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  • share read star Peintre et Dessinateur : l'humour de Roger Testu
    Wednesday 24 April 2024 - 18:25
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Roger Testu
    Roger Testu : un humour très polyvalent
     Roger Testu était un artiste polyvalent français, reconnu pour son talent en tant que peintre et dessinateur humoristique. Il a développé un style distinctif à travers ses œuvres qui mêlent habilement humour et art visuel. Sa palette artistique était aussi variée que ses sujets, allant des scènes de la vie quotidienne aux caricatures satiriques de la société. Testu a su capturer l'essence de son époque à travers ses créations, utilisant souvent l'ironie et le sarcasme pour commenter les absurdités de la vie moderne ...

    Présentation du dessinateur Roger Testu, sa vie, son œuvre, sa bibliographie et plus ...

    Roger Testu, connu sous le pseudonyme de Tetsu, est un nom qui résonne avec une certaine nostalgie et un sourire pour ceux qui connaissent son œuvre. Tetsu a commencé sa carrière en tant que peintre avant de se tourner vers le dessin humoristique dans les années 1950. Son premier dessin publié a vu le jour dans le magazine "Noir et Blanc" en 1951, marquant le début d'une illustre carrière qui l'a vu collaborer avec plusieurs des principaux magazines français de l'époque, tels que "France Dimanche", "Ici Paris", "Jours de France", "Le Figaro Magazine", "Lui" ou "VSD".
    Son trait distinctif et son ironie grinçante ont capturé l'essence de l'existence humaine avec une précision cruelle mais souvent teintée d'humour. Tetsu a été un observateur aiguisé de la société, utilisant son art pour commenter et parfois critiquer les travers de son temps. Parmi ses recueils de dessins, on trouve des titres évocateurs tels que "Les belles manières", "La vie est belle", "Drôle de vie", "C'est pas rose", "Toutes les mêmes", "Mauvais desseins", "La vie à deux" et "Toute une vie à deux", qui reflètent bien la diversité et la richesse de son travail.
    Sa bibliographie critique comprend également des ouvrages qui analysent et célèbrent son art, comme "Testu. In La Passion du dessin d'humour" par Martine Gossieaux, qui offre un aperçu approfondi de son talent et de son impact sur le monde du dessin d'humour.

    Roger Testu : biographie.

    Né le 12 juillet 1913 à Bourges, Roger Testu nous a quittés le 2 février 2008 à Créteil, mais son héritage perdure. Ses dessins continuent d'être exposés et de susciter l'admiration, témoignant de la pérennité de son œuvre. Pour ceux qui souhaitent découvrir ou redécouvrir cet artiste unique, une visite des archives et des collections qui conservent ses travaux est un voyage dans le temps et dans l'histoire du dessin humoristique français.
    Tetsu n'était pas seulement un dessinateur ; il était un artiste qui a su capturer avec son crayon les nuances de la vie, la rendant parfois plus supportable grâce à un sourire ou un rire. Son œuvre reste un trésor national, un miroir de la culture française et un exemple brillant de l'art du dessin d'humour ...

    Les points marquants et dominants de ses dessins.

    Les dessins de Roger Testu, alias Tetsu, sont imprégnés de thèmes récurrents qui reflètent son regard unique sur la société et l'existence humaine. Ses œuvres dépeignent souvent les petits bourgeois, des personnages sérieux plongés dans des situations absurdes ou bizarres, qui offrent un miroir des lecteurs eux-mêmes. Tetsu avait le don de capturer les nuances de la vie quotidienne avec un humour noir et grinçant, mettant en lumière les contradictions et les ironies de la condition humaine.
    Parmi les motifs qui reviennent fréquemment dans ses dessins, on trouve la critique sociale, où il expose les faux-semblants et les hypocrisies de la société. Ses personnages sont souvent pris dans le tourbillon de la vie moderne, dépeignant la lutte entre les aspirations individuelles et les attentes sociales. Tetsu aborde également les relations humaines, notamment les dynamiques de couple, avec un œil à la fois critique et tendre, révélant les complexités et les joies de la vie à deux.
    L'absurdité de l'existence est un autre thème cher à Tetsu, où il illustre comment les individus se débattent avec les absurdités de la vie, souvent avec une pointe de tendresse pour ces "inadaptés définitifs" que nous sommes tous à certains égards. Son travail offre ainsi une réflexion sur la nature humaine, avec ses défauts et ses beautés, et sur la manière dont nous naviguons dans un monde parfois déroutant.
    En résumé, les dessins de Tetsu sont une célébration de l'humour comme moyen de résilience face aux aléas de la vie. Ils continuent de résonner avec le public d'aujourd'hui, témoignant de la perspicacité et de la pertinence intemporelle de son art ...

    Et, pour terminer et mourir de rire ...

    Quelques photographies de pages d'un de ses livres, " C'est Pas Rose ", aux éditions Glénat.
    Prenez tout votre temps pour les savourer et découvrir cet humour si particulier de Testu les vinettes sont à cliquer pour les agrandir et pouvoir naviguer dans le grand labyrinthe d'un certain humour ...

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  • share read star Art et Technique de l'Impression au bloc de bois - découvrir
    Monday 22 April 2024 - 11:10
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    matrice
    Matrice : ancien tampon pour l'impression sur tissu
     La technique du blockprint, pour reprendre les termes anglais à la mode, consiste à appliquer des motifs à la main, grâce à des blocs de bois sculptés en relief, sur un tissu. C'est une technique très ancienne que nombre de créateurs actuels redécouvrent peu à peu ...

    Art et Technique de l'Impression au bloc de bois.

    L'art de l'impression au bloc de bois est une forme d'expression artistique fascinante qui a traversé les âges, capturant l'essence de cultures et d'époques variées. Cette technique, qui trouve ses origines dans l'antiquité chinoise, a été utilisée pour imprimer des motifs sur des textiles et plus tard sur du papier. Elle s'est répandue à travers l'Asie de l'Est, devenant un élément central de la production de livres et d'images jusqu'au XIXe siècle.
    La préparation de la matrice, un bloc de bois poli et plat, est la première étape cruciale de ce processus. Sur cette surface lisse, un motif est soigneusement dessiné avant d'entamer la taille d'épargne. Cette technique consiste à creuser autour des contours du motif, laissant en relief les éléments qui seront imprimés. Les outils utilisés pour cette tâche délicate incluent le canif et la gouge, permettant une précision extrême dans le travail du bois.
    L'encrage du bloc sculpté est une opération délicate qui nécessite une attention particulière à la composition des encres et à la nature des surfaces à imprimer. Il existe trois techniques principales d'impression au bloc de bois : le tampon, la pression directe, et le frottage. Chacune de ces méthodes a ses particularités et nécessite un savoir-faire spécifique pour obtenir des impressions de qualité.
    L'impression au bloc de bois n'est pas seulement une question de technique, c'est aussi un art qui demande une compréhension profonde des matériaux et un sens esthétique développé. Les artistes et artisans qui maîtrisent cette forme d'art sont capables de créer des œuvres d'une beauté et d'une complexité remarquables, souvent en utilisant plusieurs blocs pour les impressions multicouches ou complémentaires, permettant ainsi une richesse de couleurs et de textures.
    En Europe, la gravure sur bois a été adoptée au XVe siècle, donnant naissance à la xylographie. Cette forme d'art a permis de reproduire des images et des textes avec une grande précision, contribuant ainsi à la diffusion de la connaissance et de la culture à travers le continent.
    L'impression au bloc de bois a également joué un rôle significatif en Inde, où elle s'est développée dès le 12ème siècle. Les artisans indiens ont utilisé des teintures végétales pour imprimer des motifs exquis sur des textiles, perpétuant ainsi une tradition qui continue d'être pratiquée aujourd'hui.
    Cette technique ancestrale, bien que traditionnelle, continue d'inspirer et de fasciner. Elle est un témoignage vivant de l'ingéniosité humaine et de la capacité à créer de la beauté à partir de moyens simples. L'impression au bloc de bois est plus qu'une méthode d'impression ; c'est une porte ouverte sur l'histoire, l'art et la culture d'un monde riche et diversifié..

    Comment et vers quoi détourner une matrice d'impression en bois en objet décoratif contemporain ?

