...
    descriptions plus précises ou techniques :
    - inscriptions lisible sur le coffret en bois :
    JEUX DE CONSTRUCTION EN PIERRE
    ARCHITECTURE MODERNE
    RÉCRÉATIF - INSTRUCTIF
    Modèle N°5
    marque de fabrique déposée : Le Castor - F & B - Paris
    Dans la boite, on trouve un ensemble de pièces en pierre, en format réduit, représentant les différentes parties de constructions de l'époque.
    On découvre aussi un " CAHIER DE MODÈLES " avec de nombreuses explications et des plans types pour commencer à construire et à jouer …
    Y sont joints, quelques feuillets d'autres plans de construction supplémentaires...
    L'ensemble, on le voit sans aucune difficulté, est réellement de qualité, mais ancien et ayant été utilisé, ses divers éléments portent les marques d'usage, de patine et autres usures qui font de tous ces anciens objets, vintages si vous voulez, des pièces rares, voire souvent uniques!
    La boite présentée dans cet article peux être datée de 1880 …
    ** UN OBJET ANCIEN et VINTAGE - CURIOSITÉ et DÉCORATION DE CLASSE **
       enjoy …  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Publicités : le grand flop marketing pour ALA !
    Saturday 19 October 2024 - 17:15
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    ALA
    ALA : les Enzymes Gloutons qui ont mangé UNILEVER !!!
     Quand les marques lancent de nouveaux produits ils sont très souvent accompagnés d'une forte campagne publicitaire pour en assurer la succès, la rentabilité ...
    Mais quand le succès n'est pas au rendez-vous le ' FLOP ' de l'opération de marketing peut même pousser à retirer complétement le produite lui-même du marché…

    Une mauvais expérience à mettre à l'actif de la fameuse marque de  " UNILEVER " ...

    Unilever est une multinationale anglo-néerlandaise qui a été fondée en 1929 par la fusion de la compagnie néerlandaise de margarine Margarine Unie et du fabricant de savon britannique Lever Brothers.
    Aujourd'hui, Unilever est l'un des leaders mondiaux sur le marché des biens de consommation courante, notamment dans les secteurs de l'alimentation, des soins personnels et de l'entretien de la maison.
    Avec plus de 400 marques présentes dans 190 pays, Unilever touche des milliards de consommateurs chaque jour.
    Parmi ses marques les plus connues, on trouve Axe, Ben & Jerry's, Dove, Lipton, Knorr, et bien d'autres.
    La société s'engage à faire du développement durable un standard au quotidien, en œuvrant pour le bien-être des consommateurs et la préservation de l'environnement.
    En France, Unilever est présent depuis plus de 125 ans et occupe une position de leader dans plusieurs catégories de produits.
    L'entreprise est également reconnue pour ses initiatives en matière de responsabilité sociale et environnementale, comme son partenariat avec le Pacte National sur les emballages plastiques.
    Unilever continue de croître et d'évoluer, en mettant l'accent sur l'innovation et la durabilité, pour répondre aux besoins changeants des consommateurs tout en respectant l'environnement et en contribuant positivement à la société.

    L'histoire des " enzymes Gloutons " et la déconvenue de la campagne publicitaire pour la lessive ALA.

    L'histoire des "enzymes Gloutons" et de la lessive ALA est un exemple fascinant de l'innovation dans le domaine des détergents et de la publicité. Dans les années 1960, la lessive ALA, lancée par Unilever, a introduit une révolution dans le nettoyage du linge avec l'ajout d'enzymes capables de décomposer les taches tenaces.
    Ces enzymes ont été surnommés "gloutons" en raison de leur capacité à "dévorer" les taches de manière efficace.
    La campagne publicitaire pour la lessive ALA, avec ses célèbres "enzymes gloutons", a marqué les esprits et a grandement contribué au succès de la marque. Les publicités représentaient des enzymes sous forme de petites créatures animées qui attaquaient gaiement les taches sur les vêtements, une métaphore visuelle qui a rendu le concept facilement compréhensible et mémorable pour le grand public.
    La lessive ALA, avec ses enzymes Gloutons, promettait de dévorer les taches sans pitié. Les publicités montraient ces petits monstres cartoon en train de manger goulûment les taches de sauce tomate, d’œuf, de sang, de fruits... 
    Une idée brillante sur le papier, n'est-ce pas ?
    Sauf que, comme souvent dans le monde merveilleux du marketing, les choses ne se sont pas passées comme prévu.
    Le concept était simple : des enzymes ajoutées à la lessive qui agiraient comme de petits nettoyeurs infatigables. Mais voilà, le public n'était pas tout à fait prêt à imaginer des créatures microscopiques en train de festoyer sur leurs vêtements.
    Et puis, il y avait cette petite question qui taraudait les consommateurs : "Si ces enzymes mangent les taches, est-ce qu'ils vont s'arrêter là ou dévoreront-ils aussi mon pull préféré ?"
    La campagne a connu un succès médiatique, certes, mais elle a aussi semé le doute dans l'esprit des consommateurs.
    Les enzymes Gloutons sont passés dans le langage courant, mais peut-être pas pour les raisons qu'Unilever aurait souhaité.
    La lessive ALA, malgré sa popularité dans les années 60, a fini par disparaître des rayons, laissant derrière elle une leçon importante : parfois, une bonne publicité ne suffit pas si le produit ne suit pas.
    Alors, la prochaine fois que vous verrez une publicité promettant des miracles, souvenez-vous des enzymes Gloutons. Ils sont peut-être mignons et affamés, mais ils ne remplacent pas une bonne vieille lessive efficace et sans surprises.
    Et si jamais vous trouvez une vieille boîte d'ALA au fond d'un grenier, gardez-la comme un souvenir d'une époque où les enzymes avaient des dents plus grandes que leur efficacité.

    Nos " enzymes gloutons " du jour ... :)

    Seules petites traces de cette ancienne campagne publicitaire, principalement de son super " FLOP ", les personnages dessinés pour représenter les " enzymes gloutons " ( seul ce terme est resté dans notre culture actuelle ) sont deux petits bonhommes de couleur jaune vif, avec un immense sourire et de petits bras et jambes, que l'on retrouve comme objet publicitaire à accrocher ou, plus rarement encore comme taille-crayons …
    Une véritable aubaine pour tous les collectionneurs des thématiques ' publicités ', ' lessives ' et autres …
    Je vous laisse les découvrir ci-dessous …
    … enjoy …. :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Les Progrès de la Médecine : l'aspirateur à double effet du Professeur Potain
    Tuesday 15 October 2024 - 11:39
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    seringue
    seringue : élément principal de l'invention du Docteur Poulain ( injecter et aspirer )

    Qui était le Professeur Potain, inventeur de l'aspirateur à double effet ?

    Le Professeur Pierre Carle Édouard Potain était un éminent cardiologue français, né le 19 juillet 1825 et décédé le 5 janvier 1901.
    Il est surtout connu pour ses contributions significatives dans le domaine de la cardiologie, notamment ses travaux sur la mesure de la pression artérielle.
    Potain a obtenu son doctorat de la Faculté de médecine de Paris en 1853 et a par la suite travaillé comme assistant de Jules Baillarger à l'asile d'aliénés d'Ivry. Sa carrière a rapidement progressé, et il est devenu Médecin des Hôpitaux de Paris, exerçant à l'hôpital Saint-Antoine et à l'hôpital Necker. En 1875, il a été nommé professeur titulaire de pathologie médicale, puis de clinique médicale, et a dirigé le service de clinique de la Faculté de médecine à l'hôpital Necker pendant dix ans.
    Durant la guerre de 1870, Potain a servi comme fusilier dans la garde nationale. Il a été fait commandeur de la Légion d'honneur en 1895, une reconnaissance de son service distingué dans le domaine médical.
    Parmi ses réalisations, Potain a amélioré le tensiomètre, un dispositif servant à mesurer la pression artérielle, avec l'aide de Marey en 1889. Il a également étudié les manifestations veineuses de l'arrêt cardiaque et les bruits du cœur dans l'insuffisance cardiaque, développant les analyses auscultatoires et les enregistrements graphiques.
    Le nom de Potain reste associé à plusieurs termes médicaux éponymes, bien que ceux-ci ne soient plus couramment utilisés depuis le milieu du XXe siècle. Ils représentent néanmoins des notions médicales historiques importantes.
    Le Professeur Potain a laissé un héritage durable dans le domaine de la médecine, et ses travaux continuent d'être une source d'inspiration pour les cardiologues et les professionnels de la santé aujourd'hui.

    L'aspirateur à double effet, une invention remarquable du Professeur Potain

    Le Professeur Pierre Carle Édouard Potain, un nom qui résonne avec éminence dans le domaine de la cardiologie, a également marqué l'histoire de la médecine avec son invention de l'aspirateur à double effet.
    Cet instrument, conçu à la fin du XIXe siècle, était destiné à l'évacuation des liquides pathologiques, une procédure cruciale pour traiter certaines affections médicales.
    L'aspirateur à double effet de Potain était une avancée significative dans le domaine médical, offrant une méthode plus efficace et hygiénique pour drainer les fluides corporels accumulés en raison de diverses conditions médicales.
    Cet appareil innovant fonctionnait sur le principe de l'aspiration et du refoulement, permettant ainsi une manipulation contrôlée des liquides sans risque de contamination croisée, permettant aussi à la fois aussi bien d'injecter que de pomper.
    Le dispositif se composait d'une pompe en acier munie à son extrémité de deux embouts, une tige creuse métallique à double conduit se bifurquant en deux branches munies chacune d’un robinet, des trocarts de calibre différents et des canules.
    Cette conception permettait une utilisation polyvalente et adaptée aux besoins spécifiques des patients et des praticiens.
    Aujourd'hui, l'aspirateur à double effet de Potain est conservé dans des musées médicaux, tels que le Musée grenoblois des Sciences médicales, où il est valorisé comme une pièce importante du patrimoine médical et hospitalier.
    Ces instruments, témoins de l'histoire de la médecine, continuent d'inspirer et de rappeler les progrès réalisés dans le domaine de la santé.
    L'aspirateur à double effet du Professeur Potain reste un exemple de l'ingéniosité et de l'innovation qui caractérisent la médecine du XIXe siècle, et son influence se fait encore sentir dans les technologies médicales contemporaines. C'est un hommage à la persévérance et à l'engagement des pionniers de la médecine qui ont façonné l'avenir de la santé et du bien-être des générations futures.

    Une grande particularité de cette invention dont on ne parle que très peu un exemple du vécu.

    Elle n'a pas été utilisée que pour les exemples cités ou ceux que vous trouverez sur Internet ou certains manuels de référence; il fut une époque où les médecins, principalement généralistes, étaient des " vrais médecins de Famille " avec tout ce cela peut entraîner.
    Un exemple concret et un témoignage humain.
    Jusque encore la période après guerre, voire même les années 60 ou 70 une personne atteinte d'une pleurésie gravie, notamment une pleurésie purulente, se retrouvait pendant de très longues semaines, plus souvent d'ailleurs de très longs mois, avec un "tuyau" allant à l'intérieur du poumon atteint pour permettre aux fluides de s'écouler peu à peu.
    Ce procédé était alors le seul ' remède ' avec d'énormes doses d'antibiotiques ( les premiers … ) que l'on pouvait utiliser, mais lorsque le patient s'en trouvait guéri il lui restait au mieux une énorme cicatrice, au pire un trou sur le côté …
    Certains médecins de Famille, avec toute l'humanité et l'entêtement qui pouvaient les caractériser n'ont pas hésiter, pour éviter ce traumatisme post-traitement à leurs patients, à utiliser cet " aspirateur " inventé par le Professeur Potain.
    Il leur fallait faire, chaque jour, au domicile, le patient ne pouvant que rester couché, une ponction pour retirer peu à peu, l'eau, le pus, ou autre liquide infectieux, pour que petit à petit l'espoir d'une guérison puisse venir.
    Beaucoup de temps passé au chevet du malade, des ponctions avec des aiguilles de dingue, des interventions répétées sans cesse chaque jour pendant des mois, souvent dans la douleur, accompagnées d'une véritable dose de cheval de pénicilline ( pénicilline :  premier antibiotique, découvert en 1928 par le biologiste écossais Alexander Fleming mais qui ne fut utilisé qu'à partir de 1941 ).
    Lorsque la guérison finissait par arriver, c'était la récompense, la joie des deux côtés mais surtout une immense satisfaction, pour le docteur, d'avoir pu éviter à son patient de se retrouver avec une plaie sur le côté pour le reste de sa vie …
    Comme la Médecine, comme les mentalités, ont bien changées !

    Notre objet du jour : un aspirateur à double effet du professeur Potain, dans son coffret et avec sa notice d'origine.

    Fabriqué avec grand soin à Paris, par la ' Maison Charrière COLLIN ' ( rue de l'école de Médecine … :) ), cet exemplaire a été très bien conservé, comme ceux que l'on retrouve dans certains musées ou expositions spécialisées et se présente avec un ensemble impressionnant de trocarts, d'aiguilles et autres engins médicaux, bien rangés dans leur boite de velours bleu.
    C'est une fabrication que l'on peut situer vers la fin du XIXè et le début du XXè siècle.
    ** Ce qui est très intéressant pour cet exemplaire c'est qu'il comporte encore sa notice d'utilisation, d'explications, d'origine ce qui lui donne un énorme " PLUS " pour tous les curieux et les passionnés d'objets techniques, médicaux ou de curiosité.
    Voyez par vous-même tous les détails en photos dans la galerie ci-dessous …
    … enjoy   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Des petites tabatières érotiques faites en os
    Monday 07 October 2024 - 17:03
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    tabatière
    tabatière : version avec gravures érotiques pour les collectionneurs
     Les tabatières, ces petites boîtes à tabac qui ont traversé les siècles, sont devenues des objets de collection prisés pour leur histoire et leur diversité...

    Pourquoi collectionner les tabatières ?

    Ce sont des objets, dont l'utilisation remonte à la deuxième moitié du XVIIe siècle en France, et qui étaient initialement sculptés dans l'ivoire ou le buis et servaient à contenir la poudre de tabac, un produit alors réservé à l'aristocratie et aux plus fortunés.
    Puis, avec le temps, les tabatières ont évolué pour devenir des objets d'art ostentatoires, reflétant le rang social et la richesse de leur propriétaire.
    Au XVIIIe siècle, elles étaient fabriquées à partir de matériaux précieux comme l'or, le vermeil, et parfois même ornées de pierres précieuses. Ces boîtes à tabac étaient souvent offertes en cadeaux diplomatiques et pouvaient être réalisées par les plus grands orfèvres de l'époque.
    La collection de tabatières anciennes offre un aperçu fascinant de l'histoire sociale et de l'artisanat. Chaque pièce raconte une histoire, qu'elle soit en porcelaine délicatement peinte, en émail, ou en matériaux plus communs comme le bois ou le papier mâché.
    Les collectionneurs apprécient ces objets pour leur valeur historique, leur beauté et la recherche de pièces uniques.
    Les tabatières ne sont pas seulement des récipients pour le tabac; elles sont des témoins de l'évolution des goûts, des modes et des sociétés à travers les âges.

    Les Chinois et l'érotisme.

    L'érotisme en Chine est un sujet riche et complexe, profondément ancré dans l'histoire, la culture et la philosophie du pays. Il se manifeste à travers diverses formes d'art, de littérature et de pratiques culturelles.
    - Histoire et Littérature
    Dans la littérature classique, des œuvres comme "Le Jardin aux Plaisirs" (ou "Le Souffle de l'Amour") explorent les thèmes de l'amour et du désir. La poésie et les romans de la dynastie Tang, en particulier, abordent souvent des sujets érotiques avec une sensibilité et une délicatesse remarquables.
    - Art
    Dans l'art, la peinture érotique, bien que souvent cachée ou censurée, a existé depuis des siècles. Des peintures représentant des scènes intimes ou des symboles de fertilité témoignent d'une approche à la fois esthétique et symbolique du corps humain et du désir.
    - Philosophie et Spiritualité
    La pensée taoïste, par exemple, valorise l'harmonie entre le yin et le yang, et certaines pratiques spirituelles intègrent la sexualité comme un moyen d'atteindre une élévation spirituelle. La sexualité est ainsi parfois perçue comme une force créatrice, un lien entre le physique et le spirituel.
    - Évolution Contemporaine
    Aujourd'hui, l'érotisme en Chine évolue, notamment avec l'ouverture économique et sociale. Les médias, le cinéma, la littérature contemporaine et l'artisanat explorent des thèmes érotiques avec davantage de liberté, même si la censure reste un enjeu.