    Transformer une matrice d'impression en bois en un objet décoratif contemporain est une idée fascinante qui mêle histoire, art et design. Ces matrices, qui étaient autrefois utilisées pour imprimer des motifs sur tissus ou papiers, peuvent devenir des pièces uniques et captivantes dans votre intérieur.
    Pour commencer, il est important de nettoyer la matrice en bois. Cela implique de la dépoussiérer délicatement et de la laver avec un chiffon humide si nécessaire. Ensuite, laissez-la sécher complètement. Cette étape préserve la beauté naturelle du bois et met en valeur les détails sculptés.
    Une fois la matrice propre, vous pouvez réfléchir à la manière de l'intégrer dans votre espace. Voici quelques idées créatives :
    1.Tableau Mural : Accrochez l a matrice directement sur le mur comme une œuvre d'art. Vous pouvez l'encadrer ou la laisser telle quelle pour un look plus rustique.
    2.Plateau de Service : Fixez des poignées sur les côtés de la matrice pour la transformer en un plateau unique. C'est une façon élégante de servir des boissons ou de présenter des bougies et des petits objets.
    3.Table d'Appoint : Ajoutez des pieds à la matrice pour créer une petite table. Cela peut être un point focal intéressant dans un salon ou une chambre.
    4.Tête de Lit : Si la matrice est assez grande, elle peut servir de tête de lit originale et apporter une touche d'authenticité à votre chambre.
    5.Élément de Collage : Intégrez la matrice dans un collage mural avec d'autres objets en bois, miroirs, ou œuvres d'art pour une composition éclectique.
    6.Support de Bijoux : Utilisez les reliefs de la matrice pour accrocher des colliers et des bracelets, transformant ainsi l'objet en un organisateur de bijoux pratique et décoratif.
    Pour une touche contemporaine, vous pouvez peindre la matrice dans des couleurs vives ou métalliques, ou même utiliser des techniques comme la dorure à la feuille. Cependant, si vous préférez conserver l'aspect historique de la pièce, une finition transparente ou une cire pour bois peut suffire pour protéger le bois tout en gardant son aspect d'origine.
    Enfin, n'oubliez pas que la matrice d'impression en bois, si elle est véritablement ancienne, est un morceau d'histoire. Chaque marque, usure ou imperfection raconte une histoire et ajoute du caractère à votre décoration. En la détournant en objet décoratif, vous donnez une nouvelle vie à un outil artisanal, tout en préservant et en célébrant son passé.

    Une belle et ancienne matrice d'impression sur tissu comme exemple concret.

    Matrice d'impression sur Tissu - Bois - Artisanat - Ancien - Décoration - Tampon
    Très jolie ancienne matrice, ou tampon, pour l'impression sur tissu, réalisée, sculptée en bois massif.
    Conçue pour être bien tenue dans la main, elle permettait aux artisans d'imprimer leurs décors avec précision.
    Le motif de cette matrice qui représente " Saint Michel terrassant le Dragon ", se suffisant à lui-même pour constituer une belle œuvre d'Art à exposer ou à mettre en valeur dans votre intérieur.
    ** fort belle pièce **
    ** bel objet de Déco **
    ( nettoyée de ses traces d'encre, elle a retrouvé son lustre et son expression d'origine ! )
    état : bel état de conservation et de présentation; traces de réalisation anciennes, légères fissures, sans soucis pour cet âge.
    dimensions : 21 x 19 x 5 cm
    poids : 740 grammes
    époque : fin XVIII / début XIXème
    style : objet de métier

      enjoy :)
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  • share read star QUAI DE JAVEL - Quai André Citroën - La grande Histoire d'une marque automobile
    Saturday 20 April 2024 - 18:56
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Citroën
    Citroën : une marque automobile française emblèmatique
     Le Quai de Javel est le nom du quai lui-même, situé le long de la Seine dans le 15e arrondissement de Paris. Le Quai André-Citroën est lui aussi également situé dans le même arrondissement de Paris, mais il s'agit d'un parc public aménagé sur le site de l'ancienne usine Citroën, qui était autrefois établie sur le Quai de Javel. Le parc André-Citroën a été nommé en l'honneur d'André Citroën, le fondateur de l'entreprise automobile Citroën.

    Le QUAI DE JAVEL ou encore ' Quai André Citroën '.

    Le quai de Javel, situé dans le 15e arrondissement de Paris, est un lieu chargé d'histoire, notamment en raison de son lien avec André Citroën, fondateur de l'entreprise automobile Citroën.
    Le quai de Javel tire son nom d'une ancienne activité industrielle de la région, la production de "javelle", un produit chimique utilisé pour blanchir le linge. Au début du 20e siècle, cette zone industrielle a été réaménagée, et c'est là qu'André Citroën a choisi d'établir son usine automobile.
    L'usine Citroën sur le quai de Javel a été l'un des premiers sites de production automobile modernes en France. Citroën y a produit de nombreux modèles emblématiques de son histoire, notamment la Traction Avant, la 2CV et la DS.
    De nos jours, le quai de Javel est également connu pour abriter le parc André-Citroën, un parc public contemporain aménagé sur le site de l'ancienne usine. Ce parc offre des espaces verts, des jardins thématiques et des installations architecturales modernes, tout en conservant des éléments rappelant le passé industriel du site, ce qui en fait un lieu de promenade populaire pour les habitants et les visiteurs de Paris.

    La grande Histoire de la Marque Citroën.

    L'histoire de Citroën est une véritable épopée, marquée par l'audace et l'innovation depuis sa fondation en 1919 par André Citroën. Dès le début, la marque s'est distinguée par sa créativité et sa technologie de pointe, révolutionnant l'industrie automobile avec des modèles emblématiques tels que la Traction Avant, la 2 CV et la DS, qui ont chacun marqué leur époque. Citroën a également été pionnière dans le domaine de la publicité, avec des exploits remarquables comme l'inscription du nom de la marque dans le ciel de Paris en 1922. Les années ont vu Citroën se développer et innover, avec des véhicules qui allient confort et design, comme le C4 Cactus et le SUV C5 Aircross, sans oublier l'AMI, une solution de mobilité urbaine 100% électrique lancée en 2020. Citroën a su traverser les époques en s'adaptant aux besoins et aux désirs des consommateurs, tout en restant fidèle à son héritage de qualité et d'innovation. Cette marque emblématique continue de fasciner et d'inspirer, témoignant de la richesse de son histoire et de son importance dans le patrimoine automobile mondial.

    Quels sont les modèles, anciens, les plus remarquables de la Marque Citroën ?

    Citroën, avec son héritage riche et diversifié, a produit de nombreux modèles qui ont marqué l'histoire de l'automobile. Parmi les plus remarquables, la Traction Avant se distingue par son innovation technique et son design intemporel, ayant révolutionné la production automobile dans les années 1930. La 2 CV, affectueusement surnommée "Deudeuche", est devenue un symbole de simplicité et de liberté, appréciée pour sa fiabilité et son coût abordable. La DS, avec ses lignes futuristes et son système hydropneumatique unique, a établi Citroën comme un leader en matière de confort et d'avant-garde technique. Le SM, fruit de la collaboration avec Maserati, a impressionné par ses performances et son style audacieux. Ces modèles, et bien d'autres, témoignent de l'esprit d'innovation et de l'audace qui caractérisent la marque Citroën depuis sa création.

    Les plus anciens modèles Citroën qui passionnent les amateurs de vieilles automobiles.

    Les passionnés de voitures anciennes sont souvent captivés par les modèles Citroën produits entre 1919 et 1973, une période qui a vu naître des véhicules révolutionnaires et emblématiques. Le tout premier modèle, la Citroën Type A, lancé en 1919, est considéré comme la première voiture européenne de production de masse. Avec son moteur 4 cylindres et sa carrosserie ouverte, elle a rapidement gagné en popularité. Ensuite, la B2 a pris le relais, offrant plus de puissance et une variété de carrosseries qui ont élargi son attrait. La C4 et la C6, introduites dans les années 1920, ont apporté des améliorations significatives en termes de performance et de confort, établissant Citroën comme un fabricant innovant.
    Les amateurs de vieilles automobiles sont souvent passionnés par les modèles emblématiques de Citroën produits entre 1919 et 1960. Voici quelques-uns des modèles les plus remarquables de cette période :
    1. Citroën Type A (1919-1921) :
    - Premier modèle produit par Citroën.
    - Connu pour son design simple et robuste.
    - Équipé d'un moteur à quatre cylindres et d'une carrosserie légère.
    2. Citroën 5HP Type C (1922-1926) :
    - Surnommé "Citronnette".
    - Petite voiture économique et populaire.
    - Carrosserie légère et moteur monocylindre.
    3. Citroën B10 (1924-1925) :
    - Premier modèle au monde avec une carrosserie entièrement en acier.
    - Innovation majeure pour l'époque, offrant une meilleure sécurité et durabilité.
    4. Citroën B12 (1925-1927) :
    - Successeur du B10, avec un moteur plus puissant et des améliorations de confort.
    - Toujours avec une carrosserie en acier, mais avec des améliorations esthétiques.
    5. Citroën Rosalie (1932-1938) :
    - Disponible en plusieurs versions, y compris berline, coupé et camionnette.
    - Introduit des innovations telles que la suspension indépendante à l'avant et un moteur flottant.
    6. Citroën Traction Avant (1934-1957) :
    - Révolutionnaire pour son époque, avec traction avant, structure monocoque et suspension indépendante.
    - Connu pour son design élégant et ses performances avancées.
    7. Citroën 2CV (1948-1990) :
    - Lancé après la Seconde Guerre mondiale pour répondre au besoin d'une voiture simple et économique.
    - Devient emblématique pour son design minimaliste, sa fiabilité et sa polyvalence.
    8. Citroën DS (1955-1975) :
    - Connu pour son design avant-gardiste et ses innovations technologiques.
    - Hydropneumatique suspension, freins assistés et direction assistée, faisant de la DS une voiture révolutionnaire pour son époque.
    Ces modèles sont très appréciés des collectionneurs et des passionnés d'histoire automobile pour leur importance historique, leur design distinctif et leurs innovations techniques.