    Qu'est-ce qu'une tabatière et à quoi sert-elle ?

    Une tabatière est un petit récipient, souvent décoratif, utilisé pour contenir du tabac à priser. Elle peut être fabriquée à partir de divers matériaux, comme l'ivoire, le bois, le métal ou la porcelaine, et est souvent ornée de motifs artistiques.
    - Utilisation
    Traditionnellement, les tabatières étaient utilisées pour transporter et conserver le tabac à priser, un produit populaire en Europe, particulièrement au XVIIIe et XIXe siècle. Les utilisateurs prenaient une petite quantité de tabac avec leurs doigts ou à l'aide d'un petit outil, puis le plaçaient dans leur nez pour en inhaler les arômes.
    - Symbolisme
    En plus de leur fonction utilitaire, les tabatières sont souvent considérées comme des objets de collection, témoignant du savoir-faire artisanal et de l'esthétique de leur époque. Elles peuvent également avoir une valeur symbolique, représentant des traditions culturelles ou des pratiques sociales.
    * Aujourd'hui, leur usage a diminué, mais elles restent prisées des collectionneurs et sont parfois exposées dans des musées.

    Les objets du jours : de belles petites tabatières, érotiques, en os.

    Les petites tabatières sculptées dans de l'os avec des motifs érotiques sont des objets d'art très particuliers et fascinants. Ces pièces, souvent réalisées à la main, témoignent d'un savoir-faire exceptionnel et d'une sensibilité esthétique.
    Les principales caractéristiques :
    * L'os est un matériau fort prisé pour sa texture fine et sa capacité à être délicatement sculpté.
    Les artisans peuvent créer des motifs complexes et détaillés d'une très grande finesse, représentant des scènes complètes sur certains modèles.
    * Les motifs érotiques réalisés sur ces tabatières peuvent inclure des représentations de couples, des symboles de fertilité ou d'autres éléments liés à l'amour et au désir. Ces motifs peuvent être à la fois explicites et subtils, mêlant sensualité et art.
    * Bien que leur fonction principale soit de contenir du tabac, ces tabatières sont tout particulièrement considérées comme des objets de collection ou des pièces de conversation en raison de leur beauté et de leur symbolisme.
    Ces tabatières érotiques peuvent être associées à des périodes et des cultures où l'érotisme était célébré dans l'art et la littérature.
    Elles reflètent non seulement une pratique sociale, mais aussi une appréciation de la beauté du corps humain et des relations intimes.
    Les tabatières délicatement sculptées sont souvent recherchées par les collectionneurs en raison de leur rareté et de leur valeur artistique.
    Elles peuvent aussi avoir une signification historique, illustrant les attitudes envers la sexualité dans différentes époques.
    Ce sont désormais des objets qui passionnent les collectionneurs et deviennent de fait de plus en plus rares et recherchés ...
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  • share read star Lanternes Magiques : de belles vues en couleurs
    Sunday 06 October 2024 - 13:01
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Lapierre-Cinéma
    Lapierre-Cinéma : séries de vues en couleurs pour lanternes magiques.
     Il existe de nombreux modèles de lanternes magiques, utilisant des variétés importantes de films et diapositives anciennes; ce sont tous de superbes réalisations si l'on tient compte de leur époque, quasiment toujours réalisées à la main et qui nous surprennent à chaque découverte ...

    Comment fonctionnaient les anciennes lanternes magiques ?

    Les anciennes lanternes magiques, considérées comme les ancêtres des projecteurs modernes, fonctionnaient grâce à un système optique simple mais ingénieux.
    Inventées au XVIIe siècle, elles utilisaient une source lumineuse, telle qu'une bougie ou une lampe à huile, pour projeter la lumière à travers une plaque de verre peinte.
    Cette plaque, souvent ornée d'images détaillées et colorées, était placée devant la source lumineuse. La lumière traversait ensuite une lentille convergente qui agrandissait et inversait l'image avant de la projeter sur une surface comme un mur ou un écran.
    Certaines lanternes magiques étaient même équipées de mécanismes permettant d'animer les images, créant ainsi un spectacle captivant pour l'époque.
    Ces dispositifs ont non seulement divertis mais aussi servi à des fins éducatives et de prosélytisme, marquant une étape importante dans l'histoire de la projection d'images et du cinéma.

    Les différents modèles de lanternes magiques.

    Les lanternes magiques ont connu de nombreuses variations au fil des siècles, reflétant les avancées technologiques et les besoins culturels de l'époque.
    Les premiers modèles étaient souvent rudimentaires, éclairés par des bougies ou des lampes à huile. Avec le temps, ces sources de lumière ont été remplacées par des moyens plus sophistiqués comme le pétrole, l'hydrogène et finalement l'électricité.
    Les plaques de verre, peintes à la main, étaient l'essence de la lanterne magique, servant de support aux images projetées.
    Certains modèles étaient dotés de mécanismes permettant d'animer ces images, créant ainsi des spectacles précurseurs des films d'animation. Il existait également des lanternes à double objectif, permettant des effets de fondu enchaîné pour une transition fluide entre les images.
    Les fabricants comme Lapierre offraient une gamme variée de lanternes, allant de modèles luxueux à des versions plus simples pour un usage domestique, chacun accompagné de séries de plaques colorées.
    Ces lanternes n'étaient pas seulement des objets de divertissement; elles servaient également à des fins éducatives et de prosélytisme, témoignant de leur importance dans l'histoire de la projection d'images.

    Lapierre Cinéma. (éditeur à Paris)

    Lapierre Cinéma représente un chapitre fascinant de l'histoire de la projection d'images et du cinéma.
    Fondée par Auguste Lapierre en 1848, l'entreprise a commencé par la fabrication de lanternes magiques avant de se diversifier dans la production de projecteurs de films.
    Les lanternes de Lapierre étaient réputées pour leur qualité et leur décoration élaborée, et avec le temps, l'entreprise a su s'adapter aux évolutions technologiques en produisant des projecteurs pour films 9,5 mm, très populaires au milieu du XXe siècle.
    Ces projecteurs étaient appréciés pour leur fiabilité et leur facilité d'utilisation, permettant ainsi au grand public de profiter du cinéma à domicile.
    L'histoire de Lapierre Cinéma est également marquée par des innovations, comme le dépôt d'un brevet pour l'emboutissage des tôles, qui a contribué à l'amélioration de la production des lanternes magiques.
    *Au fil des décennies, Lapierre Cinéma a laissé une empreinte indélébile sur l'industrie cinématographique, témoignant de l'ingéniosité et de l'esprit d'innovation français dans le domaine de la projection d'images.

    Notre curiosité du jour.

    Une petite pochette, en papier kraft, avec de nombreuses inscriptions descriptives et publicitaires, éditée par les établissement " Lapierre-Cinéma " et contenant :
    - un dépliant explicatif sur le contenu : il s'agit de vues pour projections fixes, livrées en pochette de 12 vues ( en 3 bandes ) présentant des histoires sans texte ( en noir et blanc ) ou avec texte ( en couleurs ).
    Lorsque l'on parle de texte, il s'agit de celui qui est noté sur la notice, pas sur les diapositives …
    - 3 bandes de vues; chaque vue servant au public ou au projectionniste à raconter une histoire, soit au total 12 historiette à projeter.
    Pour la série présentée ce jour, ce sont des chansonnettes populaires très connues et les spectateurs peuvent les reprendre en cœur au moment de leur apparition.
    Voyons donc ici, un exemple plus précis d'une bande en vous présentant les titres des chansons que cible chaque vue en couleur. ( pour les paroles, voyez dans la galerie la reproduction du verso de l'affichette).
    Meunier tu dors
    Meunier tu dors
    La boulangère a des écus
    La boulangère a des écus
    Marie trempe ton pain
    Marie trempe ton pain
    Frères Jacques
    Frères Jacques
    Vous pouvez aussi découvrir les 9 autres anciennes chansonnettes en visionnant les bandes de vues pour lanternes magiques mises dans la galerie photos ci-dessous …
    Bonne projection … enjoy; :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Petit vase en Grès flammé signé Cytère à Rambervillers.
    Friday 27 September 2024 - 14:59
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    couleurs irisées
    couleurs irisées : une des grandes particularités du grès flammé
     La poterie en grès flammé est une forme d'art céramique qui a connu son apogée pendant la période de l'Art Nouveau, et qui continue de fasciner les amateurs d'artisanat et les collectionneurs. Le grès flammé se distingue par ses reflets métalliques et changeants, obtenus grâce à des émaux appliqués en couches successives et cuits à haute température. Cette technique permet de créer des pièces uniques avec des effets visuels impressionnants...

    Les céramiques de Rambervillers : un héritage unique

    Les céramiques de Rambervillers, en particulier les fameux grès flammés, constituent un pan important de l'histoire de l'art céramique français. Leur renommée s'étend bien au-delà des frontières nationales, et les collectionneurs du monde entier recherchent ces pièces uniques pour leur beauté et leur originalité.
    C'est au XIXe siècle que l'aventure des céramiques de Rambervillers commence.
    La ville, située dans les Vosges, dispose de terres argileuses de qualité exceptionnelle, propices à la fabrication de céramiques.
    C'est Alphonse Cytère, ingénieur et céramiste, qui va révolutionner la production locale en mettant au point une technique de cuisson spécifique : le grès flammé.
    Les céramiques de Rambervillers sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde. En France, le Musée de la Terre à Rambervillers abrite une collection importante de pièces, retraçant l'histoire de la production céramique locale.
    Le grès flammé : une technique révolutionnaire
    Le grès flammé de Rambervillers se distingue par ses couleurs chatoyantes et ses reflets métalliques, obtenus grâce à l'ajout d'oxydes métalliques dans l'émail. La cuisson, réalisée à très haute température, permet de créer des pièces uniques, où les couleurs se mélangent et se superposent de manière aléatoire. Chaque pièce est ainsi une œuvre d'art à part entière.
    Quelques créateurs et leurs œuvres
    De nombreux artistes ont contribué à la renommée des céramiques de Rambervillers. Parmi les plus célèbres, on peut citer :
    - Alphonse Cytère : Le père des grès flammés, à l'origine de la technique révolutionnaire.
    - Roger Capron : Un des céramistes les plus prolifiques du XXe siècle, il a créé de nombreuses pièces emblématiques pour la manufacture de Rambervillers.
    - Jacques Blin : Connu pour ses formes épurées et ses décors géométriques.
    - Mado Jolain : Artiste reconnue pour ses sculptures en céramique.
    Les collections et les musées
    Les céramiques de Rambervillers sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde. En France, le Musée de la Terre à Rambervillers abrite une collection importante de pièces, retraçant l'histoire de la production céramique locale.

    Pourquoi les céramiques de Rambervillers sont-elles si appréciées ?

    - L'unicité de chaque pièce : Grâce à la technique du grès flammé, chaque pièce est unique, avec des couleurs et des nuances qui varient d'une pièce à l'autre.
    - La qualité des matériaux : Les terres argileuses de Rambervillers sont réputées pour leur finesse et leur pureté, ce qui confère aux céramiques une grande résistance et une longévité exceptionnelle.
    - Le lien avec l'art nouveau : Les céramiques de Rambervillers ont été fortement influencées par le mouvement Art Nouveau, ce qui leur confère un charme et une élégance intemporels.

    Qui était Jean Baptiste Alphonse Cytère ?

    Alphonse Cytère était un ingénieur céramiste français, né à Tauves en 1861 et mort à Rambervillers en 1941. Il est surtout connu pour son lien avec l'École de Nancy et pour avoir mis au point une technique révolutionnaire dans le domaine de la céramique.
    Un acteur clé de l'École de Nancy
    Lié d'amitié avec des figures emblématiques de l'École de Nancy comme Joseph Mougin et Majorelle, Alphonse Cytère a été introduit dans ce cercle artistique. Il a collaboré avec de nombreux artistes de ce mouvement, tels qu'Horel, Gatelet, Catteau et Cayette, pour créer des pièces uniques.
    L'inventeur des grès flammés de Rambervillers
    En tant que directeur de la Société Anonyme des Produits Céramiques de Rambervillers (SAPCR), Alphonse Cytère a révolutionné la production céramique en mettant au point une technique de transformation d'un émail à reflets métalliques.
    Cette innovation a donné naissance aux célèbres "grès flammés de Rambervillers", caractérisés par leurs couleurs chatoyantes et leurs reflets métalliques. Ces pièces uniques ont rapidement acquis une renommée internationale et sont aujourd'hui très recherchées par les collectionneurs.
    Un engagement en faveur de l'art et de l'artisanat
    Alphonse Cytère ne s'est pas contenté d'innover dans le domaine de la céramique. Il s'est également engagé en faveur de l'art et de l'artisanat en créant, en 1906, un concours École de Nancy destiné à de jeunes créateurs. Ce concours visait à promouvoir les talents émergents et à favoriser le développement de l'art nouveau en Lorraine.
    Alphonse Cytère est une figure incontournable de l'histoire de la céramique française. Son talent d'ingénieur, son sens artistique et son engagement en faveur de l'École de Nancy ont contribué à faire rayonner l'art nouveau en France et à travers le monde.
    Les grès flammés de Rambervillers, fruits de ses recherches et de son savoir-faire, restent aujourd'hui des chefs-d'œuvre de l'art céramique.

    Notre objet du jour : un superbe petit vase signé A. CYTERE.

    Superbe petit vase en grès flammé, dans des tons bleutés et légèrement verts diffusant une reflet métallique du plus bel effet.
    Une fort belle pièce qui va ravir, les collectionneurs, les amateurs, les décorateurs ..
    sur le dessous : signé A. Cytere RAMBERVILLIERS
    dans un ovale : UNIS FRANCE + chiffres 5 & 16
    dimensions : x 9 cm
    poids : 280 grammes
    période : Art Nouveau
    circa : 1900
    © Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Une petite cuillère à absinthe publicitaire.
    Thursday 26 September 2024 - 18:24
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Picon Sucre
    Picon Sucre : cuillère à absinthe publicitaire
     Parmi les objets de ' curiosité ' que certains collectionneurs recherchent, l'on peut trouver des " cuillères à absinthe " en tous genres et toutes matières, mais également des modèles publicitaires très recherchés puisque ' doublant ' alors les thématiques des collectionneurs.

    Qu'est-ce que l'absinthe ?

    L'absinthe, souvent surnommée la "Fée verte", est une boisson spiritueuse à base de plantes, notamment de la plante d'absinthe (Artemisia absinthium), de l'anis vert et du fenouil.
    Originaire de Suisse, cette boisson alcoolisée a une longue et riche histoire qui remonte à l'Égypte ancienne, où elle était utilisée pour ses propriétés médicinales. Au fil des siècles, l'absinthe a été appréciée pour ses effets stimulants et a même été considérée comme une source d'inspiration artistique, notamment au 19ème siècle, où elle a captivé l'imagination de nombreux artistes et écrivains.
    La production et la consommation de l'absinthe ont été interdites dans plusieurs pays au début du 20ème siècle en raison de préoccupations concernant ses effets potentiellement nocifs, notamment l'absinthisme, un syndrome associé à sa consommation excessive.
    Cependant, avec des réglementations plus strictes et une meilleure compréhension de ses ingrédients, l'absinthe a fait un retour remarqué sur le marché des spiritueux.
    L'absinthe est traditionnellement de couleur verte, bien qu'il existe également des variétés blanches. Elle est connue pour son goût distinctif et amer, qui est souvent adouci par l'ajout d'eau et de sucre lors de la préparation. La boisson présente un haut degré d'alcool, généralement entre 45 % et 74 %, ce qui en fait l'une des boissons spiritueuses les plus fortes disponibles.
    La méthode traditionnelle de service de l'absinthe implique un rituel spécial où l'eau froide est lentement versée sur un morceau de sucre posé sur une cuillère à absinthe spécialement conçue, qui repose sur le verre contenant l'absinthe.
    Ce processus, appelé la "louche", permet non seulement de diluer l'absinthe, mais aussi de libérer les huiles essentielles des plantes, ce qui entraîne un changement de couleur de la boisson de vert à une teinte laiteuse opalescente, connue sous le nom de "louche".
    Aujourd'hui, l'absinthe continue d'être un sujet de fascination et de débat, avec des passionnés et des collectionneurs du monde entier. Que ce soit pour son histoire, son rituel de dégustation unique ou son goût distinctif, l'absinthe reste une boisson emblématique qui évoque l'esprit d'une époque révolue tout en restant pertinente dans la culture contemporaine des spiritueux.