    Une documentation complète pour TOUS les passionnés d'automobiles.

    QUAI DE JAVEL - QUAI ANDRE CITROEN 1919-1973 - P.Dumont - EPA - 1973 - EO
    Editions Pratiques Automobiles, Paris, 1973
    Très nombreuses illustrations, ( plus de 500 ! ), photographies d'époque, 24 dessins hors texte spécialement dessinés par Pierre Dumont.
    *** Première édition ***
    Pierre DUMONT QUAI DE JAVEL - QUAI ANDRE CITROËN 1919-1973
    1973, Paris, Editions E.P.A.
    Format : In-8 (17,5 x 25 cm), relié, 433 pages
    Jaquette iluustrée, couleurs et N&B, Reliure cartonnage éditeur, chevrons Citroën au premier plat, jaquette (....)
    Contenu du livre :
    - L'automobile en France avant Citroën
    - André Citroën
    - le premier modèle le type A
    - la B 2 et ses dérivés
    - la 5 CV
    - la B 14
    - les C 4 et C 6, 8, 10, 15
    - la traction
    - la 22
    - la 15
    - les utilitaires
    - les chenilles
    - les records
    - Citroën aujourd'hui
    - appendices ( chiffres de production)
    440 pages envr.
    dimensions : 17 x 24 cm
    à découvrir au travers des photographies ( CLIQUEZ ! ) ci-dessous ...

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  • share read star La Folie Espagnole, un roman de Pigault-Lebrun
    Thursday 18 April 2024 - 17:07
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    La Folie Espagnole
    La Folie Espagnole : roman de Pigault-Lebrun
     "La Folie Espagnole" est un roman picaresque écrit par Charles-Antoine-Guillaume Pigault-Lebrun, un écrivain français du XVIIIe siècle.
    Publié pour la première fois en 1799, ce roman raconte les aventures tumultueuses et comiques d'un jeune homme nommé Don Gabriel de Salamanque dans l'Espagne du XVIIIe siècle.
    C'est un récit plein d'intrigues, de rebondissements et de satire sociale, typique du style picaresque de l'époque.

    La Folie Espagnole : un roman picaresque de Pigault-Lebrun, très captivant.

    "La Folie Espagnole" de Pigault-Lebrun est un roman picaresque captivant qui plonge le lecteur dans les aventures tragi-comiques de Don Gabriel de Salamanque, un jeune homme d'origine noble, mais peu fortuné, en Espagne au XVIIIe siècle.
    L'histoire commence avec Don Gabriel, un personnage séduisant mais quelque peu naïf, qui se trouve dans une situation financière précaire. Pour améliorer sa situation, il décide de se rendre à Madrid, où il espère trouver la fortune et la gloire.
    À Madrid, Don Gabriel se retrouve rapidement plongé dans un monde de conspirations, de tromperies et de trahisons. Il est entraîné dans une série d'événements rocambolesques impliquant des personnages aussi variés que des nobles corrompus, des courtisanes rusées et des voleurs astucieux.
    Au fur et à mesure que l'histoire progresse, Don Gabriel se trouve confronté à de nombreux obstacles et épreuves. Il est tour à tour victime de malentendus, de ruses et de pièges tendus par ceux qui cherchent à profiter de sa crédulité et de sa fortune présumée.
    Cependant, malgré les nombreux revers et les épreuves auxquels il est confronté, Don Gabriel conserve un esprit vif et une détermination inébranlable. Il fait preuve d'une ingéniosité remarquable pour se sortir des situations les plus périlleuses et pour déjouer les complots qui se dressent sur son chemin.
    Tout au long du récit, Pigault-Lebrun utilise avec habileté l'ironie et la satire pour dépeindre la société espagnole de l'époque, mettant en lumière les vices et les absurdités qui la caractérisent.
    Finalement, après de nombreuses péripéties et rebondissements, Don Gabriel parvient à démêler les fils de l'intrigue et à démasquer les coupables. Il réussit à surmonter les obstacles qui se dressent sur son chemin et à retrouver sa place dans la société, enrichi non seulement par sa fortune retrouvée, mais aussi par les leçons apprises au cours de ses aventures tumultueuses.

    Notre exemplaire de " La Folie Espgnole ".

    La Folie Espagnole - Pigaut Lebrun - Berthommé Saint-André - 2 T - 1944
    Honny soit qui mal y pense.
    titre : La Folie Espagnole
    auteur : Pigault-Lebrun
    Dessins aquarellés de Berthommé Saint-André
    Préface d'Abel Hermant, de l'Académie française
    Les Editions Nationales, Paris
    2 volumes in-12 brochés ( 19,5 / 14 cm ). Couverture rempliée illustrée.
    Tirage de Deux Tomes, ici numéroté de 321 à 920, sur Vélin Chiffon d'Annonay; ceux-ci portant les numéros " 687 "
    Certaines pages non-coupées...
    Après son résumé, découvrez-le en images en parcourant la bibliothèque ci-dessous ( cliquez sur les vignettes )
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  • share read star Une micro-car de la marque VESPA
    Wednesday 10 April 2024 - 10:53
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Vespa 400
    Vespa 400 : la seule et unique automobile de la marque Vespa
     Vespa, une marque emblématique italienne reconnue pour ses scooters emblématiques, a également fait un pas audacieux dans le monde de l'automobile avec la Vespa 400. Lancée dans les années 1950, cette voiture compacte incarne l'ingéniosité et le style distinctifs de Vespa, offrant une solution de transport pratique et élégante pour les conducteurs urbains. Malgré sa production limitée et son existence éphémère sur le marché, la Vespa 400 reste un symbole de l'innovation de la marque dans le domaine de la mobilité.

    Saviez-vous que VESPA avait aussi fabriqué des voitures ... ?

    Vespa, principalement connue pour ses scooters, a également produit la Vespa 400, une micro-voiture, dans les années 1950 et 1960.
    Cette petite automobile compacte a été fabriquée sous licence Piaggio. Cependant, Vespa reste toujours célèbre pour ses scooters emblématiques, qui ont conquis le monde avec leur style distinctif et leur technologie avancée depuis leur lancement en 1946.

    Quelles sont les caractéristiques de la Vespa 400 ?

    Si vous êtes passionnés d'automobile, si vous êtes collectionneur, si vous êtes, tout simplement ' curieux ', voici donc quelques éléments plutôt " techniques " qui vont vous intéresser.
    La Vespa 400, produite entre 1957 et 1961, est une micro-voiture compacte fabriquée en France par ACMA (Atelier de Construction de Motocycles et Automobiles), sous licence de Piaggio, pour le constructeur du célèbre scooter Vespa.
    Voici ses caractéristiques techniques :
    - Cylindrée : 393 cm³
    - Puissance fiscale : 2 CV
    - Puissance réelle : 12 ch Din à 4350 t/mn (14SAE à 4700 t/min)
    - Bicylindre : 2 temps, 2 cylindres en ligne inclinés de 20° sur le côté gauche
    - Transmission : Boîte 3 vitesses, 1ère non synchronisée (boîte 4 vitesses, 1ère non synchro, sur modèle GT 1961)
    - Suspension : 4 roues indépendantes
    - Dimensions : Longueur 2,85 m, Largeur 1,27 m, Hauteur 1,25 m
    - Poids à vide : 380 kg
    - Vitesse maximale : environ 100/110 km/h (sur la mienne, plutôt 80 à 90 km/h)
    - Consommation : moins de 5 litres aux 100 à 60/70 km/h
    - Réservoir : 23 litres pour une autonomie d'environ 450 km
    - Refroidissement : par air
    - Correcteur d'admission : par distributeur rotatif constitué par le vilebrequin
    - Allumage : par une batterie 12V située à l'avant
    - Couple maximal : 2,6 m.kg à 2 100 tr/mn
    La Vespa 400 était une voiture nerveuse, maniable et pratique en conduite citadine, avec une capote facile à replier pour les beaux jours. Elle a été construite avec des tôles de qualité et protégée par une solide coque d'acier.

    Quelques petits détails sur la Vespa 400.

    * Il s'agit donc d'une petite voiture aux lignes harmonieuses, la Vespa 400 (tel est son nom) pouvait transporter deux personnes. Mue par un monocylindre de 393cm3 dont la puissance affiche seulement 12Ch, la voiture était capable de performances proches de la Renault Dauphine, aidée en cela par son faible poids (375kg). Notons également, sur le plan technique, que la Vespa 400 se dote alors d’une boite à trois rapports, et côté suspension, les roues arrières sont indépendantes tandis que les roues avant reçoivent un ingénieux système de ressorts incorporés aux amortisseurs.
    *  l’exposition de la Vespa 400 au grand public lors du salon de l’automobile de Paris, se tenant courant Octobre 1957, nous apprendra que la gamme se divise en deux versions, « Normale » et « Luxe ». Six teintes étaient proposées (3 bleus, vert, ivoire et rouge), le moteur quant à lui était garanti 50.000km, mais le mélange huile-essence nécessaire à son fonctionnement devait se faire manuellement. Peu pratique à l’évident.
    * Malgré tout, les commandes arrivent en nombre et laissent espérer un relatif succès pour cette voiture. En 1957, 1.103 exemplaires sont écoulés en quelques mois, et 1958 continue sur cette lancée. D’ailleurs, déjà, Acma-Vespa améliore la 400 en l’équipant de fauteuils rembourrés, les pare-chocs lisses cèdent leur place à des pare-chocs nervurés en inox, et en Juillet de la même année, apparait un mélangeur semi-automatique d’huile et d’essence ! L’équipement tant attendu est arrivé. Cette année, 12.130 unités sont vendues.
    * Mais c’est pour le salon de l’automobile d’Octobre 1960 que la Vespa 400 s’améliore : Le modèle Luxe est proposé à 3.550 Nouveaux Francs, et apparaît la version Grand Tourisme équipée de série d’une boite à quatre vitesses, de pneus à flancs blancs. L’ensemble de la gamme est enrichie avec l’adoption de fauteuils en tissu à deux tons, des vide-poches sont incorporés dans les portes, et des grands butoirs viennent enjoliver le pare-chocs avant.

    Des modèles assez rares à trouver actuellement ...

    Pas si évident de retrouver donc une Vespa 400 pour se promener de nos jours ... :)
    Cela arrive, pour preuve une petite annonce nous faisant découvrir un modèle fort bien restauré dont vous pouvez voir les photographies ci-dessous ...
    Il s'agit d'un modèle de Vespa 409 400 coupé de 1959, restauré et proposé à l'achat au prix de 18 000€.
    -1 000 km au compteur
    -Boîte de vitesse manuelle
    -Couleur extérieure : Off_white / Couleur intérieure : Off_white
    -Type de carburant : Essence
    -Taille du moteur 0.4 L

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  • share read star Porcelaine de Satsuma : un groupe de Lettrés
    Sunday 07 April 2024 - 18:19
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    Satsuma
    Satsuma : un nom de porcelaine qui nous renvoie au Japon
     La porcelaine de Satsuma, originaire du Japon, est renommée pour sa beauté artisanale et son riche héritage historique. Célèbre pour ses détails minutieux, ses couleurs vibrantes et ses motifs complexes, la porcelaine de Satsuma est prisée des collectionneurs du monde entier.

    Qu'est-ce que la Porcelaine de Satsuma ?

    La Porcelaine de Satsuma ( 薩摩焼, satsuma-yaki  ) est un style distinctif de poterie et de porcelaine japonaise qui a émergé à la fin du XVIe siècle, initialement dans la région de Satsuma, située dans la préfecture actuelle de Kagoshima, sur l'île de Kyushu au Japon. Cette forme d'art a été fortement influencée par les échanges culturels entre le Japon et la Chine, ainsi que par l'arrivée de missionnaires chrétiens européens.
    La Porcelaine de Satsuma est célèbre pour ses décors élaborés, souvent ornés de motifs floraux, de scènes de la vie quotidienne, ou de figures mythologiques et religieuses. Les pièces de Satsuma sont généralement décorées dans une palette de couleurs riches, avec un émail lustré et des détails peints à la main.
    Au fil du temps, le style Satsuma a évolué pour inclure différentes techniques et motifs, et il est devenu populaire auprès des collectionneurs du monde entier.
    Aujourd'hui, la Porcelaine de Satsuma est souvent recherchée pour sa beauté artistique et son importance historique dans l'art japonais.
    La porcelaine de Satsuma, ou  "satsuma-yaki ", est un type de porcelaine japonaise qui a vu le jour au XVIe siècle durant l'époque Azuchi-Momoyama. Elle est célèbre pour sa couleur ivoire et ses ornements dorés ou polychromes. Cette porcelaine a été introduite par la famille Shimazu du domaine de Satsuma après l'invasion japonaise de la Corée, en faisant venir des potiers coréens qualifiés pour établir une industrie locale de poterie¹.
    Au début, ces porcelaines étaient principalement destinées à l'exportation, contribuant au développement du japonisme en Europe. Après avoir été présentée à l'exposition universelle de 1867 à Paris, la porcelaine de Satsuma est devenue un bien d'exportation populaire vers l'Europe. Les pièces sont caractérisées par des fonds de couleur ivoire et des décors très colorés, souvent avec des représentations de samouraïs, de geishas ou de scènes de genre.

    La porcelaine de Satsuma à décors polychrome.

    La Porcelaine de Satsuma polychrome se réfère à une variante de la célèbre porcelaine japonaise de Satsuma qui utilise une gamme de couleurs plus étendue que la traditionnelle palette de couleurs. Alors que la porcelaine de Satsuma traditionnelle était souvent caractérisée par des tons plus doux et des décors plus subtils, la variante polychrome ajoute des couleurs vives et variées à ses motifs et décorations.
    Les pièces de Porcelaine de Satsuma polychrome peuvent présenter une gamme de couleurs comprenant des teintes de rouge, de bleu, de vert, de jaune, et d'autres couleurs, ce qui leur confère un aspect plus éclatant et vivant. Cette variante de Satsuma est souvent très prisée par les collectionneurs et les amateurs d'art pour sa richesse visuelle et sa complexité décorative.
    Comme pour la Porcelaine de Satsuma traditionnelle, la Porcelaine de Satsuma polychrome est appréciée pour ses détails fins, ses motifs complexes et son émail lustré, et elle témoigne de l'habileté et de la créativité des artisans japonais.

    Quelle est la signification du nom 'Satsuma' ?

    Le nom "Satsuma" fait référence à plusieurs éléments liés à la culture et à l'histoire japonaise. Historiquement, c'était le nom d'une  "province " dans le sud du Japon, qui est maintenant la préfecture de Kagoshima. La famille  "Shimazu ", qui régnait sur cette province, a joué un rôle important dans l'histoire du Japon, notamment lors de la  "rébellion de Satsuma " en 1877 contre l'armée impériale.
    En plus de son association avec la province et la famille Shimazu, "Satsuma" est également connu pour la  "céramique japonaise " (Satsuma-yaki) originaire de cette région, ainsi que pour une variété de  "mandarine " (Citrus reticulata subsp. unshiu), connue sous le nom de mandarine satsuma, qui est appréciée pour sa peau facile à peler et son absence de pépins¹.
    Le terme "Satsuma" a donc plusieurs significations, chacune ancrée dans le patrimoine culturel et historique du Japon.

    Céramique ou Porcelaine ?

    Les deux termes semblent être utilisés, un peu n'importe comment sur le Net, mettons les choses au point ...
    La  "porcelaine de Satsuma", ou  "satsuma-yaki ", est un type spécifique de porcelaine japonaise. Elle se distingue par sa couleur ivoire et ses ornements dorés ou polychromes. Bien que le terme "céramique" puisse être utilisé de manière générale pour désigner tout objet fabriqué à partir d'argile cuite, la porcelaine de Satsuma est reconnue pour sa qualité supérieure et sa finesse, résultant d'une argile particulière et d'une cuisson à haute température qui lui confère sa translucidité caractéristique.
    En résumé, bien que la porcelaine de Satsuma soit une forme de céramique, toutes les céramiques ne sont pas des porcelaines. La porcelaine est un type de céramique plus raffiné et plus durable, souvent associé à des objets de luxe.

    Notre article du jour : Groupe de 2 lettrés - Porcelaine de satsuma - Or et Polychromie - Meiji -

    Un superbe groupe en belle Porcelaine de Satsuma Polychrome représentant deux lettrés en conversation autour d'un manuscrit ...
    Tous deux représentant des habits traditionnels japonnais, mis en valeur grâce à un superbe travail de poterie traditionnelle, haut de gamme.
    Un extraordinaire rendu de tous ces émaux colorés, placés en inclusion dans des zones délimités à l'or; la couleur or faisant d'ailleurs fort bien ressortir toute cette gamme colorée.
    Contrairement à certaines réalisations, il ne s'agit pas de deux ' personnages ' séparés, mais bel et bien d'un seul et unique groupe représentant deux lettrés, dans la même argile, chose peu courante.
    Signature de couleur rouge sous la base.
    dimensions : 27 x 14 x 12 cm
    poids : 1400 grammes
    style et époque : satsuma / Restauration de Meiji (1868-1912)
        enjoy :)
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  • share read star Un dessinateur humoristique : Caran d'Ache
    Friday 05 April 2024 - 11:30
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    Caran d'Ache
    Caran d'Ache : pseudonyme d'Emmanuel Poiré, dessinateur et caricaturiste français
     Caran d'Ache est à la fois le nom d'une célèbre entreprise suisse spécialisée dans la fabrication de fournitures d'écriture et d'art, et le pseudonyme d'un dessinateur et caricaturiste français du 19ème siècle.
    * L'entreprise Caran d'Ache a été fondée en 1915 à Genève, en Suisse, et est devenue célèbre pour ses crayons de couleur, stylos et autres fournitures d'écriture de haute qualité.
    * Quant au dessinateur et caricaturiste, il était originaire de Moscou publiait sous le pseudonyme de " Caran d'Ache " et s'appelait en réalité Emmanuel Poiré. Il était renommé pour ses illustrations humoristiques et satiriques dans des publications telles que "Le Figaro" et "Le Chat Noir".