    Comment bien se servir d'une cuillère à absinthe ?

    La cuillère à absinthe est un accessoire emblématique de la dégustation de cette boisson historique.
    Voici un guide étape par étape sur la manière traditionnelle de se servir d'une cuillère à absinthe pour préparer ce spiritueux unique :
    1. **Choix de l'absinthe** : Commencez par sélectionner une absinthe de qualité. Versez la quantité désirée d'absinthe dans un verre adapté, généralement jusqu'à la marque de la "goutte" située dans le bas du verre, qui indique la dose correcte.
    2. **Placement de la cuillère** : Posez la cuillère à absinthe, qui est perforée, horizontalement sur le bord du verre.
    3. **Ajout du sucre** : Placez un morceau de sucre sur la partie perforée de la cuillère. Le sucre adoucira l'amertume caractéristique de l'absinthe.
    4. **Dilution avec de l'eau** : Versez lentement de l'eau froide sur le morceau de sucre. L'eau s'écoulera à travers les perforations, se mélangeant avec l'absinthe et dissolvant le sucre. Ce processus est souvent réalisé à l'aide d'une fontaine à absinthe, mais peut aussi être fait manuellement.
    5. **Observation de la louche** : À mesure que l'eau se mélange à l'absinthe, la boisson deviendra trouble, un phénomène connu sous le nom de "louche". Cela indique que les huiles essentielles des plantes sont libérées, modifiant la texture et le goût de l'absinthe.
    6. **Ajustement au goût** : La quantité d'eau ajoutée peut être ajustée selon les préférences personnelles. Traditionnellement, on recommande un ratio de trois à cinq parties d'eau pour une partie d'absinthe.
    7. **Dégustation** : Une fois le mélange à votre goût, l'absinthe est prête à être savourée. Prenez le temps de déguster les arômes complexes et le profil gustatif unique de l'absinthe.
    Il est important de noter que la méthode de flambage du sucre, bien que spectaculaire, n'est pas considérée comme traditionnelle et peut altérer le goût authentique de l'absinthe.
    La cuillère à absinthe n'est pas seulement un outil fonctionnel, elle est aussi un symbole de l'histoire et de la culture entourant cette boisson fascinante. En suivant ces étapes, vous pourrez apprécier l'absinthe de la manière la plus traditionnelle et authentique. Bonne dégustation !

    Notre objet du jour : une cuillère à absinthe publicitaire marquée " PICON ".

    Distribué par CAMPARI, le Picon est la marque commerciale d'un amer de couleur caramel qui accompagne traditionnellement la bière dans l'Est et le Nord de la France, en Belgique, au Luxembourg, ainsi qu'en Suisse…
    Aujourd'hui, nous vous présentons donc, un petit objet de curiosité, l'un des cadeaux publicitaires de cette marque, offert sous la forme d'une simple mais jolie cuillère à absinthe.
    Le cuilleron, de forme pointue, aux rebords relevés, est perforé avec les mots " SUCRE " et " PICON " découpés dans le métal; le manche, lui est embouti du même mot, en relief, " PICON ".
    Le ' traversin ' porte une marque : " VUILLARD " accompagnée d'un poinçon rectangulaire de la marque. ( Métal argenté ? )
    Aussi utilitaire que simple objet de curiosité, cette cuillère publicitaire pèse 30 grammes, pour des dimensions de 16,5 x 3,5 x 0,5 centimètres.
    Période de fabrication estimée : 1920

    Petit objet bien sympathique …  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Comment décrire l'état d'un livre et de sa reliure ?
    Monday 02 September 2024 - 10:38
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    reliure
    reliure : un élément très important d'un livre pour tous les bibliophiles
    Comme pour tous les autres collectionneurs, les bibliophiles sont eux aussi obligés de connaître certains ' mots-clés ' d'un langage bien spécifique.
    Décrire un livre ou en comprendre sa description, tout au moins en ce qui concerne son état, n'est pas chose si aisée que cela ! Le vocabulaire de la reliure comporte des termes forts pointus et très techniques qu'il fait absolument connaître.
    En voici donc quelques exemples, pour vous familiariser avec tout ce vocabulaire bien spécial ...
    les différentes parties d'un livre
    les différentes parties d'un livre : des termes bien spécifiques à connaître

    Structure et parties d'un livre : le glossaire du relieur.

    La structure et les parties d'un livre sont essentielles à sa compréhension et à son appréciation. Un livre est bien plus qu'une simple collection de pages; c'est un objet conçu avec soin, où chaque élément joue un rôle spécifique.
    La structure d'un livre est un élément fondamental qui reflète non seulement l'organisation du contenu, mais aussi l'approche et le soin apportés par l'auteur et l'éditeur dans la présentation de l'œuvre.
    Un livre bien structuré guide le lecteur à travers son voyage littéraire, offrant une expérience cohérente et enrichissante.
    Le vocabulaire du bibliophile pour décrire les différentes parties d'un livre est assez complexe quand même.

    Aperçu détaillé des différentes parties d'un livre, classées par catégories spécifiques.

    - La Couverture -
    La couverture d'un livre est la première chose que l'on voit et elle sert à la fois de protection et de présentation de l'ouvrage.
    Elle se compose généralement de deux plats (le plat de devant et le plat de derrière) et d'un dos, où sont souvent inscrits le titre et le nom de l'auteur. La couverture peut être faite de différents matériaux, tels que le carton, le tissu ou le cuir.
    Les couvertures sont les éléments protecteurs d'un livre, comprenant la première de couverture (ou plat de devant) et la quatrième de couverture (ou plat de derrière). Elles servent à présenter l'ouvrage et à protéger son contenu.
    La première de couverture affiche généralement le titre, le sous-titre, le nom de l'auteur et parfois une illustration.
    La quatrième de couverture peut contenir un résumé, des critiques ou des informations sur l'auteur.
    - La Reliure -
    La reliure est ce qui maintient les pages du livre ensemble. Elle peut être réalisée de différentes manières, par exemple par collage ou couture, et diffère du brochage en ce que les pages d'un livre relié ne sont pas accolées au dos du livre.
    La reliure est la méthode par laquelle les pages du livre sont assemblées et maintenues ensemble. Elle peut être souple ou rigide, collée ou cousue, et contribue à la durabilité du livre. La reliure influence également l'ouverture et la manipulation du livre.
    - Le Dos du Livre -
    Le dos du livre est la partie visible lorsque le livre est placé sur une étagère. Il porte souvent le titre, le nom de l'auteur et l'éditeur, et parfois une illustration ou des motifs. Le dos est essentiel pour l'identification rapide d'un livre.
    - Les Pages de Garde -
    Les pages de garde sont les feuilles qui relient la couverture au corps du livre. Elles ne sont généralement pas numérotées et peuvent être décorées ou contenir des informations supplémentaires sur l'ouvrage. Elles sont souvent de couleur ou comportent des motifs et servent à protéger les premières et dernières pages du livre.
    - La Dédicace -
    La dédicace est une note personnelle de l'auteur dédiée à une personne ou un groupe en particulier. Elle précède souvent le contenu principal et ajoute une touche personnelle à l'ouvrage.
    - Préface et Introduction -
    La préface, écrite parfois par une autre personne que l'auteur, fournit un contexte ou des commentaires sur l'œuvre. L'introduction, généralement rédigée par l'auteur, présente les objectifs et le cadre du livre. Ces sections préparent le lecteur à ce qui va suivre.
    - Le Corps d'Ouvrage ou Corps du Texte -
    Le corps d'ouvrage est la partie principale du livre, constituée des pages de texte. Il commence par la page de titre et se termine par la dernière page de contenu. Le corps peut être divisé en chapitres, sections et paragraphes pour organiser le texte.
    Le corps du texte est l'essence même du livre, où l'auteur développe son sujet ou son récit. Il est souvent divisé en chapitres ou sections pour une meilleure organisation et compréhension.
    - La Page de Titre -
    La page de titre est la première page du contenu du livre, présentant le titre complet, le sous-titre, le nom de l'auteur et l'éditeur. Cette page est cruciale pour l'identification du livre et sert de référence pour le classement dans les bibliothèques et librairies.
    - Les Éléments Préliminaires -
    Avant le corps principal, on trouve souvent plusieurs éléments préliminaires, tels que la dédicace, la préface, l'introduction ou le sommaire. Ces sections préparent le lecteur à ce qu'il va découvrir et fournissent un contexte ou des informations supplémentaires sur l'œuvre.
    - Les Appendices et Annexes -
    Après le corps principal, il peut y avoir des appendices ou des annexes, qui fournissent des informations complémentaires, des données de recherche ou des clarifications qui ne trouvaient pas leur place dans le texte principal.
    Les appendices et annexes fournissent des informations supplémentaires, des données ou des documents qui complètent le corps principal du texte.
    - Les Notes de Bas de Page et de Fin de Chapitre -
    Les notes de bas de page et de fin de chapitre sont utilisées pour donner des explications supplémentaires ou pour citer des sources sans interrompre le flux du texte principal.
    - Notes et Références -
    Cette section contient des explications ou des citations qui appuient le texte principal, souvent présentées sous forme de notes de bas de page ou de fin de chapitre.
    - La Bibliographie et l'Index -
    La bibliographie liste les ouvrages et les sources consultés par l'auteur, tandis que l'index permet au lecteur de localiser rapidement des informations spécifiques dans le livre.
    - La Postface -
    La postface, située à la fin du livre, offre une occasion de réflexion ou de commentaire sur l'œuvre après sa lecture.
    La postface, similaire à une conclusion, est souvent utilisée pour discuter de l'impact de l'œuvre, des développements ultérieurs ou des réflexions de l'auteur après la publication du livre.
    - La Conclusion -
    La conclusion résume les points clés ou clôture l'histoire, fournissant une résolution ou une réflexion finale.
    - La Page de Copyright -
    Cette page contient les informations légales, y compris les droits d'auteur, l'année de publication, l'ISBN et les crédits pour la conception de la couverture, les illustrations et autres contributions.
    - L'Index -
    L'index est une liste organisée de termes et sujets traités dans le livre, accompagnée des numéros de pages correspondants, facilitant la recherche d'informations spécifiques.
    noms des parties du livre
    noms des parties du livre : le vocabulaire des bibliophiles ou des relieurs

    Un vocabulaire parfois très 'pointu'.

    Les termes que l'on peut rencontrer dans la description, la présentation d'un livre peuvent parfois s'avérer très complexes, rares, voir pointus et demandent souvent une explication au niveau de l'utilisation de ce vocabulaire bien spécifique.
    Ces termes sont essentiels pour les relieurs, les libraires, les bibliothécaires et les bibliophiles pour décrire avec précision les différentes parties d'un livre relié. Ils sont également utiles pour toute personne s'intéressant à l'art de la reliure et à la conservation des livres.
    Le monde de la reliure de livres est riche en termes techniques qui décrivent chaque partie d'un livre avec précision ...
    * Première de couverture: C'est la face avant du livre, celle que l'on voit en premier. Elle contient généralement le titre, l'auteur et parfois une illustration ou un graphisme.
    * Seconde de couverture: Il s'agit de l'intérieur de la première de couverture. Elle est souvent laissée blanche, mais peut contenir des informations supplémentaires sur le livre ou des publicités.
    * Troisième de couverture: C'est l'intérieur de la quatrième de couverture et, comme la seconde, elle peut être utilisée pour fournir des informations ou rester vierge.
    * Quatrième de couverture: La face arrière du livre, opposée à la première de couverture. Elle offre souvent un résumé du contenu du livre, des critiques, le code-barres et le prix.
    * Plat de devant: C'est la partie rigide de la couverture qui se trouve sous la première de couverture.
    * Plat de derrière: Similaire au plat de devant, mais situé sous la quatrième de couverture.
    * Tête du livre: Le haut du livre, là où se trouve le bord supérieur des pages quand le livre est fermé.
    * Queue du livre: Le bas du livre, opposé à la tête, là où se trouve le bord inférieur des pages.
    * Mors: La partie de la reliure qui joint le plat de devant et le dos du livre, permettant à la couverture de s'ouvrir et de se fermer.
    * Dos du livre: La partie de la couverture qui recouvre la reliure des pages et sur laquelle on trouve souvent le titre et le nom de l'auteur.
    * Tranche de tête: La partie supérieure des pages du livre, parfois dorée ou colorée pour une finition esthétique.
    * Garde colorée: Feuille de papier coloré collée à l'intérieur de la couverture, ajoutant une touche esthétique et renforçant la structure du livre.
    * Garde blanche: Semblable à la garde colorée, mais en papier blanc, souvent utilisée pour écrire des dédicaces ou des notes.
    * Coiffe: C'est l'extrémité du dos d'un livre où le matériau de couverture est replié pour protéger le haut et le bas du livre.
    * Angle de coiffe: Il s'agit de l'angle formé par la coiffe avec le dos du livre.
    * Tranchefile: Une bande décorative ou renforcée placée aux extrémités du dos d'un livre pour le renforcer et le décorer.
    * Chasse: La marge extérieure d'un livre, opposée à la reliure où le livre s'ouvre.
    * Gouttière: L'espace entre les pages d'un livre et la reliure, permettant au livre de s'ouvrir et de se fermer facilement.
    * Coin: Les coins extérieurs du plat d'un livre, souvent renforcés pour éviter l'usure.
    * Pièce de titre: Un morceau de cuir ou d'autre matériau sur le dos d'un livre où le titre est imprimé ou doré.
    * Nerf: Les reliefs visibles sur le dos d'un livre, correspondant souvent aux cordes sur lesquelles les cahiers sont cousus.
    * Entre nerf: L'espace entre les nerfs sur le dos d'un livre.
    * Signet: Un ruban attaché à la reliure d'un livre utilisé pour marquer une page.
    * Tranche du queue: La partie inférieure de la tranche d'un livre, opposée à la tête.
    * Ex-libris: Une étiquette ou un timbre indiquant le propriétaire d'un livre.
    * Plat de devant: La couverture avant d'un livre relié.
    * Caractères: Les lettres utilisées pour imprimer le texte d'un livre.
    * Vignettes: Petites illustrations ou ornements qui accompagnent ou embellissent le texte.
    * Police: Le style et la taille des caractères utilisés pour imprimer un livre.
    * Lettrines: Les grandes lettres initiales qui commencent un chapitre ou un paragraphe, souvent décorées.
    * Planche hors texte: Une illustration placée sur une page séparée du texte principal.
    * Frontispice: Une illustration placée en face de la page de titre d'un livre.
    * Enluminure: Une décoration manuscrite ou peinte, souvent avec de l'or ou de l'argent, utilisée dans les manuscrits médiévaux.
    * La jaquette: Une couverture en papier amovible qui protège la couverture d'un livre.
    * Un bandeau: Une bande de papier placée autour de la jaquette ou de la couverture d'un livre, souvent utilisée pour la promotion.
    structure du livre
    structure du livre : un ordre établi pour mieux comprendre

    Chaque partie d'un livre contribue à son identité et à son intégrité.