    Qui était Emmanuel Poiré dont le nom de plume était Caran d'Ache ?

    D’origine russe, Caran d’Ache, pseudonyme d’Emmanuel Poiré, est l’un des plus célèbres dessinateurs et caricaturistes de la fin du XIXe siècle. D’abord spécialisé dans le dessin militaire, il popularise en France les histoires sans légendes puis sera le dessinateur attitré du Journal et du Figaro.
    Emmanuel Poiré, mieux connu sous le nom de plume Caran d'Ache, était un dessinateur, caricaturiste et écrivain français du 19e siècle.
    Il est né le 6 novembre 1858 à Moscou, en Russie, il était le fils d'un ingénieur français travaillant pour le compte du tsar. Il est décédé le 25 février 1909 à Paris.
    Poiré a étudié à Paris et a commencé sa carrière artistique en tant que caricaturiste pour divers journaux et magazines, notamment pour "Le Chat Noir" et "Le Figaro". Il a gagné en renommée grâce à ses dessins humoristiques et satiriques, souvent politiquement engagés.
    Son style distinctif et son talent pour capturer les traits caractéristiques des personnalités publiques de son époque lui ont valu une large reconnaissance.
    * Le pseudonyme "Caran d'Ache" est dérivé du terme russe "karandash", qui signifie "crayon". Poiré a choisi ce nom de plume en hommage à sa mère, d'origine russe.
    Au fil des ans, Caran d'Ache est devenu l'une des figures les plus influentes du monde de la caricature et de l'illustration en France. Il a également écrit des pièces de théâtre et des romans, et a été un membre actif de la scène artistique parisienne jusqu'à sa mort le 25 février 1909. Son héritage artistique reste vivant à travers ses œuvres, qui continuent d'être étudiées et admirées aujourd'hui.

    Quelques références de l’œuvre de Caran d'Ache.

    1 - une sélection de ses bandes dessinées publiées notamment dans Le Chat noir, Le Journal amusant, ou encore Le Rire :
    * Le Chat noir
    - 14/11/1885 : La Dame blanche vous regarde
    - 02/01/1886 : Quand on attend sa belle
    - 02/01/1886 : Comment le petit Jean comprend la bataille d’Iena
    - 29/05/1886 : L'humidité
    - 26/06/1886 : Des goûts et des couleurs
    * Le Journal amusant
    - 14/05/1892 : Un cheval qui a son amour-propre
    - 01/07/1893 : Une erreur judiciaire
    - 22/08/1896 : Terrible malentendu
    - 05/09/1896 : Marius à la chasse
    - 19/09/1896 : La guerre à travers les âges
    - 17/10/1896 : Concours de beauté pour hommes, ou la fiancée difficile
    - 31/10/1896 : Les dangers de la bicyclette
    - 14/11/1896 : La neige telle qu’elle devrait être, et la neige telle qu’elle est
    - 28/11/1896 : Revendication
    - 12/12/1896 : L’éléphant et le musicien
    - 25/12/1897 : Le premier tandem
    - 26/03/1898 :  À quoi rêvent les chevaux de fiacre ?
    * Le Rire
    - 2/11/1895 : A la Houzarde
    - 9/11/1895 : Drame très court pouvant servir de résumé à la cause célèbre du moment
    - 14/12/1895 : La Puce
    - 25/01/1896 : Querelle d’Allemand
    - 27/06/1896 : Le Ténor entêté (Épisode du premier Empire)
    2 - quelques pages remarquables parues dans Le Figaro et dans Le Journal :
    * Le Figaro
    - 11/05/1896 : La création de l’homme
    - 17/08/1896 : Un pieux mensonge
    - 28/12/1896 : Si l’Empereur revenait
    - 7/06/1897 : Alfred et Lucien ou Le chapeau neuf (Fantaisie)
    - 14/02/1898 : Un dîner en famille
    - 27/12/1900 : Le bon américain
    - 3/06/1901 : Les orages de Paris
    - 5/09/1901 : Le parapluie de guerre
    - 7/11/1901 : Les cris de guerre français
    - 17/02/1902 : L'impôt sur le flirt
    - 23/03/1903 : Nouveautés chevalines
    * Le Journal
    - 22/10/1894 : Le Beau Danube Bleu...
    - 12/11/1894 : Peintre illusionniste           
    - 4/02/1895 : L'Inconnue du Bal de l'Opéra   
    - 25/03/1895 : Le Faune à la flûte
    - 6/05/1895 : L'Ingratitude (les arbres du bois de Boulogne)
    - 29/05/1902 : L'art vétérinaire
    - 20/11/1902 : Au frimas
    - 23/10/1904 : Les joies et les tristesses du gramophone
    ( réf. https://gallica.bnf.fr/html/und/litteratures/caran-dache-1858-1909 )

    Le Livre du Jour : L'Album VIII - Caran d'Ache - Emmanuel Poiré - Tallandier - 1901

    " D'origine russe, Caran d'Ache, pseudonyme d'Emmanuel Poiré, est l'un des plus célèbres dessinateurs et caricaturistes de la fin du XIXe siècle. D'abord spécialisé dans le dessin militaire, il popularise en France les histoires sans légendes puis sera le dessinateur attitré du Journal et du Figaro. "
    L'Album, une publication bi-mensuelle, publié par la Librairie Illustrée, Jules Tallandier, 8, rue Saint-Joseph, Paris.
    Préface de Roger-Milès, titres et couverture en couleurs dessinée par L. Métivet pour l'ouvrage complet.
    Un numéro renferme vingt pages d'aquarelles et dessins inédits imprimés sur papier de Luxe.
    Présenté ici le N° XIII, sur une publication totale de 18.
    *** et non pas comme laissent entendre d'autres publication farfelue un soit-disant numéro X, ou un soit disant total de 8 !!! ( il suffit de savoir lire ! )
    L'Album réalisé par Caran d'Ache est dédié à des sujets militaires fort plaisants.
    Il présente en couverture sa majesté Guillaume II, et porte, comme tous les autres la signature de Caran d'Ache.
    Période de 1901 à 1902.
    dimensions : 32 x 25 x 0,5 cm
    poids : 170 grammes
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  • share read star Une ancienne statuette de la Vierge à l'Enfant taillée dans la pierre
    Tuesday 02 April 2024 - 17:26
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Vierge à l'Enfant
    Vierge à l'Enfant : superbe ensemble taillé dans la Pierre

    La Vierge à l'Enfant une thématique " RELIGIOSA ".

    La Vierge à l'Enfant, également appelée Madone, est un thème récurrent en peinture et en sculpture religieuses. Elle renvoie à la Nativité du Christ et à la maternité de la Vierge Marie.
    Ce thème iconographique permet d'évoquer la double nature du Christ, à la fois humaine et divine.
    Historiquement, bien que l'enfance de Jésus soit peu abordée dans les évangiles canoniques, la Vierge à l'Enfant est le thème le plus représenté dans l'art chrétien, après la crucifixion. Curieusement, ce thème ne se réfère à aucun texte biblique, mais il est probablement issu d'une réutilisation d'un thème archaïque. On trouve des représentations de la " femme à l'enfant " (allaitante ou non) dans de nombreuses cultures du monde, y compris dans l'Europe pré-chrétienne.
    Au Moyen Âge, l'art européen privilégiait la Vierge représentée dans l'Adoration des mages. Les Vierges les plus fréquemment représentées, du XIe au XIIIe siècle, étaient assises sur un trône et tenaient un Jésus adulte en miniature sur leurs genoux. Ces Vierges étaient appelées " sedes sapientiae ", ce qui signifie " Siège de la Sagesse " ou " Trône de la Sagesse " .
    Au XIIIe et XIVe siècles, l'art gothique mettait davantage l'accent sur la figure centrale de la Vierge, au détriment de l'Enfant. Puis, à l'époque de la Contre-Réforme, l'art baroque fit disparaître l'Enfant pour mettre en exergue une Vierge pure.
    Les représentations de la Vierge à l'Enfant soulignent souvent l'axe des regards entre la mère et son enfant, ainsi que les signes symboliques des doigts et des mains du bébé. Ce thème est présent dans de nombreux personnages sculptés ou peints dans les églises de la chrétienté.
    Voici quelques exemples de peintures célèbres représentant la Vierge à l'Enfant :
    - La Madonna del Parto de Piero della Francesca, une fresque détachée et restaurée, transférée au musée de Monterchi en Toscane, Italie.
    - La Madone col Bambino de Sandro Botticelli, datant d'environ 1467, conservée au Musée du Petit Palais à Avignon.
    La Vierge à l'Enfant reste une figure emblématique de l'art occidental, inspirant les artistes depuis des siècles.

    Pourquoi la Vierge à l'Enfant porte-elle une couronne ?

    La Vierge à l'Enfant est souvent représentée portant une couronne, et cette symbolique est riche de significations. Voici quelques interprétations courantes :
    1. Couronne royale : La couronne sur la tête de la Vierge Marie évoque sa royauté en tant que Reine des Cieux. Elle est considérée comme la mère du Christ, qui est lui-même le Roi des Rois. Ainsi, la couronne souligne son statut élevé et sa place privilégiée dans l'ordre divin.
    2. Couronne d'étoiles : Dans certaines représentations, la couronne est ornée d'étoiles. Ces étoiles symbolisent la pureté, la sainteté et la lumière céleste. La Vierge Marie est vue comme l'étoile qui guide les croyants vers la vérité et la grâce.
    3. Couronne de fleurs : Parfois, la couronne est tissée de fleurs. Cela renvoie à la beauté, à la fécondité et à la vie éternelle. Les fleurs sont souvent associées à la Vierge, car elles évoquent la renaissance et la résurrection.
    4. Couronne de laurier : Le laurier est un symbole de victoire et d'immortalité. En portant une couronne de laurier, la Vierge Marie est associée à la victoire sur le péché et la mort, ainsi qu'à la promesse d'une vie éternelle.
    5. Couronne de douleur : Dans certaines représentations, la couronne peut être évoquée de manière subtile, rappelant la couronne d'épines portée par le Christ lors de sa crucifixion. Cela souligne la souffrance et le sacrifice de la Vierge en tant que mère du Sauveur.
    En résumé, la couronne sur la tête de la Vierge à l'Enfant est un symbole puissant qui réunit des éléments de royauté, de sainteté, de beauté et de victoire spirituelle. Elle nous invite à méditer sur la grâce et la bénédiction que la Vierge Marie apporte au monde.

    Des sculptures représentant la Vierge à l'Enfant en pierre de taille.

    Les sculptures représentant la Vierge à l'Enfant en pierre de taille peuvent être trouvées dans divers endroits, notamment :
    1. Églises : Ces sculptures étaient souvent placées dans les églises chrétiennes, à des endroits tels que les autels, les chapelles latérales ou les niches dédiées.
    2. Cathédrales : Les grandes cathédrales médiévales étaient souvent décorées de sculptures religieuses, y compris des représentations de la Vierge à l'Enfant.
    3. Monastères et abbayes : Ces institutions religieuses abritaient souvent des sculptures religieuses, y compris des représentations de la Vierge Marie et de l'Enfant Jésus.
    4. Musées : De nombreuses sculptures anciennes, y compris celles représentant la Vierge à l'Enfant, sont conservées dans des musées à travers le monde, offrant aux visiteurs la possibilité d'admirer ces œuvres d'art historiques.
    5. Collections privées : Certaines sculptures anciennes sont détenues par des collectionneurs privés, bien que ces pièces ne soient pas toujours accessibles au public.
    6. Sites archéologiques : Dans certains cas, des sculptures anciennes ont été découvertes lors de fouilles archéologiques sur des sites religieux ou des sites historiques.
    Ces sculptures peuvent varier en taille et en style en fonction de l'époque et du lieu où elles ont été créées.

    La Vierge bénissant : main levée vers les gens. (symbolisme)

    La représentation de la Vierge Marie tenant l'Enfant Jésus avec une main levée vers les gens est un geste symbolique courant dans l'art religieux chrétien. Cette pose est généralement interprétée de plusieurs façons :
    1. Bénédiction : La main levée de la Vierge Marie est souvent interprétée comme une bénédiction qu'elle offre aux fidèles. Cela symbolise sa compassion, sa protection et son intercession en faveur des croyants.
    2. Invitation à la prière : La Vierge Marie, en levant la main, peut sembler inviter les fidèles à prier ou à se tourner vers son fils, Jésus. C'est un geste d'invitation à l'adoration et à la méditation.
    3. Transmission de la grâce divine : Certains interprètent le geste de la main levée comme la transmission de la grâce divine de Jésus à ceux qui le regardent. Cela souligne la croyance en l'intercession de Marie et en son rôle de médiatrice entre les croyants et Dieu.
    4. Expression de l'amour maternel : La posture de la Vierge Marie avec l'Enfant Jésus peut également exprimer son amour maternel pour l'humanité. En levant la main, elle montre son désir de protéger et d'offrir son amour à tous.
    5. Symbole de la royauté spirituelle : Dans certaines représentations, la main levée de Marie peut symboliser sa royauté spirituelle en tant que Reine des cieux. Cela renforce son rôle élevé dans la foi chrétienne.
    La main levée de la Vierge à l'Enfant dans l'art chrétien est chargée de symbolisme, exprimant des notions telles que la bénédiction, l'invitation à la prière, la transmission de la grâce divine, l'amour maternel et la royauté spirituelle.

    Notre objet du jour : une très ancienne statuette de la Vierge à l'Enfant, bénissant, taillée dans la pierre.

    Avant toutes choses, il faut bien noter la chance que nous avons eu pour cet objet de réussir à reconstituer une partie de son histoire grâce à ' l'histoire parlée ' qui se répète de génération génération et qui fut ici très riche de renseignements !
    Il s'agirait d'une petite statuette sculptée dans les années 1760 à 1780, dans le Nord de l'Italie, pour un riche marchand local.
    A l'époque du ' Traité de Campo-Formio ' lors de la Campagne d'Italie ( 1796-1797 ), l'un des gradés de l'armée napoléonienne, a réquisitionné la villa d'un riche marchand local, dans la région de Pordenone,  plus précisément pour en faire une étape agréable ... Lorsqu'il quitta les lieux, il prit avec lui quelques objets, qu'il considérait comme des souvenirs, des trophées, pour les ramener avec lui.
    Cette superbe sculpture de la Vierge à l'Enfant fut ensuite déposée dans la chapelle d'un hôtel particulier, fort probablement le fameux " Hôtel Le Marois ", hôtel particulier et résidence du Comte Le Marois, richissime châtelain et collectionneur compulsif ...
    Apparemment, lors de la " Grande Guerre ", après le Siège de Paris ( 1870-1871 ), cet hôtel fut pris d'assaut, totalement pillé et notre statue fut  ... portée disparue ...
    On la retrouva ensuite, par le plus grand des hasards, dans la famille d'un personnage ' haut en couleur ' qui aurait été, tradition orale familiale oblige, un ancien grognard de l'Empereur, à l'époque au service du Général Le Marois ... comme le Monde est petit ... :)
    Depuis, elle s'est promenée de chapelle en chapelle, de collectionneur en amateur d'Art ...
    Bien belle histoire, donc !
    Certes, après tous ces épisodes, il ne fat pas s'attendre à la retrouver en parfait état, mais elle est cependant fort bien conservée, portant une patine à peine marquée, portant également dans sa pierre toute sa genèse et son histoire.
    dimensions : 33x12x11 centimètres
    poids : 4,300 kg environ
    datation : 1770 env.
        enjoy :)
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  • share read star Une ancienne trancheuse à pain vintage pour une belle déco
    Thursday 28 March 2024 - 11:51
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Raadvad
    Raadvad : une marque emblématique du design Danois
     Les trancheuses à pain de la marque RAADVAD sont des pièces de collection prisées pour leur design industriel vintage et leur qualité durable. Modèle du design Danois, dont les meilleurs exemplaires portent la " Couronne Royale " et la lettre " R ", elles font désormais le bonheur des décorateurs d'intérieurs, des collectionneurs à la recherche d'authenticité, de design et d'objets vintages...

    A quoi sert une trancheuse à pain ?

    Une trancheuse à pain est un appareil conçu pour découper le pain rapidement et de manière uniforme. Elle peut être utilisée à la fois dans un cadre domestique et professionnel. Voici quelques points clés sur son utilisation :
    - **Modèles manuels et électriques** : Il existe des trancheuses à pain manuelles, souvent utilisées à la maison, et des modèles électriques, plus adaptés aux boulangeries et aux cuisines professionnelles.
    - **Tranchage précis et rapide** : Ces appareils permettent de trancher des pains en grande quantité et selon l'épaisseur souhaitée, ce qui est particulièrement utile lorsqu'il faut préparer de nombreuses tranches de manière efficace.
    - **Sécurité d'utilisation** : Il est recommandé de porter des gants de sécurité, en particulier des gants résistants à la coupure, car les lames sont très tranchantes. Il est également conseillé d'utiliser un poussoir pour éviter tout contact direct avec la lame pendant le tranchage.
    En somme, une trancheuse à pain facilite la découpe régulière et sécurisée du pain, tout en économisant du temps et de l'effort par rapport à la coupe manuelle avec un couteau.
    Les collectionneurs de " trancheuses à pain ", ne portent pas de nom spécifique, mais puisque l'on pourrait assimiler cet objet à un " ustensile de cuisine ", on peut donc les appeler des " cuisinophiles " ...  :)

    Qualité et Design Scandinaves : la trancheuse à pain RAADVAD.