    Comprendre la structure d'un livre est crucial pour les éditeurs, les auteurs et les lecteurs, car cela affecte la manière dont le contenu est perçu et apprécié.
    En connaissant les différentes parties d'un livre, on peut mieux apprécier l'art et l'artisanat qui entrent dans la création d'un ouvrage littéraire ...
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  • share read star Les ' Dagues de Vertu ', pourquoi, pour qui ???
    Thursday 29 August 2024 - 15:33
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Dague de Vertu
    Dague de Vertu : un objet plus que insolite !
    Les Dagues de Vertu, malgré leur nom noble, étaient principalement associées aux femmes de la nuit du XIXe siècle en France. Ces dagues étaient souvent utilisées par les prostituées comme moyen de défense contre des clients potentiellement violents ou agressifs. Elles étaient conçues pour être dissimulées facilement sous les vêtements et pour piquer plutôt que pour trancher, ce qui leur a valu le surnom moins élégant de "pique-couilles" .
    C'est une arme qui a traversé les siècles, chargée d'histoire et de symbolisme.

    Mais qu'est-ce exactement qu'une Dague de Vertu ?

    Des armes de femmes pour se défendre.
    Ces armes n'étaient pas seulement des outils de défense; elles étaient également un symbole de résistance et d'autonomie pour ces femmes dans une société qui offrait peu de protection à leur bien-être et à leur sécurité.
    La possession d'une telle dague pouvait servir de dissuasion et offrir un certain pouvoir dans des situations périlleuses...
    En dehors de leur usage par les prostituées, les Dagues de Vertu étaient également collectionnées par des amateurs d'armes blanches et d'histoire militaire.
    Leur design unique et leur histoire fascinante en font des objets de collection prisés et des pièces d'étude pour ceux qui s'intéressent à l'histoire sociale et militaire de la France .
    Aujourd'hui, ces dagues sont des témoins rares et précieux d'une époque révolue, et elles continuent de susciter l'intérêt des collectionneurs et des historiens.
    Elles rappellent une période où l'honneur, la vertu et la survie prenaient une forme tangible dans le quotidien de certaines personnes.
    Les Dagues de Vertu sont donc bien plus que de simples armes; elles sont des emblèmes d'une lutte sociale et personnelle qui résonne encore aujourd'hui.

    Quelle est l'origine du terme " dague de vertu " ?

    L'origine du terme "Dague de Vertu" est aussi fascinante que l'objet lui-même. Ce nom poétique cache en réalité une histoire bien plus pragmatique et sombre...
    Au XIXème siècle, ces dagues étaient souvent utilisées par les prostituées qui les cachaient sous leurs jupons pour se défendre contre des clients agressifs. Elles étaient conçues pour piquer plutôt que pour trancher, d'où l'un de leurs surnoms moins élégants, "pique-couilles" .
    La dague, en tant qu'arme, a toujours été un symbole de protection et de défense personnelle. La "Dague de Vertu" pourrait donc être vue comme un instrument permettant de préserver la vertu de celle qui la porte, dans un sens très littéral.
    Cependant, le terme "vertu" peut aussi être interprété de manière ironique, étant donné le contexte dans lequel ces dagues étaient employées.
    Ces dagues ne sont pas à confondre avec les miséricordes, qui étaient des armes de guerre conçues pour infliger le coup de grâce aux chevaliers blessés.
    Les Dagues de Vertu étaient bien plus petites et spécifiques à leur époque et à leur usage.
    Aujourd'hui, ces dagues sont devenues des objets de collection, témoignant d'une époque révolue et des histoires personnelles souvent tragiques de celles qui les portaient. Elles sont un rappel poignant de la dure réalité des femmes qui luttaient pour leur sécurité et leur autonomie dans un monde dangereux et souvent cruel.

    Qu'appelle-on une Dague de Vertu ?

    La Dague de Vertu, un objet d'art et d'histoire.
    La Dague de Vertu, aussi connue sous le nom moins élégant de "pique-couilles", est un objet qui évoque immédiatement des images de chevaliers et de duels d'honneur.
    pique-couilles
    pique-couilles : une Dague au nom bien explicite !!!
    - D'abord, il faut savoir que la dague, en tant qu'arme, est une arme blanche courte à double tranchant, plus longue qu'un poignard mais plus courte qu'une épée. Elle a été utilisée à travers l'histoire non seulement comme une arme de défense ou d'attaque mais aussi comme un symbole de pouvoir et de statut social.
    - La Dague de Vertu, en particulier, est un type de dague qui a été populaire en France au XIXème siècle. Elle se caractérise par une lame droite en acier avec une gorge médiane et souvent décorée de motifs floraux au talon. Le manche est généralement en corne, incrusté de décors en acier ciselé, et la garde présente deux quillons recourbés avec des motifs feuillagés.
    - Mais au-delà de ses caractéristiques physiques, la Dague de Vertu porte en elle une dimension symbolique. Elle représente aussi la vertu de l'homme qui la porte, une qualité morale qui se manifeste par des traits de caractère stables, bénéfiques à soi-même et à autrui, et donc socialement valorisés. La possession d'une telle dague était donc un moyen pour un homme de montrer son engagement envers des principes moraux élevés.
    - Aujourd'hui, les Dagues de Vertu sont des pièces de collection prisées, témoignant de l'artisanat délicat et de l'histoire riche de l'époque où elles étaient en usage.
    Elles nous rappellent une époque où l'honneur et la vertu étaient des valeurs centrales dans la société, et où une simple arme pouvait symboliser bien plus que sa fonction première.

    Pour ceux qui s'intéressent à l'histoire et à la collection d'armes anciennes, la Dague de Vertu est un objet fascinant. Elle incarne l'élégance, l'histoire et les valeurs morales d'une époque révolue, et continue de captiver l'imagination des passionnés d'histoire et d'antiquités.
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  • share read star Petite projection avec une lanterne magique ancienne ...
    Wednesday 28 August 2024 - 17:35
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    Plaque de projectionPlaque de projection : pour les lanternes magiques anciennes
    Si vous avez encore une âme d'enfant, si vous êtes collectionneur, si vous êtes simplement curieux, venez ici redécouvrir le petit monde des " lanternistes " ...
    Le petit monde des lanternistes évoque une époque où la lanterne magique, ancêtre du projecteur moderne, était un spectacle fascinant et une source de merveilles.
    Ces lanternes, souvent ornées de peintures délicates et de motifs complexes, projetaient des images lumineuses sur les murs des salons européens, émerveillant les spectateurs avec des histoires animées et des scènes exotiques.
    Les lanternistes, maîtres de ces dispositifs, étaient considérés comme des magiciens de la lumière, créant des mondes enchantés et des récits captivants qui transcendaient les frontières de la réalité.
    Aujourd'hui, cette tradition se perpétue dans les festivals de lanternes, où l'art de la lumière continue de briller et d'inspirer, reliant le passé au présent dans une célébration lumineuse de la culture et de l'histoire.

    Qu'est-ce qu'une lanterne de projection ?

    Une lanterne de projection, également connue sous le nom de lanterne magique, est un ancien dispositif optique qui a été l'ancêtre des projecteurs de diapositives et du cinéma.
    Inventée au XVIIe siècle, elle a été décrite pour la première fois par le père jésuite Athanase Kircher.
    La lanterne magique fonctionne sur le principe de la chambre noire et est constituée de trois éléments principaux : une source lumineuse, une plaque de verre peinte et une lentille convergente.
    La source lumineuse, qui pouvait être une bougie, une lampe à huile ou plus tard une ampoule électrique, éclaire la plaque de verre sur laquelle des images sont peintes. La lumière traverse ensuite la lentille convergente qui agrandit et projette l'image renversée sur un mur ou un écran. 
    Ce dispositif a été utilisé non seulement pour divertir, mais aussi à des fins éducatives et de prosélytisme. Avec le temps, des améliorations ont été apportées, telles que l'ajout d'un miroir concave et d'autres lentilles pour condenser la lumière, ainsi que la création de lanternes à double objectif permettant des effets de fondu enchaîné entre deux images.
    Les plaques de verre pouvaient également être équipées de petits mécanismes pour animer partiellement les images, ajoutant ainsi une dimension supplémentaire aux présentations.
    La lanterne magique a joué un rôle crucial dans l'histoire de la projection d'images et a ouvert la voie à l'évolution des technologies de projection que nous connaissons aujourd'hui.

    Les utilisations les plus courantes des lanternes magiques à cette époque.

    Les images projetées par les lanternes magiques étaient d'une grande variété et reflétaient souvent les intérêts culturels, éducatifs et divertissants de l'époque.
    Les premières projections incluaient des scènes religieuses, des représentations de la danse macabre, et des figures mythologiques ou historiques, qui captivaient et éduquaient le public.
    Avec l'évolution de la lanterne magique, les images sont devenues plus diversifiées et complexes, incluant des paysages, des scènes de la vie quotidienne, des caricatures politiques, et même des récits séquentiels qui préfiguraient les bandes dessinées et les films.
    Les spectacles de lanterne magique étaient souvent accompagnés de narrations, de musique et parfois même d'effets sonores pour enrichir l'expérience.
    Les opérateurs de lanternes magiques, connus sous le nom de "lanternistes", étaient des artistes habiles qui savaient manipuler les images et créer des atmosphères captivantes. Les images pouvaient être éducatives, comme des cartes géographiques ou des illustrations scientifiques, ou purement divertissantes, comme des scènes comiques ou des histoires fantastiques.
    Les spectacles de fantasmagorie, qui utilisaient des images effrayantes et des effets de lumière pour créer des illusions fantomatiques, étaient particulièrement populaires à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, jouant sur la fascination et la peur du surnaturel.
    *** La lanterne magique a été un outil polyvalent qui a servi à la fois de divertissement et d'instrument pédagogique, reflétant les croyances, les connaissances et les aspirations de son temps. Elle a ouvert la voie à l'ère du cinéma et a laissé une empreinte indélébile sur l'histoire de la projection visuelle et du récit.

    En avant pour une première projection !

    Nous allons faire fonctionner la nôtre et vous raconter une de ces magnifiques créations pour vous montrer la beauté de ces petites histoires ….
    Asseyez-vous, faites silence, la projection va commencer ...
    *** Mésaventures d'un Chasseur.
    mésaventure d'un chasseur
    mésaventure d'un chasseur : le spectacle du jour
    1 - Un bon bourgeois parisien séduit par les merveilleux récits de chasse de ses amis, voulut goûter aussi aux plaisirs que procurent le sport cynégétique. Ses premiers pas à travers champs ne furent pas très agréables. Chèvres et vaches se livrèrent sur sa personne et sur son chien, à une véritable partie de chasse.
    le bourgeois
    le bourgeois : qui veut aller à la chasse ...
    2 - Un peu plus loin, il eut toutes les peines du monde à empêcher son chien d'étrangler un représentant e la race féline.
    le chien de chasse
    le chien de chasse : qui va subir, lui aussi une rude épreuve !
    3 - Près d'une ferme, un coq belliqueux se précipita sur le dos du malheureux chien et ne lâcha prise que sur les coups redoublés du chasseur.
    le coq
    le coq : quand il décide de faire des siennes, celui-là ...
    4 - Les cris poussés par le volatile amenèrent le chasseur à lui tordre le cou … et le fermier furieux à enlever au chasseur ses dernières illusions sur les charmes de la chasse …
    le fermier en  colère
    le fermier en colère : il va lui faire passer le goût de la chasse !

    Mignonne, courte, mais fort bien réalisée, cette petite séquence en a fait sourire plus d'un avant vous … 
    enjoy :)

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  • share read star Cristal de Vannes : deux petites miniatures
    Tuesday 13 August 2024 - 18:18
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    cristallerie de Vannes-le-Châtel
    cristallerie de Vannes-le-Châtel : l'un des symboles de l'excellence à la française
     Le cristal, avec sa structure atomique ordonnée et sa capacité à interagir avec la lumière, est un matériau fascinant qui a captivé l'humanité depuis des siècles. Sa composition unique, principalement de dioxyde de silicium et d'oxyde de plomb, lui confère une clarté et une brillance exceptionnelles, faisant de lui un symbole de pureté et d'élégance. 
    Utilisé dans la bijouterie, la décoration, et même en optique, le cristal continue d'être un élément incontournable de l'artisanat de luxe et de la création artistique. Sa beauté intemporelle et ses propriétés physiques en font un choix privilégié pour les œuvres d'art et les objets de haute gamme.

    Le Cristal de Vannes.

    Le Cristal de Vannes est un nom qui évoque l'élégance et le raffinement dans l'art verrier français.
    Cette cristallerie, située à Vannes-le-Châtel, est imprégnée d'une histoire riche qui remonte à 1765, lorsque la comtesse de Mazirot de Reims a fondé une verrerie pour valoriser l'exploitation de bois lui appartenant. Au fil des siècles, cette entreprise a traversé diverses transformations, passant de la production de verre ordinaire à celle de cristal de haute qualité entre 1962 et 1964.

    La cristallerie de Vannes-le-Châtel.

    Elle est devenue un symbole de l'excellence française dans le domaine du cristal, intégrant la Compagnie Française du Cristal (C.F.C) et par la suite, la prestigieuse maison Daum.
    Les créations issues de cette cristallerie sont reconnues pour leur clarté, leur brillance et leur précision, reflétant un savoir-faire transmis de génération en génération.

    Vannes et sa cristallerie aujourd'hui.

    Aujourd'hui, Vannes-le-Châtel n'est pas seulement un site de production, mais aussi un lieu touristique et éducatif.
    Le village abrite le Cerfav, le centre européen de recherches et de formation aux arts verriers, où de nouveaux talents sont formés et où les visiteurs peuvent découvrir les techniques de fabrication du verre et du cristal. La galerie et l'atelier, ouverts au public, offrent un parcours permanent historique et technique, ainsi que des expositions temporaires d'art verrier contemporain.
    Les services offerts par la cristallerie incluent également la réparation, la restauration et la création de pièces personnalisées, démontrant ainsi leur engagement envers la préservation de l'art verrier et la satisfaction des clients. Les visiteurs peuvent même s'essayer à l'art du soufflage de verre, guidés par un maître verrier, pour une expérience immersive et éducative.
    * Le Cristal de Vannes représente donc bien plus qu'une simple marque ; c'est le témoignage vivant d'une tradition artisanale française, un lieu de rencontre entre l'histoire, l'art et l'innovation. C'est un patrimoine à découvrir, à apprécier et à préserver pour les générations futures.

    Nos petits objets du jour : Canard et Eléphant.

    * 1 * Un joli petit canard, tout mignon.
    Production de la Verrerie-cristallerie de Vannes-le-Châtel (54112)
    Création par la Compagnie Française du Cristal, de renommée mondiale.
    Modèle : éléphant
    Usage : cendrier, vide-poche, décoration voire même 'porte pipe'
    état : TB++
    " ART VANNES FRANCE ", gravé sous le sujet
    dimensions : 12 x 12 x 7,5 cm
    poids : 600 gr
    date : 1970
    * 2 * Eléphant en Cristal - Collection
    Production de la Verrerie-cristallerie de Vannes-le-Châtel (54112)
    Création par la Compagnie Française du Cristal, de renommée mondiale.
    Modèle : éléphant
    Usage : cendrier, vide-poche, décoration voire même 'porte pipe'
    présence des anciens modèles d'estampilles sur les oreilles
    fort belle pièce !!!
    dimensions : 11 x 9 x 7 cm
    poids : 400 gr
    date : 1970© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Pierre de Lano : Les Bals Travestis
    Wednesday 31 July 2024 - 12:52
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    Les Bals Travestis
    Les Bals Travestis : pour retrouver une ancienne coutume sous le Second Empire
     "Les Bals Travestis et les Tableaux Vivants sous le Second Empire" est un ouvrage fascinant écrit par Pierre de Lano, publié en 1893. Ce livre offre une plongée dans les coutumes sociales de la France du XIXe siècle, illustré par vingt-cinq aquarelles de Léon Lebègue. Il dépeint les mascarades et les spectacles de l'époque, capturant l'esprit et les traditions des bals travestis qui étaient une forme populaire de divertissement et d'expression artistique.

    Pierre de Lano : Les Bals Travestis .