    La trancheuse à pain Raadvad est un outil classique et robuste, apprécié pour sa capacité à trancher le pain avec précision et facilité. Fabriquée au Danemark, elle est connue pour sa qualité et sa durabilité, souvent réalisée en fonte épaisse, acier inoxydable et bois dur. Le modèle emblématique 294 est particulièrement célèbre pour son design ajustable, permettant de couper des tranches de différentes épaisseurs selon les besoins.
    L’usine Raadvaddam a été fondée en 1759 dans la ville danoise de Raadvaddam. La manufacture ne se concentrait pas sur les produits de luxe, selon un catalogue de la manufacture de 1805, mais sur les biens utiles aux professionnels. Cette philosophie n’a jamais changé. Raadvad a commencé à se spécialiser dans les produits de couteaux et trancheuses à pain de très bonne qualité. Cela comprenait également un changement de nom, le nom de l’usine a changé en : Raadvad Knife usines. L’usine existe depuis plus de 250 ans et est internationalement connue pour sa haute qualité. Ove Larsen a conçu la trancheuse à pain Raadvad en 1939. Le design est maintenant une icône du design danois !
    *** Ces objets sont très recherchés pour leur solidité, mais également pour leurs qualité décorative par de nombreux décorateurs d'intérieur.
    *** Les modèles plus anciens, portant la patine d'usage et du temps, sont eux devenus de véritables pièces de collection !!!

    Notre objet du jour : trancheuse à pain Raadvad en fonte, bois et acier.

    Raadvad - Trancheuse à pain - fonte - Danemark - Design - Vintage - Décoration - Fonctionnel - 1930
    Ce coupe-pain industriel Raadvad n°295 a été breveté par Royal Raadvad en 1935 au Danemark.
    Ove Larsen a conçu la trancheuse à pain Raadvad en 1939.
    Son design est maintenant une icône du design danois !
    Modèle marqué en relief dans la masse, RAADVAD entouré de deux couronnes ainsi que du ' R ' pour ' royal '.
    Ils l'utilisaient pour couper du pain de seigle, des baguettes, etc.
    Numéro de modèle : n°294
    La planche à pain mesure 19 cm de long env.
    Celui-ci a une belle palette de couleurs beige patinée et c'est notamment cette patine qui la rend aussi attractive !
    Ce n'est pas un objet 'neuf' mais bel et bien un modèle originale, vintage et design, qui va obligatoirement décorer votre cuisine, votre vitrine ou tout autre endroit où il sera disposé. Si vous voulez l'utiliser, c'est tout à fait possible après un petit coup de chiffon mouillé et, éventuellement, un léger affutage de la lame en acier trempé.
    Très décoratif, bon état.
    Créateur : Ove Larsen
    matières : fonte, acier, bois
    état : sortie de tiroir, à nettoyer ou non, aucun choc ne pouvant nuire à la structure ou à son bon fonctionnement.
    dimensions : 35,5 x 25 x 25 cm
    poids : 2950 grammes
    Période : années 1930
    Origine : Danemark
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  • share read star Les productions d'Armand Frenais
    Monday 25 March 2024 - 11:38
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    Armand Frenais
    Armand Frenais : les poinçons du Maître-Orfèvre
     Armand FRENAIS était l'un des Principaux Fabricants d'Argenterie à Paris de 1877 à 1927 et cette marque de qualité est restée celle d'une Maison Renommée et Prestigieuse.

    Qui était Armand Frenais ?

    Armand Frénais était un maître orfèvre français actif de la fin du XIXe siècle jusqu'au début du XXe siècle. Ses œuvres comprennent divers objets en métal argenté, tels que des couverts, des services à thé et à café, ainsi que des pièces décoratives. Elles sont appréciées pour leur qualité et leur design et peuvent être trouvées dans des collections d’antiquités ou des ventes aux enchères.
    Il a été insculpé le 13 septembre 1877 et son poinçon a été biffé le 8 septembre 1927. Ses créations sont souvent disponibles à l'achat sur des sites d'antiquités et peuvent être identifiées par son poinçon de maître orfèvre distinctif.

    Quel est le poinçon de maître de A. Frenais ?

    Le premier et le plus important porte les initiales "AF" encadrant une ancre, dans un carré, souvent accompagné d'un autre poinçon noté " A. FRENAIS " en toutes lettres dans un rectangle.
    Comment identifier un objet créé par Armand Frenais ?
    Pour identifier un objet créé par Armand Frénais, vous pouvez rechercher son poinçon distinctif. Le poinçon d'Armand Frénais est composé de ses initiales * AF * accompagnées d'une * ancre *. Ce poinçon est généralement apposé sur une partie discrète de l'objet en métal argenté. En plus du poinçon, la qualité du travail et le style des pièces peuvent également indiquer qu'elles sont l'œuvre de Frénais, surtout si elles datent de la période où il était actif, entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle.

    Quelle est la valeur des œuvres d'Armand Frénais ?

    La valeur des œuvres d'Armand Frénais peut varier en fonction de plusieurs facteurs, tels que la rareté, l'état de conservation, et l'intérêt des collectionneurs.
    Sur des sites d'enchères et d'antiquités, les prix peuvent aller, approximativement, de 22,00 EUR pour une cuillère saupoudreuse à 345,00 EUR pour une paire de bougeoirs en bronze argenté¹. Un rond de serviette en argent massif peut être estimé à 90 €. Il est important de noter que ces prix sont indicatifs et peuvent fluctuer selon le marché et la provenance des pièces. Pour une évaluation précise, il est conseillé de consulter un expert en antiquités ou un évaluateur professionnel.

    Notre objet du jour : un gobelet signé Armand Frenais.

    Une fort belle pièce en bon métal argenté réalisée par un maître orfèvre parmi les plus connus de son époque.
    Marqué en creux du nombre ' 229 '
    poinçons visibles : grammage, maître orfèvre A&F encadrant une ancre, en toutes lettres " A. FRENAIS.* ", Insculpé le 13 septembre 1877 et biffé le 8 septembre 1927, 77 boulevard Richard-Lenoir, Paris.
    état : habituelles traces d'usage, micro-rayures, pas de choc pouvant nuire à sa structure, belle brillance.
    dimensions : 7,5 x 7 x 5
    poids : 160 grammes
    époque : fin XIXème / début XXème
    circa : 1890
        enjoy  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Paul Jacquet, céramiste : sa Vie, son Œuvre.
    Wednesday 20 March 2024 - 15:08
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Paul Jacquet
    Paul Jacquet : Poteries Savoyardes et Céramiques de Collection
     Paul Jacquet était un grand céramiste des années 30, connu pour son travail avec Primavera et les artistes de l'UAM, comme René Herbst. Ses œuvres sont exposées dans les musées de Tokyo et Montréal. Il était installé à Annecy et exécutait les pièces d'après les dessins de René Herbst ou de Francis Jourdain. Une de ses œuvres notables est une coupe circulaire en céramique émaillée brun à lustre métallique et frise géométrique en pourtour dans les tons de bleu et de jaune, créée vers 1930.

    Ce qu'il faut savoir sur Paul Jacquet, sa vie et son œuvre.

    * Paul Jacquet est né à Pers Jussy le 23 Juin 1883.
    Après une enfance heureuse, il devient instituteur, comme son père, tout en préparant le professorat de dessin. Aux Beaux-Arts de Genève, il se passionne pour les clairs-obscurs de Rembrandt et les estampes d'Hokuzaï. Il deviendra un professeur enthousiaste et le restera jusqu'à sa retraite.
    Passionné de céramique, mais étant fonctionnaire, il ne peut en faire le commerce à grande échelle, il va donc créer un atelier, en Savoie, vers 1913. Il mènera toute sa vie les deux activités conjointement.
    Il commence à réaliser des céramiques dans la tradition savoyarde mais en harmonisant la forme à ses dessins et à ses couleurs. Devenant membre de la Société des Beaux-Arts de Savoie puis de la Société des Artistes Décorateurs, il est amené à beaucoup exposer.
    Il collabore avec les ateliers PRIMAVERA entre 1920 et 1925. A la même époque, deux autres " Décorateurs ", parisiens font appel à lui René HERBST (1891-1982) et Francis JOURDAIN (1876-1958).
    A l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris, le céramiste propose des pièces simples, à fond blanc, ponctuées de dessins géométriques ou floraux stylisés bien dans l'esprit moderniste de l'époque, il reçoit d'ailleurs la médaille d'Or. C'est la consécration qui entraîne de nombreuses commandes et des visites prestigieuses dans son atelier comme le Gouverneur de l'Ile Maurice, la famille Vuitton ou les Besnard.
    Jean BESNARD (1889-1958) venant d'une famille de peintre murira sans doute sa vocation céramique à son contact.
    Avec toujours une idée de résonance symétrique du sujet avec l'objet, les œuvres de Paul Jacquet sont imprégnées de motifs des civilisations anciennes, réinterprétés et recolorisés à sa manière, de motifs floraux géométrisés en souplesse ou de motifs simples et méthodiques dans l'esprit de l'Art africain.
    Il produira jusqu'en 1959 laissant après le blanc, des céramiques à fonds turquoise et rouge antique très emblématiques.
    * Il s'éteint à Annecy le 4 Mai 1968.