    Pierre de Lano, un auteur du XIXe siècle, a capturé l'essence des bals travestis et des tableaux vivants sous le Second Empire dans son œuvre intitulée "Les bals travestis et les tableaux vivants sous le second Empire".
    Illustré par Léon Lebègue, le livre offre une fenêtre fascinante sur les coutumes sociales et les divertissements de l'époque.
    Les bals travestis étaient des événements où les participants se déguisaient et jouaient des rôles, souvent en inversant les rôles de genre, ce qui leur permettait d'explorer librement l'expression personnelle et la performance artistique dans un cadre festif. Ces événements étaient non seulement des occasions de divertissement, mais aussi des espaces où les normes sociales pouvaient être remises en question et où l'art de la performance pouvait être apprécié sous de multiples formes.
    Cette œuvre de Lano, enrichie des aquarelles de Lebègue, est un témoignage précieux de cette période de l'histoire culturelle française.

    Les autres œuvres de Pierre Lano.

    Pierre de Lano, journaliste et écrivain français du XIXe siècle, a laissé derrière lui une série d'œuvres variées qui explorent les mœurs de la vie parisienne et les récits maritimes.
    Parmi ses publications, on trouve "Les passionnés : Jules Fabien", un roman qui décrit les mœurs du Second Empire, et "Courtisane !", qui plonge dans le monde des courtisanes de l'époque.
    Lano a également édité les mémoires de Cora Pearl, une célèbre courtisane, et préfacé des ouvrages tels que "Les îles enchantées", un recueil de contes de fées.
    Ses écrits, souvent illustrés, reflètent l'esthétique fin de siècle et offrent un aperçu précieux de la culture et de la société de son temps.

    Les tenues typiques des bals travestis sous le Second Empire.

    Ces tenues étaient à la fois extravagantes et inventives, reflétant l'esprit de liberté et de créativité de ces événements.
    Les hommes pouvaient revêtir des robes volumineuses et des corsets, tandis que les femmes s'habillaient en soldats ou en personnages masculins de l'époque.
    Les costumes étaient souvent ornés de galons, rubans, soutaches et dentelles, ajoutant une touche de sophistication et d'élégance. Les tissus variaient grandement, allant des rayures verticales aux carreaux, avec des motifs floraux ou des semis pour les robes du jour. Les couleurs étaient choisies pour leur effet visuel plutôt que pour leur conformité aux normes de l'époque, ce qui donnait lieu à des associations audacieuses et parfois provocantes.
    Ces tenues n'étaient pas seulement des déguisements, elles étaient des expressions de l'identité et de la personnalité, permettant aux participants de s'exprimer librement et de défier les conventions sociales rigides de leur temps.
    Finalement, les bals travestis étaient des occasions de célébrer l'individualité et l'art de la performance, où la mode jouait un rôle central dans l'expérience collective …

    Notre exemplaire des Bals Travestis !

    auteur : DE LANO Pierre.
    titre : LES BALS TRAVESTIS et les tableaux vivants sous le second empire Paris
    éditions : Simonis Empis, 1893
    volume : in 4°, assemblage près à refaire, intérieur à relier avec quelques coins émoussés, bords frottés, intérieur frais par ailleurs,
    couverture conservée et coins frottés, exemplaire manipulé, quelques rousseurs éparses, intérieur frais par ailleurs, c, 99 pp.
    Illustré de 25 aquarelles H.T. de Léon Lebègue sous serpentes pour une majorité.
    dimensions : 20 x 28,5 x 3
    poids : 1000 gr
    … quelques exemples en images …   :)
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  • share read star La belle histoire du stylo BIC
    Friday 19 July 2024 - 17:16
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    icone
    icone : l'idée de génie qui fit démarrer la marque BIC
     Dans le Monde des collectionneurs, les " stylobiliaphiles " connaissent désormais une spécialité, que l'on pourrait peut-être nommer " la Bicophilie " ?
    Ce sont tous des collectionneurs de stylos à bille, mais il existe aussi ceux qui se passionnent pour les stylos à image mobile ( " stylumobilophile " ) ou de stylos et porte-plumes un ( " stylographile " ). Avec l'immense succès de la marque BIC et les nombreux modèles présentés, un nouveau terme de collectionneur spécialiser va devoir se créer ...

    La genèse du stylo à bille ...

    En 1930, un inventeur hongrois nommé László József Biro observa des enfants jouant avec des billes dans une flaque d’eau. Il remarqua que les billes laissaient une traînée d’eau derrière elles et se demanda si une bille métallique pourrait être utilisée pour écrire. Cette observation fut le point de départ de l’invention du stylo à bille.
    László partagea son idée avec son frère György, un chimiste, et ensemble ils entreprirent des recherches pour créer un nouveau type de stylo. Après de nombreuses expériences, ils trouvèrent la combinaison idéale : une encre visqueuse associée à une pointe dotée d’une petite bille tournante, ce qui permettait de contrôler le débit de l’encre et d’empêcher son séchage.
    En 1931, ils présentèrent leur invention à la Foire internationale de Budapest et obtinrent un brevet en 1938. Cependant, la commercialisation ne suivit pas immédiatement. Avec le début de la Seconde Guerre mondiale, les frères émigrèrent en Argentine où ils fondèrent une entreprise dans un garage. Malgré un premier échec dû au coût élevé du produit, ils parvinrent à décrocher un contrat avec l’armée de l’air britannique, ce qui augmenta leur notoriété.
    En 1943, ils vendirent une licence à Eversharp Faber aux États-Unis pour 2 millions de dollars.
    En 1950, Marcel Bich acquit les droits et, sur les conseils d’un expert en publicité, supprima le « h » de son nom de famille pour fonder la société BIC.
    La même année, ils lancèrent le premier BIC Cristal, un design devenu emblématique et dont plus de 20 millions d’exemplaires sont vendus chaque jour dans le monde.
    Depuis 1953, plus de 100 milliards de BIC Cristal ont été écoulés à travers le globe.

    Quand la marque BIC arriva …

    La marque BIC, aujourd'hui mondialement reconnue pour ses stylos à bille, ses briquets et ses rasoirs, a une histoire fascinante qui débute dans l'immédiat après-guerre.
    Fondée en 1945 par Marcel Bich et Édouard Buffard, l'entreprise s'est d'abord spécialisée dans la fabrication de pièces détachées pour stylos plumes et porte-mines avant de révolutionner le marché avec le lancement du stylo à bille BIC Cristal en 1950.
    BIC Cristal
    BIC Cristal : une icône déclinée en quatre couleurs
    Ce stylo, qui a bénéficié des améliorations apportées au brevet original de László Biró, est devenu emblématique pour sa qualité d'écriture et sa production à grande échelle, rendant l'écriture accessible à tous.
    L'expansion rapide de BIC à l'international, avec des implantations en Belgique dès 1951, puis en Italie, aux Pays-Bas, en Autriche, en Suisse, en Espagne, et même en Amérique du Sud, témoigne de l'ambition et de la vision de ses fondateurs. *
    En 1953, la création de la Société BIC a marqué un tournant, avec l'introduction du célèbre logo BIC Boy en 1961, conçu par Raymond Savignac, qui a contribué à l'identité visuelle forte de la marque.
    logo BIC
    logo BIC : BIC BOY
    Au fil des années, BIC a su diversifier ses produits tout en restant fidèle à son engagement de qualité et d'accessibilité, lançant des innovations telles que le stylo rétractable BIC® M10® en 1956, le premier briquet de poche à flamme réglable en 1973, et le rasoir monobloc en 1975.
    L'entrée en bourse de BIC en 1972 a également été un moment clé, consolidant sa position en tant qu'acteur économique majeur. La marque continue d'évoluer, toujours animée par la passion d'apporter simplicité et joie dans la vie quotidienne, en réinventant les essentiels du quotidien pour des millions de personnes à travers le monde.

    Pour savoir sur l'incontournable " BIC Cristal ".

    Le BIC Cristal est un symbole de l'innovation et de la démocratisation de l'écriture dans le monde entier.
    Lancé en décembre 1950 par la Société Bic, ce stylo à bille jetable a révolutionné la façon dont les gens écrivent au quotidien.
    Avec plus de 100 milliards de BIC Cristal vendus depuis son lancement, ce stylo est devenu le plus vendu au monde.
    En France, le BIC Cristal se vend à une cadence impressionnante de plus de trois unités par seconde, témoignant de sa popularité inégalée. Sa conception hexagonale distinctive, son corps transparent permettant de voir le niveau d'encre, et sa bille en carbure de tungstène sertie dans une pointe en laiton sont des caractéristiques qui ont contribué à son succès.
    Le BIC Cristal est même exposé de manière permanente dans des musées de renom comme le Museum of Modern Art de New York et le musée national d'art moderne à Paris, soulignant son statut d'icône du design.
    La durabilité et la fiabilité du BIC Cristal sont également remarquables. Il est conçu pour écrire plus de deux kilomètres, et l'extrémité de son capuchon est percée depuis 1991 pour minimiser les risques d'asphyxie en cas d'ingurgitation, conformément aux normes internationales de sécurité.
    Malgré les tests de résistance qui indiquent que les pigments de l'encre du BIC Cristal ne résistent pas à une exposition prolongée à la lumière, ce qui peut poser problème pour la conservation d'œuvres d'art, le stylo reste un choix privilégié pour l'écriture quotidienne.
    Le prix abordable du BIC Cristal, environ 0,20 euro en 2023, et sa disponibilité dans plus de 160 pays, renforcent son accessibilité et sa présence mondiale. La marque Bic continue de produire le BIC Cristal tout en innovant et en élargissant sa gamme de produits pour répondre aux besoins changeants des consommateurs. Le BIC Cristal n'est pas seulement un outil d'écriture ; il est devenu une partie intégrante de la culture populaire, représentant la simplicité, la fonctionnalité et le design intemporel.

    La seconde icone de la marque : le BIC 4 Couleurs.

    Le stylo BIC à quatre couleurs est une véritable icône de la papeterie, connu pour sa praticité et son design innovant.
    Introduit sur le marché au début des années 1970, ce stylo combine quatre couleurs d'encre différentes ( généralement bleu, noir, vert et rouge ) dans un seul instrument d'écriture.
    La sélection de la couleur se fait mécaniquement, en rétractant ou en faisant ressortir la pointe désirée, ce qui en fait un outil polyvalent pour l'écriture, la prise de notes, ou encore le dessin.
    La fabrication du BIC à quatre couleurs se déroule dans l'usine Bic de Montévrain, en Seine-et-Marne, où l'on produit jusqu'à 200 000 exemplaires par jour.
    BIC 4 Couleurs
    BIC 4 Couleurs : dans toutes les trousses d'écoliers
    Cela témoigne de la popularité et de la demande constante pour ce produit. Le design du stylo n'a pas subi de changements majeurs depuis sa création, à l'exception de la boule supérieure autrefois pleine, qui est maintenant percée. Cette caractéristique, initialement conçue pour actionner les téléphones à cadran, est aujourd'hui un élément de design reconnaissable entre tous.
    Les recharges séparées pour chaque couleur permettent de prolonger la durée de vie du stylo, avec les recharges bleu et noir étant les plus couramment utilisées. Deux versions sont disponibles : une à pointe moyenne (1,0 mm) et une autre à pointe fine (0,8 mm), différenciées par la couleur du bas du stylo bleu pour la pointe moyenne et orange pour la pointe fine.
    collection
    collection : des passions qui se créent
    Pour célébrer le 40e anniversaire du stylo, Bic a lancé une édition limitée appelée "4 couleurs Fun", qui propose des encres de couleurs plus originales comme le bleu cyan, le violet profond, le rose girly et le vert acide. Cette initiative a été suivie par une campagne commerciale virale à l'échelle européenne, ciblant un public jeune avec une mini-série mettant en scène quatre colocataires, chacun représentant une couleur différente.
    La marque Bic continue d'innover avec le BIC à quatre couleurs, en proposant des collections exclusives et des éditions limitées qui reflètent divers thèmes et moments de l'année.
    Les collections vont des célébrations de fêtes comme Noël et la fête des mères, à des hommages à certains métiers, et même à des messages engagés ou humoristiques. Chaque stylo offre une écriture fluide et confortable, avec une pointe moyenne pour une ligne propre et claire, et les quatre couleurs d'encre permettent de changer facilement de ton selon les besoins.
    Bic Jeux Olympiques
    Bic Jeux Olympiques : une édition spéciale
    Le BIC à quatre couleurs n'est pas seulement un outil d'écriture fonctionnel, il est aussi devenu un objet de collection pour beaucoup, avec des fans passionnés qui cherchent à obtenir chaque nouvelle édition.
    Sa présence dans les trousses d'écoliers, les bureaux et les maisons à travers le monde souligne son statut de produit culte, apprécié pour sa fiabilité, sa durabilité et son design intemporel ...

    et comme rien n'est jamais terminé...      :)
    Plastidécor
    Plastidécor : maintenant une gammes de feutres pour les enfants  ...
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  • share read star Un bel ouvrage en Hommage à Louis-Joseph Soulas, peintre et graveur français
    Sunday 07 July 2024 - 18:12
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    SOULAS
    SOULAS : l'artiste dans son atelier de gravure
     Louis-Joseph Soulas était un peintre français du XIXe siècle. Né en 1815 à Paris, il est surtout connu pour ses œuvres romantiques et réalistes. Ses tableaux représentent souvent des scènes de la vie quotidienne, des paysages et des portraits. Soulas a également été professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris.

    Qui était Louis-Joseph Soulas ?

    Louis-Joseph Soulas était un peintre-graveur français renommé, né le 1er septembre 1905 à Orléans et décédé prématurément le 26 mars 1954 à Paris.
    Issu d'une famille d'agriculteurs de la Beauce, il a développé très tôt un intérêt pour l'art, ce qui l'a conduit à suivre les cours de l'école de dessin de la manufacture des Gobelins dès l'âge de douze ans.
    En 1919, il entre à l'école Estienne pour y apprendre la gravure sur bois avec des maîtres tels que Léon Jouenne et Robert Bonfils, et plus tard, il se tourne vers la gravure sur cuivre qu'il travaille au burin.
    Sa carrière débute véritablement avec l'illustration du livre "Le Gardien du feu" d'Anatole Le Braz, en collaboration avec Mathurin Méheut, qui fut également son professeur.
    Fondateur de La Jeune Gravure contemporaine en 1928, Soulas a également été membre de la Société des peintres-graveurs français et a exposé dans de prestigieux salons comme le Salon d'automne et le Salon des indépendants. Ses voyages, financés par une bourse nationale de voyage du Conseil supérieur des beaux-arts pour la gravure en 1932, ont enrichi son art et sa vision du monde.
    Marié à Simone Domergues en mai 1933, il a eu six enfants entre 1934 et 1948, période durant laquelle ses œuvres ont été acquises par de nombreux musées internationaux et ont figuré à la chalcographie du Louvre.
    La Seconde Guerre mondiale a marqué un tournant dans sa vie et son œuvre; mobilisé en 1939, il est fait prisonnier et envoyé en Poméranie. À son retour, il exprime ses souvenirs de captivité à travers ses créations. Nommé directeur de l'École des beaux-arts d'Orléans avant la guerre, il a également été témoin et narrateur des destructions de sa ville natale, Orléans, à travers ses gravures.
    Reconnu internationalement et considéré comme l'un des meilleurs burinistes de sa génération, Louis-Joseph Soulas a laissé une œuvre principalement composée d'illustrations d'ouvrages et de nombreuses planches célébrant sa Beauce natale. Sa mort soudaine sur un quai de la gare d'Austerlitz alors qu'il s'apprêtait à rentrer à Orléans a été un choc pour le monde artistique.
    Il est inhumé à Coinces dans le Loiret.
    Son héritage perdure à travers ses gravures et peintures qui continuent d'inspirer et de captiver.

    Et qui sont " Les Amis de Soulas " ?

    Les "Amis de Soulas" sont un groupe dédié à la préservation et à la promotion de l'héritage de Louis-Joseph Soulas, le peintre-graveur français.
    Ce collectif s'engage à maintenir vivante la mémoire de Soulas à travers diverses initiatives, telles que l'organisation d'expositions, la publication de livres et la mise en place d'ateliers éducatifs pour sensibiliser le public à son œuvre.
    Ils jouent un rôle crucial dans la diffusion de la connaissance de ses techniques de gravure et dans la célébration de sa contribution à l'art français.
    Les activités des "Amis de Soulas" contribuent non seulement à honorer la mémoire de l'artiste, mais aussi à inspirer de nouvelles générations d'artistes et d'amateurs d'art.
    Récemment, l'association Les Amis de Soulas a organisé une exposition remarquable intitulée "Louis-Joseph Soulas : un trait fin et puissant qui imprime le monde", qui s'est tenue à Saint-Jean-de-Braye. Cette exposition, qui a débuté le 3 mai 2023, a mis en lumière la maîtrise exceptionnelle de Soulas en tant que graveur, présentant une vaste collection de ses œuvres qui traversent toute sa carrière artistique.
    Les visiteurs ont pu admirer ses gravures sur bois de jeunesse, ses illustrations de textes littéraires, ainsi que ses gravures sur cuivre au burin, révélant un style unique et reconnaissable.
    Une autre exposition notable organisée par Les Amis de Soulas a été "La Sologne et Raboliot", qui a eu lieu à la Maison du braconnage à Chaon. Cette exposition, qui s'est déroulée jusqu'au 31 mai 2018, a exploré la relation de Soulas avec la Sologne à travers ses gravures au burin et ses petites gravures sur bois en deux tons, représentant la faune et les paysages forestiers de cette région.
    Elle a également mis en avant son travail sur le roman "Raboliot" de Maurice Genevoix, pour lequel Soulas a créé des illustrations en gravure sur bois.
    Ces expositions, ainsi que d'autres initiatives des Amis de Soulas, continuent de célébrer l'héritage de cet artiste talentueux et de maintenir son influence vivante dans le monde de l'art contemporain.
    Elles offrent une fenêtre sur le passé tout en inspirant les générations futures à apprécier et à poursuivre l'art de la gravure.
    Les Amis de Soulas jouent un rôle essentiel dans la préservation de la mémoire de Louis-Joseph Soulas et dans la diffusion de son œuvre à un public plus large.

    Un hommage rendu à L.-J. Soulas, au travers d'un superbe livre.

    références :
    Hommage à L.-J. SOULAS - Les Amis de Soulas -  1959
    Collectif
    Titre : Hommage à L.-J Soulas
    Éditeur : Les Amis De Soulas, Paris
    Date d'édition : 1959
    Reliure : Chemise et étui
    In 4 en feuilles sous chemise et étui.
    107 pages agrémentées de très nombreuses illustrations de L.-J. Soulas.
     Par les " soins des amis de Soulas ", cet ouvrage a été composé à la main en Didot série E corps 12 et tiré sur les presses de Fequet et Baudier. Les gravures originales sur cuivre de L.-J. Soulas ont été imprimées chez Georges Leblanc.
    Achevé à Paris, le 26 Mars 1959
    Tirage limité à 340 ex. ; un des 300 exemplaires sur Vélin du Marais, l'un des 300 contenant une gravure originale.
    *** Belle gravure originale en frontispice et nombreuses gravures de Soulas in et hors-texte en noir. ***
    dimensions : 35,5 x 25,5 x 5 cm
    poids : 1600 grammes
    état : étui avec quelques très rares frottements, intérieur très frais; TB++
    ... pour une découverte guidée, cela se passe ci-dessous ...
    enjoy :)
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  • share read star Un ancien mobile à balancier en fer polychrome
    Monday 01 July 2024 - 12:15
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    un mobile en tôle
    un mobile en tôle : pour découvrir son histoire
     parfois de petites découvertes peuvent nous apprendre des foules de choses totalement inattendues, ici nous en avons un peur exemple ...

    Un objet plus que surprenant et, surtout, qui a une HISTOIRE !!!

    A première vue, rien de particulier, rien d'étrange au sujet de cet objet qui ressemble à de nombreux mobiles, en fer, en fer forgé ou autres ...
    On voit très bien à la manière dont il a été réalisé qu'il s'agit d'un mobile, à balancier, relativement ancien.
    La peinture est craquelée par l'âge, le contre-poids est très lourd, en fonte ou en plomb, et l'ensemble est découpé, de manière artisanale dans une plaque de fer ou d'acier, puis peint par la suite.
    On pourrait donc, sans chercher plus loin, le classer comme " Ancien mobile - Art Populaire - Alsace - Bascule - Contre-poids - Balancelle ou Balançoire ", les deux personnages étant typiquement alsaciens.
    Mais ... NON, ce n'est pas suffisant, il faut fouiner bien plus loin !!!

    La véritable origine de ce mobile : Ancien jouet mobile en fer appelé " scieur " ou " zagemannetje ".

    En lançant une recherche d'images et en fouinant dans les fins fonds d'Internet, un extrait de presse me met de suite la puce à l'oreille:
    " Merci d’avoir rappelé à mon souvenir le " soyeu " qui était posé à proximité du comptoir du café de mes parents.
    Avant 1900, mes arrière-grands-parents tenaient un Estaminet ouvrier dans la rue de BLANCHEMAILLE A ROUBAIX.
    Mes grands-parents vinrent au début du siècle s’installer au café des Beaux-Arts, rue de la gare, face à la place Chevreul (avenue Jean Lebas, place des Martyrs).
    Mes parents prirent la succession au début des années Trente. La salle du café était aussi le lieu de vie de la famille.
    Le «décor » en reste gravé dans ma mémoire : un long Comptoir de bois sur lequel était posé un verrier de deux étages. Deux pompes à bière sur ce comptoir dont il Fallait astiquer presque quotidiennement la barre de cuivre.
    De part et d’autre du comptoir, à hauteur d’homme, un « bec de gaz » terminé par un manchon lui-même protégé par un verre, rappelait que l’éclairage électrique avait eu un prédécesseur.
    A la fin des années quarante, j’ai encore vu, de temps en temps l’éclairage au gaz remplacer l’électricité défaillante.
    Sur les becs de gaz étaient accroches de petits trophées gagnes dans les baraques de tir à la foire.
    ... Et, sur l’un de ces becs, un " soyeu " patientait. En fait il s’agit d’un " Scieur ". ( Un soyeu est le mot en patois; on dit ' un soyeu ',en roubaisien )
    Un soyeu c'est un casse-pieds, une personne pénible surtout par ses bavardages !
    L'objet, c’était un personnage d’une quarantaine de centimètres découpé dans une plaque de métal et représentant un profil . Il portait casquette et vêtements peints, très colorés.
    Sa main tenait une scie, à l’honrizontale. La jambe du Soyeu était prolongée d’une longue tige de métal terminé par un contrepoids cylindrique. Le pied du Soyeu était formé de pointes qui lui permettaient de tenir en équilibre sur une barre du bec de gaz.       
    Chez noius, il n'était pas question de fermer trop tard !!!
    Mes parents accueillaient une clientèle d’habitués, pas question de fermer tard !
    ( D’ailleurs les horaires des débits de boisson étaient Réglementés ). Mais parfois un " trainard " s’éternisait un peu trop au goût de mon papa, qui, avec doigté et discrétion, lançait le soyeu d'une pichenette sur le contrepoids ..
    Et le soyeu était parti pour de longues oscillations.
    Inévitablement il accrochait le regard du retardataire : " Cha va, Désiré, j’ai compris ".
    De même, tout nouvel arrivant traduisait la situation par un : " Ah, l’soyeu y est inroute… ».
    Ainsi, l’heure de fermeture restait donc raisonnable et sans esclande ...     "
    ( Souvenirs du " soyeu ", tiré du journal NORD-ECLAIR du 5/6 /11/2000 )
    ( Musée du terroir Villeneuve d’Ascq / Art action APCR /Jacques Mèssiant / Souvenir de Soyeu / Maes Léon 1898/1956 )

    Une autre version quasi similaire de l'origine de cet objet.

    En Flandres, en région flamande ou en hollande, en général, le nom est celui du ou des personnages représentés et qui souvent font écho à une comptine...
    A Bruxelles, par exemple, celui-ci s'appelle "zagemannetje" ( le petit homme qui scie ) … quand un client de bistrot devenait trop "sciant", le patron mettait le "zagemannetje" sur le bord du comptoir et le faisait se balancer ...

    Dénomination et description exactes de ce mobile en fer peint à la main.

    C'est ce que l'on peut donc réussir à faire bien plus précisément après avoir eu toutes ces précisions ...
    1 - Jouet ancien en tôle de fer polychrome, des années 1900 / 1930, à bascule, constituant un très bel objet de collection et de décoration.
    2 - Une réalisation d'Art Populaire, très probablement alsacienne à la vue des personnages représentés.
    3 - Il s'agit en fait d'un objet ayant eu une réelle "utilité" à son époque; Suivant le musée du terroir de Villeneuve-d'Ascq, c'est, à l'origine, un petit personnage muni d’une scie que la patronne de l’établissement plaçait devant le consommateur " Casse-pieds " qui se balançait alors sous un effet de balancier afin de signifier qu’il était temps de payer son verre et d’aller voir ailleurs …
    4 - Le nom donné à ce genre d'objet, très populaire au début du XXème siècle était " Scieur ", " soyeu " ( en patois du Nord ), " zagemannetje ", principalement à Bruxelles, mais aussi dans toute la région flamande ( " zagemannetje " = scieur en néerlandais  ).
    5 - Et celui que nous vous présentons aujourd'hui:
    mesure 32 x 24 x 14 cm, pour un poids de 1,2 kilos
       enjoy :)
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  • share read star Harry Chase : un détective, hors normes, BD créée par Walter Fahrer et Claude Moliterni.
    Friday 28 June 2024 - 16:37
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Harry Chase
    Harry Chase : un détective hors du commun et une BD à découvrir
     un personnage de Bande Dessinée, à contre courant de tous les critères habituels et qui va faire se retrouve le mythe du héros justicier avec ceux des films et romans de série noire ...

    Qui est le personnage de Harry Chase ?

    Harry Chase est un héros de bande dessinée, française, créé(e) par Walter Fahrer et Claude Moliterni.
    Il met en scène un détective privé qui va, selon la volonté de ses créateurs, bouleverser tous les standards du genre pour rejoindre les penchants des romans noirs, illustrations en plus ...
    " Harry Chase est un détective sans peur, mais pas sans reproches...
    Il balade sa carcasse dans les bas-fonds et coins sordides des grandes villes américaines. Son domicile ?... Los Angeles. Mais il se sent chez lui partout où l'action est reine.
    Il aime les jolies filles, les alcools forts, et bénéficie d'une solide réputation.
    Ce qui ne plaît pas, forcément, à tout le monde.     "
    Une BD, finalement plus pour les adultes, qui sort des sentiers battus du genre ' policier ' gentil héros défenseur de la veuve et de l'orphelin poursuivant sans mesure les méchants bandits qui ne pourront que se rendre devant la Justice personnifiée ... presque l'anti-genre du personnage de Harry Chase !!!

    La Génèse de la série " Harry Chase " : un condensé des films et romans noirs !

    En introduisant le roman noir dans la bande dessinée, les auteurs ont voulu renouveler le thème de la violence. D'abord en abandonnant une des conventions de la bande dessinée d'aventures : le combat à armes égales. La lutte fait place au règlement de comptes au passage à tabac, à l'exécution froide ( ... Piracicaba mon amour ). Le crime lui-même devient mécanique, professionnel.
    Mais l'angoisse tient, plus peut-être qu'à la violence, au déroulement insolite de l'action. Un détective privé ( Harry Chase ) accepte une mission tr_s vague ( une femme a disparu ), arrêter un chantage ( drôle de bobine ), éloigner quelqu'un ( Piracicaba, mon amour ), et aussitôt les cadavres jonchent sa route. On le file, on l'assomme, on l'arrête ( adieu, pigeon ).
    Or, voici qu'on offre dans un album de bandes dessinées une description assez complaisante du milieu criminel, des tueurs attirants, des policiers véreux. Le bien et le mal s'y côtoient souvent au point de se confondre.
    L'héroïne est vicieuse, meurtrière, intoxiquée ou alcoolique ( une femme a disparu ). Le héros se fait mettre à mal, se fait punir dans d'impitoyables règlements de comptes. Le mythe du super-héros et de sa chaste fiancée disparaît. L'action est confuse. Les mobiles sont incertains.
    Rien de comparable au drame classique ou l'histoire de mœurs réaliste : des comparses multiples ont entre eux des rapports troubles ( une femme a disparu ). Le récit prend un caractère de rêve et le lecteur y cherche en vain la bonne vieille logique d'autrefois.
    Enfin, la violence dépasse les bornes. Cette cruauté gratuite, cette surenchère dans le meurtre s'ajoutent encore à l'insolite. La crainte n'est dissipée qu'aux toutes dernières pages.
    Le but des deux auteurs, MOLITERNI et FAHRER : retrouver cette connotation qui était celle du film et du roman noirs, créer un malaise bien spécifique ...

    Les auteurs de cette Bande Dessinée : Walter Fahrer et Claude Moliterni.

    Walter Fahrer est un auteur de bande dessinée.
    Né en Argentine, le 10/12/1939, Walter Fahrer suit les cours des Beaux Arts de Buenos Aires. Il commence par illustrer, en 1957, des couvertures pour différents magazines hebdomadaires puis, en 1958, ses premières histoires en bande dessinée.
    Jusqu'à son départ pour le continent européen, il réalise de nombreux récits de guerres et d'aventures complètes.
    En 1962 à Milan, puis en 1963 à Paris, il fait des illustrations de romans en bande dessinée, en particulier Les Aventures exotiques de Robert Gaillard pour Opera Mundi.
    De retour pour deux ans en Argentine, il dessine quelques séries pour l'éditorial Columba.
    En France de 1966 à 1973, il dessine OSS 117, Mandrin... et rencontre Greg en 69.
    De leur rencontre naît Cobalt publié dans Tintin en 71...
    Après un dernier départ pour l'Argentine, il s'établit en France. Il publie ensuite de nombreux albums aux éditions Dargaud et Glénat.
    Avec Moliterni, il crée Harry Chase en 1977 prépublié dans France Soir, puis dans Télé 7 Jours en 1983 et dans Charlie en 1986, puis finalement édité par Dargaud en 7 volumes.
    En novembre 2000, il réalise une nouvelle série chez Casterman : "Mon nom n'est pas Wilson", sur un scénario de Carlos Trillo
    Claude Moliterni directeur éditorial, écrivain, historien et scénariste de bande dessinée.
    Claude Moliterni est né en 1932 et décédé en janvier 2009.
    L'un des principaux protagonistes de la Bande Dessinée contemporaine.
    Il fonde la Société Française de B.D., anime (avec Couperie, Filipini et François) la revue Phénix, réalise une foule d'expositions prestigieuses et de manifestations telles la Convention de Paris, les festivals d'Angoulême et de Lucca.
    Directeur littéraire chez Dargaud jusqu'en 1989, il réalise par ailleurs un important travail critique (plusieurs monographies, études et histoires de la B.D.) et signe les scénarios de plusieurs séries, comme Scarlett Dream (avec Gigi), Taar le rebelle (avec Brocal-Remohi) ou Harry Chase (avec Walter Fahrer). Responsable éditorial aux éditions Bagheera, il a publié, chez Nathan, un gros ouvrage de référence : L'Aventure de la Bande Dessinée (1989).
    Chez Larousse (en collaboration avec Patrick Gaumer), il publie Le Dictionnaire de la Bande Dessinée (1994). Avec Philippe Mellot, à nouveau, il établit une Chronologie de la bande dessinée (éditions Flammarion, 1996). Enfin, en compagnie de Nathalie Michel, Isabelle Morzadec, Michel Denni, Philippe Mellot et Laurent Turpin, il est l'initiateur d'un des premiers CD-Rom sur le 9e art : les Héros de la bande dessinée internationale et leurs auteurs paru aux éditions Oda en 1998 ...

    Harry Case - La série complète - Dargaud Editeur - 7 albums.

    Sur chaque volume, la maison d'édition DARGAUD a apposé les mentions de Copyright émises depuis la France ainsi que du Canada ( deux de ses sièges ).
    - date d'édition du volume
    - tous droits de traduction, de reproduction et d'adaptation strictement réservés pour tous les pays, à l'exeption du Canada ( = autre copyright )
    - date du dépôt légal et n° ISBN
    - distributeur pour la Belgique : Dargaud BENELUX
    - imprimé en france chez Imprimerie du Marval, Vitry-sur-Seine, pour certains ...
    Collection Harry Chase : les 7 volumes présentés, ici en mages et photos.
    Réalisés par Claude MOLITERNI et Walter FAHRER, publiés par les Editions Dargaud,la collection complète comprend 7 albums avec les titres suivants :
    - Une femme a disparu (1979
    - Drôle de bobine (1980)
    - Piracicaba mon amour (1980)
    - Adieu pigeon (1981)
    - Danger immédiat (1983)
    - Enquête en 7 jours (1984)
    - Chili con carne (album oneshot, 1989).
    Une série à découvrir impérativement pour TOUS les amateurs de BD, une collection complète présentée ici, éditée en deux versions : certains volumes en couverture souple ( 3 ), d'autres en couverture rigide ( 4 ).
    Un héros et des aventures que nous retrouverons très certainement, un jour, en ... version cinématographique ... :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Colombophilie : Constateur pour Pigeons
    Tuesday 18 June 2024 - 17:57
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    constateur
    constateur : un objet technique indispensable pour les concours colombophiles !
     Dans le monde passionnant de la colombophilie, les concours sont des événements très attendus où les pigeons voyageurs sont mis à l'épreuve sur de longues distances. Pour garantir l'équité et la précision des résultats, l'utilisation de constateurs imprimeurs est essentielle. Ces appareils enregistrent l'heure exacte du retour des pigeons à leur pigeonnier, permettant ainsi de déterminer les gagnants du concours. Les modèles agréés par la Fédération Colombophile Française, tels que TOULET imprimeur ou BENZING COMATIC imprimeur, sont dotés de mécanismes sophistiqués qui impriment l'heure d'arrivée sur une bande de papier ou la collectent électroniquement. Ces constateurs sont souvent scellés avec un plomb numéroté pour empêcher toute ouverture non autorisée, assurant ainsi l'intégrité du concours...

    Le monde fascinant de la colombophilie et l'importance du "Constateur à Pigeons"

    La colombophilie, l'art et la science de l'élevage et de la course de pigeons voyageurs, est une passion qui unit des milliers de personnes à travers le monde. Au cœur de cette activité se trouve un dispositif crucial : le constateur à pigeons. Cet appareil, souvent méconnu du grand public, joue un rôle essentiel dans le sport de la course de pigeons.
    Le constateur à pigeons est une horloge enregistreuse automatique qui sert à noter précisément l'heure d'arrivée des pigeons au colombier après une course.
    À l'origine, ces appareils étaient la propriété exclusive des sociétés colombophiles ou des éleveurs les plus fortunés. Cependant, depuis les années 1920, ils se sont démocratisés et sont devenus accessibles à un plus grand nombre d'amateurs de pigeons voyageurs.
    Les modèles modernes de constateurs, comme ceux de la gamme UNIKON, offrent des fonctionnalités avancées et sont conçus avec une grande fiabilité technique. Ils permettent non seulement de suivre le nombre de pigeons rentrés et leur heure d'arrivée, mais aussi de sauvegarder ces données pour les affecter aux concours appropriés.
    La colombophilie est plus qu'un simple hobby ; c'est une discipline qui demande dévouement, patience et une compréhension profonde du comportement des pigeons. Les colombophiles forment une communauté soudée, partageant des connaissances, des expériences et une passion pour ces oiseaux incroyables. Le constateur à pigeons est donc bien plus qu'un simple outil ; il est le lien entre l'effort des pigeons et la reconnaissance de leur performance par leurs éleveurs dévoués.
    Pour ceux qui sont intrigués par ce monde, la colombophilie offre une fenêtre sur la nature, la technologie et l'esprit de compétition. C'est une tradition qui se perpétue grâce à l'innovation et à l'engagement de ses participants.
    Que vous soyez un colombophile chevronné ou un novice curieux, le constateur à pigeons représente la convergence de l'ancien et du nouveau, symbolisant l'évolution continue de cette pratique séculaire.

    Notre Premier Modèle de Constateur colombophile : RAPIDE-SIMON - Système BENZING

     "Constateur chronomètre imprimeur pour colombophile dans sa boite d'origine début 20ème"
    Instrument scientifique pour colombophile : le constateur chronomètre imprimeur de marque "Rapide Simon"
    Cet ancien constateur imprimeur pour pigeons-voyageurs comprend un système d'horloge- chronomètre avec sa clé de remontage, 10 petites boites à messages en laiton à fixer sur un pigeon et un système à imprimer.
    Le coffret est en bois de chêne, l'intérieur essentiellement en bronze et fer
    Mode d'emploi et inscriptions à l'intérieur " Constateur - imprimeur, Rapide Simon,  Fabricant Gaston Simon à Tourcoing ( Nord) "
    Sur le dessus du coffret une plaque en laiton " R. Lançon à Tours " (certainement le nom de son ancien propriétaire)
    Coffret : h : 13 cm prof : 16,4 cm long : 20,3 cm , hauteur avec la clé : 18,5 cm
    Historique :
    Les courses de pigeons voyageurs sont apparues en Belgique au début du 19ème siècle. L'engouement fut tel que cela se répandit dans toute l'Europe puis le monde entier. L'industrie horlogère prit part au développement de la colombophilie sportive en proposant des mécanismes d'enregistrement de l'heure de rentrée des pigeons. Le terme constateur était utilisé pour une personne physique qui constatait visuellement à l'aide d'une montre l'heure de rentrée des pigeons. Cette constatation était ensuite enregistrée par écrit.
    Le développement de ces appareils commence réellement dans les années 1890.
    De nombreux constateurs apparaissent de marques différentes et cet instrument devient indispensable à la pratique du sport colombophile.
    L'engouement pour ce sport devient tel que les inventeurs et industriels d'Europe contribueront au développement du constateur pendant plus d'un siècle.
    ( Le constateur imprimeur est un modèle déposé en 1903 pour 10 pigeons d'après celui de Monsieur Friedrich Ernst Benzing, en Allemagne. ). Le notre constitue le 'haut de gamme' puisque prévu pour 15 pigeons !!!
    L'heure de rentrée est imprimée sur une bande de papier par le biais d'une toile encrée.
    Un modèle identique de cet instrument se trouve actuellement au musée de Lewarde, centre historique minier, département du Nord  (n° inventaire 2016.8.1).
    Artiste: Gaston Simon
    Époque: 20ème siècle
    Style: Autre style
    État: Très bon état
    dimensions : 29 x 17 x 12,5 cm
    poids : 4300 grammes
    ** objet technique
    Détails colombophiles et techniques.
    - sur le couvercle, une plaque de cuivre gravée : CONSTATATEUR - IMPRIMEUR - RAPIDE-SIMON - Système BENZING
    Breveté S.G.D.G. N° 61988
    Fabricant : Gaston Simon, Tourcoing, Nord
    - sur le côté, protection de l'horloge notée n° 058942
    - sur le haut/gauche de l'horloge, gravure dans la masse du laiton : " Benzing Original Breveté "
    - sur la face avant, protection de vue notée n° 056490
    fermeture par levier/clapet placé juste au dessus de la fenêtre de vue
    - autocollant personnalisé (dymo) n°7111, ainsi que sur la roue intérieure contenant les boites à messages
    - cartouche en laiton, fer ('IMPORTE DE BELGIQUE') ou (Le Continental).
    *** GRAND MODELE pour 15 pigeons ( Le constateur imprimeur est un modèle déposé en 1903 pour 15 pigeons d'après celui de Monsieur Friedrich Ernst Benzing, en Allemagne )
    accessoires fournis :
    - clé
    - œuf factice
    - réceptacles de bagues

    Notre second modèle de constateur : ancien modèle TOULET EXCELSIOR

    Les établissements 'toulet' ( Toulet-Rousset ) se trouvant à cette époque à BINCHE, 27 rue de Merbes ( Binche est une ville francophone de Belgique située en Région wallonne dans la province de Hainaut. ), ils ont pris la succession des ets. H. Martens de Bruxelles.
    La marque « Toulet » de cet appareil est apparue dans les années 1890.
    Sur notre modèle, en plus des habituels détails de tous ces modèles, nous avons quelques renseignements spéciaux :
    - une plaque émaillée portant l'inscription " DAWAILLY Henri à DIVION ( P. de C. ) " ( ancien propriétaire ? )
    - une petite plaque de cuivre portant le numéro " 28 ".
    - sur le clapet d'insertion, l'inscription " Toulet Excelsior ".
    - d'autres numéros de références figurant aussi à l'intérieur.
    - réceptacles de bagues
    - disques de constatation ( rouge et vert )
    Le numéro de série est sur le côté, le grand chronomètre ancien peut être retiré du bel écrin muni d'une poignée en cuir.
    Il s'agit d'un modèle identique à celui présenté ( entre autres ) au musée de la vie rurale a Steenwerck.
    dimensions : 18 x 18 x 12 cm
    poids : 3000 grammes
    ** objet technique

    vous pouvez admirer ces deux baux objets via les photos ci-dessous :)
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  • share read star Découvrir Paul Verlaine à travers son œuvre littéraire.
    Monday 17 June 2024 - 10:37
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    poèmes tendres
    poèmes tendres : une compilation poétique en édition bibliophile
     Paul Verlaine, un poète français emblématique du mouvement symboliste, a laissé une empreinte indélébile sur la littérature avec ses œuvres. Ses recueils de poèmes, tels que "Poèmes saturniens", "Fêtes galantes" et "Romances sans paroles", illustrent une quête de beauté et d'expression émotionnelle à travers le langage. Verlaine a exploré les profondeurs de l'âme humaine, jouant avec les rythmes et les sonorités pour capturer les nuances de la mélancolie et de la joie ...

    Qui était Paul Verlaine ?

    Paul Verlaine, né le 30 mars 1844 à Metz et décédé le 8 janvier 1896 à Paris, était un poète français emblématique du mouvement symboliste.
    Sa vie fut marquée par une sensibilité poétique profonde, une quête incessante de beauté dans l'expression, et une existence personnelle tumultueuse. Verlaine a publié son premier recueil, "Poèmes saturniens", à l'âge de 22 ans, inaugurant une carrière littéraire qui influencerait profondément la poésie française.
    Sa relation complexe et passionnée avec Arthur Rimbaud est l'une des plus célèbres de l'histoire littéraire, culminant dans un acte de violence qui a conduit Verlaine en prison. Après sa libération, il a continué à écrire, produisant des œuvres telles que "Sagesse" et "Romances sans paroles".
    Malgré une vie personnelle chaotique, exacerbée par l'alcoolisme et la maladie, Verlaine a laissé un héritage littéraire durable, caractérisé par une musicalité et une expressivité qui continuent de résonner aujourd'hui.

    Les principales œuvres de Verlaine.

    Paul Verlaine , un pilier de la poésie française, a laissé derrière lui un héritage littéraire riche et varié. Ses recueils poétiques majeurs incluent "Poèmes saturniens" (1866), qui marque le début de sa carrière littéraire avec des vers empreints de mélancolie et de musicalité. "Fêtes galantes" (1869) continue sur cette lancée avec des poèmes inspirés de la peinture rococo et de l'ambiance des fêtes du XVIIIe siècle.
    * Romances sans paroles (1874) est souvent considéré comme son œuvre la plus aboutie, offrant une poésie épurée et évocatrice.
    * Sagesse (1880), écrit après sa conversion au catholicisme durant son incarcération, reflète une quête de rédemption et de paix intérieure.
    * Jadis et Naguère (1884) présente une collection de poèmes variés, oscillant entre le pessimisme et l'humour.
    Ces œuvres, parmi d'autres, témoignent de la capacité de Verlaine à capturer l'essence de l'expérience humaine avec sensibilité et finesse.

    Les poèmes écrits par Paul Verlaine.

    Paul Verlaine a écrit une multitude de poèmes qui ont capturé l'essence de ses expériences et émotions.
    Parmi ses poèmes les plus célèbres, on trouve "Chanson d'automne", connu pour ses vers mélancoliques et son rythme apaisant.
    "Mon rêve familier" est un autre poème emblématique qui explore le thème de l'étrange familiarité dans les rêves.
    "Il pleure dans mon cœur", issu du recueil "Romances sans paroles", est une expression poignante de la tristesse sans cause apparente.
    Verlaine a également écrit "Art poétique", qui donne un aperçu de sa vision de la poésie comme musique avant tout …

    Une édition de l'Imprimerie Nationale ( 1957 ) reprend une superbe série de " Poèmes Tendres ", de Verlaine.

    Paul Verlaine - Poèmes Tendres - 1957
    comprenant 15 gravures hors-texte de Albert Decaris de l'Institut.
    Imprimerie Nationale, L'Art Français du Livre, Paris, 1957
    Edition Numérotée 316/475, édité(e) à Paris par les Editions L'Art Français du Livre en 1957, imprimé(e) en Français.
    En 1 Vol. au format In-quarto (26/30 cm) de (Sans Pagination).
    En Feuilles non coupées, Couverture Rempliée Titrée.
    Sous Etui. Sous Emboitage Editeur. Dos Lisse Titré
    Tirage sur papier Vélin Blanc Pur Chiffon de Rives à la Forme.
    Nombreuses Gravures en hors Texte Noir et Blanc sous Serpente.
    >>> Des gravures comme je n'en n'ai que très rarement trouvées dans des ouvrages littéraires, avec une finesse et surtout un relief incroyable ! Le simple fait de passer son doigt sur l'une d'entre elles et l'on sent le relief créé par le graveur.
    Des gravures qui ont été tirées sur les " presses à bois " de J. Rigal à Fontenay-aux-Boses.
    papiers cristal de protection des gravures toujours présents
    dimensions : 29,5 x 24 x 6,5 cm
    poids : 1900 grammes
    voyez donc plus de détails ci-dessous …  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Tintin : On a marché sur La Lune - Les figurines
    Saturday 15 June 2024 - 18:32
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    On a Marché sur La Lune
    On a Marché sur La Lune : un album et des FIGURINES  !
     L'album "On a marché sur la Lune" est le dix-septième tome des aventures de Tintin, le célèbre reporter créé par l'artiste belge Hergé. Publié pour la première fois en 1954, cet album est la suite directe de "Objectif Lune" et transporte Tintin et ses amis dans une aventure lunaire captivante. Avec un mélange de suspense et d'humour, Hergé a réussi à capturer l'imagination de ses lecteurs, bien avant que l'homme ne pose réellement le pied sur la Lune. Cet album reste un classique indémodable de la bande dessinée franco-belge.

    L'album ' On a marché sur La Lune '.

    L'album "On a marché sur la Lune" est une véritable prouesse dans l'histoire de la bande dessinée. Publié en 1954, cet ouvrage d'Hergé continue de captiver les lecteurs par son mélange d'aventure, de science-fiction et de précision scientifique.
    C'est le dix-septième tome des aventures de Tintin, qui emmène nos héros bien-aimés, Tintin et son fidèle Milou, ainsi que le Capitaine Haddock, le Professeur Tournesol, et les inévitables Dupond et Dupont, dans une expédition lunaire des plus palpitantes.
    Ce qui rend "On a marché sur la Lune" si spécial, c'est la manière dont Hergé a su anticiper les avancées technologiques et scientifiques. À une époque où la conquête spatiale n'en était qu'à ses balbutiements, Hergé a imaginé un voyage sur la Lune qui ne deviendrait réalité que quinze ans plus tard, avec l'alunissage d'Apollo 11 en 1969. L'attention aux détails, de la conception de la fusée aux combinaisons spatiales, témoigne de la recherche approfondie effectuée par Hergé et son équipe pour rendre l'histoire crédible et captivante.

    Que raconte l'histoire écrite par Hergé ?

    L'intrigue de l'album est riche en rebondissements, avec des moments de tension comme l'escapade imprévue du Capitaine Haddock en dehors de la fusée, et des éléments de thriller, notamment avec la révélation de la trahison de Frank Wolff et les manigances du colonel Jorgen. Ces éléments narratifs contribuent à créer une histoire qui est à la fois éducative et divertissante.
    "On a marché sur la Lune" est aussi un témoignage de l'époque, reflétant les rêves et les aspirations de la société des années 50 vis-à-vis de l'espace, ce nouveau territoire inexploré. Hergé a non seulement réussi à capturer l'imagination collective de son temps, mais il a également posé les bases d'un genre qui allait devenir extrêmement populaire : la science-fiction dans la bande dessinée.
    Quelques figurines de collection sur la thématique de " on a marché sur la Lune ".
    … à découvrir ici … :)

    TINTIN - ON A MARCHE SUR LA LUNE - Thématique - Moulinsart - Figurine - Bonus - Collection

    LOT comprenant 7 FIGURINES : TINTIN ( 3 versions ), DUPOND & DUPONT, MILOU en scaphandre et une FUSEE, en plastique polychrome, hauteur : environ 7/8 cm sauf 2,5 cm pour Milou.
    En Bonus : L'ETOILE MYSTERIEUSE - CHAMPIGNON, en plastique : hauteur : 4,5 cm.
    L'un des tintins, en scaphandre, avec son antenne, a conservé son étiquette d'origine, notée ' www.tintin.com ' " FIG. TINTIN LUNE .
    Un beau petit ensemble thématique complet pour les fans de Tintin.
    poids : 180 grammes
    regardez de plus près les photos en cliquant sur les vignettes ci-dessous …
    @pluche  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Sculpture sur Bois : Quasimodo - Le Bossu de Notre-Dame de Paris
    Wednesday 12 June 2024 - 15:45
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Quasimodo
    Quasimodo : Notre-Dame de Paris ( Victor Hugo )
     Quasimodo personnage complexe, à la fois tragique et attachant, dont l’histoire se déroule dans le cadre majestueux de la cathédrale Notre-Dame de Paris, se retrouve ici sous la forme d'un fort belle sculpture en bois ...

    Qui était Quasimodo ?

    Quasimodo est un personnage emblématique de la littérature française, connu pour être le protagoniste du roman "Notre-Dame de Paris", écrit par Victor Hugo en 1831. Il est décrit comme le sonneur de cloches de la cathédrale Notre-Dame, une figure tragique marquée par une difformité physique et une grande sensibilité. Quasimodo est un être rejeté par la société en raison de son apparence, mais il possède une âme pure et est capable d'actes de grande bonté, notamment envers Esmeralda, la gitane dont il tombe éperdument amoureux. Le personnage a été interprété de nombreuses fois au cinéma et dans des adaptations théâtrales, devenant ainsi une figure intemporelle de la culture populaire. Sa représentation varie, allant du monstre difforme au héros romantique, mais il reste avant tout un symbole de l'humanité dans toute sa complexité.

    Que représente in fine Quasimodo, le fameux bossu de Notre-Dame ?

    Quasimodo, le personnage central du roman "Notre-Dame de Paris" de Victor Hugo, est souvent perçu comme le symbole de l'outsider ultime. Sa difformité physique le rend immédiatement reconnaissable et le distingue des autres personnages, mais c'est sa bonté intérieure, son innocence et sa capacité à aimer qui touchent profondément les lecteurs. Quasimodo représente la lutte entre l'apparence extérieure et la beauté intérieure, ainsi que les thèmes de l'isolement et du désir d'être aimé. Malgré sa position marginale dans la société, il incarne une humanité profonde, souvent en contraste avec les personnages plus conventionnellement attrayants qui ne possèdent pas ses qualités morales. Ainsi, Quasimodo est devenu un personnage emblématique, non seulement dans la littérature française mais aussi dans la culture populaire, représentant l'idée que la vraie noblesse réside dans l'esprit et le cœur, et non dans l'apparence.

    Sculpture sur Bois - Quasimodo - Sellette - Décoration - RARE - Vintage

    Une bien belle réalisation que cette sellette en beau bois massif, dur et au joli grain, à l'effigie d'un quasimodo semblant supporter les pierres de Notre dame de Paris.
    Un faciès expressif, avec une chevelure sauvage et abondante, une canine sortant d'entre les lèvres, un œil fermé et l'autre ouvert, le reste de la sculpture est dans la même veine, reprenant le style de vêtements d'époque ainsi que la position et l'apparence des muscles tout en force.
    Un ensemble réalisé en deux parties:
    - le dessus comportant 2 fixations murales
    - la sculpture proprement dite y étant ensuite fixée
    Le personnage semble être placé dans une ' niche ' pour supporter le poids de ce qui viendra se poser sur la partie supérieure.
    Une stèle, certes d'apparence païenne, qui constitue un élément de décoration véritablement peu courant !!!
    **  POUR UNE DÉCORATION UNIQUE **
    dimensions : 28 x 20,5 x 16 cm
    poids : 2000 grammes
    nota : une œuvre qui semble assez récente ( deuxième partie du XXème siècle fort probablement ), mais qui surtout apparait comme UNIQUE, puisque rien de semblable ne semble pouvoir être trouvé….  
       enjoy   :)
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  • share read star Soirée de Théâtre : Jean Cocteau et La Machine Infernale
    Monday 10 June 2024 - 11:22
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Soirée de Théâtre
    Soirée de Théâtre : une représentation à Maisons-Lafitte de La Machine Infernale
     Maisons-Laffitte, une ville d'élégance et d'histoire, est intimement liée à Jean Cocteau, l'un des artistes les plus polyvalents du XXe siècle. Né dans cette ville pittoresque, Cocteau a toujours gardé un lien affectif avec Maisons-Laffitte, comme en témoignent ses écrits où il exprime son amour pour les repères de son enfance. Le Collège Jean Cocteau, portant son nom, continue de perpétuer son héritage en offrant une éducation de qualité, inspirée par l'esprit créatif de Cocteau. La maison natale de Cocteau, où il a vu le jour en 1889, reste un symbole de son héritage et de la richesse culturelle de la ville ...

    Brève Présentation d'un artiste intemporel : Jean Cocteau.

    Jean Cocteau, né le 5 juillet 1889 et décédé le 11 octobre 1963, était un artiste français aux multiples talents. Poète avant tout, il a également marqué le XXe siècle en tant que dramaturge, romancier, cinéaste, et même peintre. Issu d'une famille de la grande bourgeoisie, Cocteau a été plongé dans le monde de l'art dès son plus jeune âge. Son œuvre est diverse, allant de la poésie au théâtre, en passant par le cinéma et les arts graphiques. Il a côtoyé les plus grands artistes de son temps, comme Picasso, et a été élu à l'Académie française en 1955. Cocteau était un créateur avant-gardiste, connu pour son esprit de dandy et son style unique qui a traversé les époques.

    Les principales œuvres de Jean Cocteau, un ' Touche à Tout '.

    Jean Cocteau, un artiste aux talents diversifiés, a laissé derrière lui un héritage culturel riche et varié. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve le roman "Les Enfants Terribles" (1929), une exploration audacieuse des liens fraternels et des dynamiques familiales complexes. Au cinéma, il a réalisé "Le Sang d'un poète" (1930), une œuvre avant-gardiste qui mêle poésie et cinématographie, ainsi que "La Belle et la Bête" (1946), un film qui reste un classique intemporel pour son esthétique onirique et sa narration captivante. Son film "Orphée" (1949) est également acclamé pour son interprétation moderne du mythe grec. En théâtre, "La Machine infernale" (1934) est une de ses pièces les plus notables, réinventant le mythe d'Œdipe avec une touche de modernité et d'originalité. Ces œuvres témoignent de la capacité de Cocteau à transcender les genres et les médiums, affirmant son statut d'icône culturelle du XXe siècle.

    Une de ses œuvres théâtrales premières : La Machine Infernale.

    "La Machine Infernale" est une pièce de théâtre en quatre actes écrite par Jean Cocteau, qui s'inspire librement du mythe d'Œdipe. Rédigée en 1932 et présentée pour la première fois en 1934 à la Comédie des Champs-Élysées à Paris, cette œuvre est une réinterprétation moderne de la tragédie antique. Cocteau y explore les thèmes du destin et de la fatalité à travers le prisme de son écriture poétique et symboliste. La pièce débute avec le fantôme du roi Laïus, se poursuit avec la rencontre d'Œdipe et du Sphinx, la nuit de noces d'Œdipe et Jocaste, et se termine par le règne d'Œdipe. Elle est considérée comme une des pièces majeures de Cocteau, témoignant de son talent pour revisiter les mythes classiques et les doter d'une nouvelle profondeur.

    Un carton d'invitation pour l'une des représentations, à Maisons-Lafitte, ville qui a vu naître Cocteau.

    Un exemplaire original d'une " Soirée de Théâtre donnée à Château de Maisons-Lafitte, le 5 juillet 1989 " présentant " La Machine Infernale " de Jean Cocteau.
    Manifestation réalisée à l'occasion de 'centenaire' de Jean Cocteau (1889 - 1989 )
    in-4, agrafé, couv. ill. en couleurs, (40) pp.
    Programme et pièce réalisés pour le centième anniversaire de la naissance de Jean Cocteau, le 5 juillet 1889, au château de Maisons-Laffitte.
    Mise en scène de Jean Marais et Nicolas Briançon, décors et costumes de André Beaurepaire, avec Françoise Fabian, O. Brunhes, C. Sihol, F. Lemaire, N. Briançon, etc. 
    Textes de Cocteau et de Jean Marais illustrés de repoductions de photos anciennes et d'illustrations en couleurs de Cocteau.
    À signaler un texte de huit pages du peintre Georges Mathieu, En hommage à Jean Cocteau... Vingt-six ans déjà, illustré de fac-similés de lettres de Cocteau au peintre.
    Très élégant programme imprimé sur papiers d'Arjomari gris (couv.) et ivoire (texte). Conception et mise en page : Jean-Marie Cusinberche qui a signalé que la photo montrant Cocteau et G. Mathieu lors d'un vernissage en octobre 1961 est la seule qui existe montrant les deux artistes ensemble. ‎
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  • share read star L'écrin secret du bibliophile - Au Cercle du Livre Précieux - la collection complète
    Saturday 08 June 2024 - 16:57
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    L'écrin secret du Bibliophile
    L'écrin secret du Bibliophile : une collection complète au Cercle du Livre Précieux.
     Une édition assez connue qui compile près de 26 œuvres érotiques parmi les plus connues, mais qu'il est assez difficile de reconstituer dans sa totalité.
    De nombreux volumes ont été émis, achetés, vendus et revendus, séparés les uns des autres, et il n'existe quasiment aucune liste, même chez l'éditeur, reprenant l'ensemble des titres.
    On y trouve des titres connus, on y trouve des auteurs connus également.
    Voilà donc qui est chose faite et va pouvoir permettre aux collectionneurs de vérifier s'ils sont bien en possession de la collection complète ...

    L'écrin secret du bibliophile - Collectif - Livre précieux - 1958 / 62.

    Caractéristiques générales de la collection :
    *** 6 coffrets / de 5, 5, 3, 5, 5 et 5 volumes / 28 volumes au total / numéroté de 1 à 26 / ***
    * tous les livres présentés ici présentent le justificatif de tirage en début de volume.
    * tous les boitages éditeurs sont en  cartonnage couvert de pleine soie, seule la couleur peut varier.
    * tous les boitages éditeurs ont sensiblement les mêmes dimensions ( à savoir : 23,5 x 14 x 7 cm  ), seuls les poids varient un peu plus
    * pour l'état général : les emboitages ont légèrement souffert de leur stockage depuis l'achat et sont légèrement insolés ou tracés, les intérieurs, eux, sont " comme neufs " et sans aucune pliure, déchirure ou manque.
    * éditeur : Au Cercle du Livre Précieux, Paris
    * les tirages de ces éditions ont été publiés sous la référence de la Collection " L'Ecrin Secret du Bibliophile ", sous la direction de Jacques Daumont. Ils ont été composés en Garamond Romain pour la plupart, pour un tirage global courant de 1500 exemplaires sur Vélin Pur Chiffon des Papeteries JOHANNOT par l'Imprimerie L. Pélamourgue, à Paris.
    * achevés d'imprimer entre 1958 et 1962.
    Pour la sélection présentée, l'une des rares collection reconstituée dans sa totalité, au niveau de l'état des différents volumes, stockés depuis leur achat dans une seule et même bibliothèque, on peut dire que :
    ** Emboitages et chemises insolés avec quelques salissures et usures d'usage, selon les coffrets - les ouvrages, eux, sont en bon voire plutôt " très bon "état général.

    Liste complète de tous les volumes de la collection " Ecrin secret du Bibliophile ".

    - Coffret n°1 - couleur : beige - 5 volumes ( vol. 1, 2, 3, 4 et 5 ) - 1958
    numéroté 203 / 1500
    - Charles Bordes - Parapilla
    - Petits contes phalliques
    - Sonnets luxurieux d'Arétin
    - Le Canapé couleur de Feu
    - Ronsard - Folastries
    5 volumes en feuilles in-12 avec couvertures rempliées sous  emboîtage pleine soie beige clair;
    exemplaires sur vélin pur chiffon Johannot, numérotés 1137/1500.
    Les petits contes phalliques sont illustrés par Gabriel FOURNIER
    - Coffret n°2 - couleur : rouge - 5 volumes ( 6, 7, 8, 9 et 10 ) - 1959
    numérotés 926 /1500
    - La putain errante ou dialogue de Magdeleine et de Julie, attribué a l'Arétin
    - Lettres érotiques de Stendhal et de Prosper Mérimée
    - Badinages priapiques de quelques poètes anciens
    - L'enfer de Joseph Prudhomme par Henry Monnier
    - Attitudes et postures de l'amour
    - Coffret n°3 - couleur : violet/noir - 3 volumes ( 11 + ) - 1959
    numérotés 203 /1500
    - Manuel d'érotologie classique par F. K. Forberg (de figuris Veneris) - Traduction du latin par Alcide Bonneau, 1959
    3 tomes. in-12 étroit, en feuilles, sous couverture rempliée illustrée, XXX + 96, 87 et 12 pp. Edition ornementée de nombreux bandeaux et culs-de-lampe tirés en rouge. Tirage limité sur vélin blanc. Avec la suite des planches annoncées qui forment le tome III
    volumes In-8° en feuilles non coupées sous couvertures roses rempliées illustrées aux 1ers plats, chemise de moire violette titrée or au dos et emboîtage à l'identique
    - Coffret n°4 - couleur : orange - 5 volumes ( 12, 13, 14, 15 et 16 ) - 1960
    - Le Livre de Volupté, traduit du Turc par Abdul Haqq Effendi
    - Les Confessions d'un Perverti par Jean-Jacques Bouchard
    - Les Doléances du Portier des Chartreux ou les conseils de Dom Bougre, anonyme
    - Douze Aventures Erotiques du Bossu Mayeux écrites par lui même
    - A La Feuille de Rose, Maison Turque, comédie de Guy de Maupassant.
    numérotés 203 / 1500
    - Coffret n°5 - couleur : bleu - 5 volumes ( 17, 18, 19, 20 et 21 ) - 1961
    Tome 1 : 70 pp.; Tome 2 : 36 pp.; Tome 3 : 33 pp.; Tome 4 : 36 pp. envi.
    Réalisés d'après les maquettes de Jacques Haumont.
    numérotés 631 /1500
    cinquième série 1961, comprenant 4 nouvelles sous couverture rempliée en feuilles, in-8 format portrait,
    - Mylord Arsouille ou les Bamboches d'un Gentleman, 17ème livre de la collection, n°1048/1500,
    - Les Chansons secrètes de Bilitis, 18ème livre de la collection, n°1048/1500, in-8 format portrait.
    - Les Préservatifs des dangers de l'Amour à travers les âges par le Docteur L. Le Pileur, 19ème livre de la collection
    - L'Origine des Cons sauvages, 20ème livre de la collection
    - Coffret n°6 - couleur : rose - 5 volumes ( 22, 23, 24, 25 et 26 ) - 1962
    4 volumes In-8 en feuillets, couverture à rabats, l'ensemble sous  emboitage de tissu moiré rose.
    - Le cortège priapique
    - Julie, ou la rose.
    - La porte de l'âne.
    - La fée paillardine ou la princesse ratée.
    - La semaine secrète de Vénus.
    numérotés 263 / 1500

    voilà, voilou … :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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