    Qu'est-ce que la Société des Artistes Français ?

    La **Société des Artistes Français** est une association loi de 1901 fondée en **1881**. Elle a été créée notamment pour gérer le **Salon des artistes français**, une exposition annuelle qui succède au Salon de peinture et de sculpture³. Ce salon est un événement parisien organisé par des artistes pour des artistes, où plus de **600 artistes contemporains** exposent chaque année². Il s'inscrit dans une tradition historique, puisque les artistes font vivre le Salon depuis plus de trois siècles². Le Salon des Artistes Français est donc une plateforme importante pour les artistes pour présenter leurs œuvres et pour le public pour découvrir l'art contemporain.

    Qu'est-ce que l'UAM ?

    L’UAM, ou " Union des Artistes Modernes ", était une association d’architectes, de décorateurs et d’artistes industriels français fondée en 1929. Elle promouvait le modernisme en architecture et en design, prônant la fonctionnalité, l’utilisation de nouveaux matériaux et techniques, et une esthétique épurée. Des membres notables incluent Le Corbusier, Robert Mallet-Stevens, et Charlotte Perriand. L’UAM a joué un rôle crucial dans le développement du design moderne en France jusqu’à sa dissolution en 1958.
    Il est important de noter que l’acronyme UAM peut avoir plusieurs significations, mais dans le contexte de Paul Jacquet et de l’art, il se réfère spécifiquement à l’Union des Artistes Modernes.

    Notre objet du jour : Pichet sur fond turquoise à motif tribal.

    Une très belle production de Paul Jacquet, potier savoyard à Annecy (1882-1968).
    Les céramiques à fond turquoise sont assez emblématiques de son travail notamment avec des décors qui s'inspirent généralement de l'art tribal.
    Il existe plusieurs signatures "PJ" imbriqués pour le tampon en creux et "P. Jacquet" manuscrit ou "Jacquet" à la pointe, ce qui est bien le cas ici:)
    état : une glaçure et des -couleurs irréprochables, juste un infime petit choc sur le bord
    dimensions : 14 x 18 x 14 cm
    poids : 850grs
    époque :XIX/XXème
    circa : 1940
    ..... enjoy   :)
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  • share read star Des anciens jouets en fonte à collectionner
    Tuesday 19 March 2024 - 11:43
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    The Nodders
    The Nodders : Un Ancien Jouet en fonte polychrome
     Les anciens jouets conservent en eux des souvenirs qui nous attachent au passé et à de nombreuses autres choses, créant ainsi non seulement une sorte de nostalgie, mais également une passion, une envie de les collectionner ...

    L'usine Kenton Hardware Company.

    La Kenton Hardware Company était autrefois l'une des plus grandes usines de jouets en fonte au monde. Voici quelques informations sur cette entreprise :
    - Origines : La société a été initialement constituée en mai 1890 sous le nom de Kenton Lock Manufacturing Co.. À l'origine, elle fabriquait des serrures pour réfrigérateurs brevetées par M. F. M. Perkins de Cleveland. Cependant, en raison de litiges sur les brevets entre M. Perkins et l'usine de serrures, la société a commencé à produire des jouets en fonte.
    - Jouets en fonte : La Kenton Hardware Company a produit une variété de jouets, notamment des cuisinières miniatures, des cochons tirelires, des véhicules hippomobiles, des automobiles et des pistolets à capsules.
    - Innovations : Sous la direction de L. S. Bixler, la Kenton Hardware Company a introduit plusieurs conceptions innovantes, telles que les radios miniatures et les boîtes aux lettres.
    - Fin de la production : Malheureusement, la production de jouets par la Kenton Hardware Company a pris fin en 1952¹²³.
    C'est une entreprise qui a laissé une empreinte durable dans le monde des jouets en fonte !

    Quels sont les jouets Kenton les plus rares ?

    Parmi les jouets produits par la Kenton Hardware Company, certains sont considérés comme particulièrement rares et recherchés par les collectionneurs. Voici quelques-uns des jouets Kenton les plus rares :
    * Wagon vert en fonte : Ce wagon en fonte est un objet de collection convoité. Il est rare de trouver des exemplaires en bon état, et leur valeur est élevée.
    * Pompe à incendie en fonte d’origine : Les pompes à incendie fabriquées par Kenton sont très recherchées. Elles étaient souvent produites en fonte et présentaient des détails minutieux. Une pompe à incendie Kenton en bon état est un trésor pour les collectionneurs.
    * Jouets automobiles des années 1930 : Kenton a produit des jouets automobiles en fonte dans les années 1930. Les modèles de voitures, camions et autres véhicules de cette période sont rares et très appréciés par les amateurs de jouets anciens.
    * Petits jouets automobiles : Les jouets automobiles Kenton de petite taille, mesurant entre 4 et 6 pouces de long, sont également recherchés. Ils étaient souvent vendus à bas prix (10 cents ou 25 cents) et sont devenus des objets de collection prisés.

    The Nodders et Happy Hulligan.

    Quant à Happy Hooligan, c’est une série de bande dessinée humoristique réalisée par l’Américain Frederick B. Opper. Elle a été publiée chaque dimanche dans le New York Journal du 11 mars 1900 au 14 août 1932. L’histoire raconte les aventures d’un clochard bien intentionné qui rencontre beaucoup de malheurs et de mauvaise chance, en partie à cause de son apparence et de sa position sociale basse, mais qui ne perd jamais son sourire. Il est contrasté par ses deux frères, le maussade Gloomy Gus et le snob Lord Montmorency, tous aussi pauvres que Happy. Happy Hooligan a été un succès considérable et est devenu l’un des premiers comic strips populaires avec le King Features Syndicate.

    Les anciens jouets en fonte : quelques exemples.

    Les jouets en fonte anciens ont une histoire fascinante et sont très prisés par les collectionneurs.
    Ces jouets en fonte anciens sont des témoins de l’histoire du jeu et de l’imagination, et ils continuent d’enchanter les collectionneurs du monde entier !
    Voici quelques-uns des jouets en fonte anciens :
    * Tête de cheval tricycle en fonte (XIXe siècle) : Ce jouet combine la robustesse de la fonte avec l’amusement d’un tricycle. Il est rare et recherché par les amateurs de jouets anciens.
    * Lot de dinette en fonte d’aluminium avec réchaud et cocottes : Ces ensembles de dinette en fonte étaient populaires au début du XXe siècle. Ils comprenaient souvent des mini-casseroles et des ustensiles de cuisine en fonte pour les enfants.
    * Ancien jouet en bois et fonte : Cheval tricycle : Ce jouet du XIXe siècle associe la chaleur du bois au poids solide de la fonte. Il est rare et convoité par les collectionneurs.
    * Ancien jouet de cuisinière en fonte pour poupée : Ces mini-cuisinières en fonte étaient des répliques de cuisinières grandeur nature. Elles étaient souvent utilisées pour jouer à la dînette avec des poupées.
    * Ancienne grenouille en fonte de fer pour le jeu de la grenouille : Ce jouet unique était utilisé dans un jeu traditionnel où l’on devait lancer des anneaux sur la grenouille. Il est rare et apprécié des collectionneurs.
    * Chariot de pompier tiré par deux chevaux : Ce chariot de pompier en fonte est complet et représente un bel exemple de jouet ancien de qualité.
    * Cariole de vente de glace : Ce jouet en fonte était probablement utilisé pour vendre de la glace ou d’autres produits. Il est rare et recherché.
    * Ancienne machine à coudre d’enfant en fonte marquée “Germany” : Cette petite machine à coudre en fonte était destinée aux enfants et est un objet de collection prisé.
    * Un ancien chariot dirigé par un personnage à la tête qui se balance, tirée par un cheval ou un âne avec un tapis de selle marqué " The Nodders ".

    Notre objet du jour : The Nodders - Jouet en fonte polychrome - Happy Hulligan - PARA BD - US - 1905

    Ancien Jouet en fonte polychrome : Singe à la tête mobile conduisant une mule portant un caparaçon rouge marqué "The nodders".
    * Numéroté 400 sur le siège *
    " Happy Hooligan " en fonte : un jouet Nodder fabriqué par Kenton Hardware Co.
    Personnage de bande dessinée en fonte Le personnage Nodder mesure environ 6 1/4" de long au total, 6 1/2" de haut sur 2 1/2" de large.
    * RARE pièce en état complet / numéroté 400 *
    Ce jouet représente une bande dessinée originale en fonte Bobble Head, figurine surdimensionnée du personnage Happy Hooligan
    assis sur un wagon de type chariot qui est tiré par un mulet ou un âne.
    La Mule porte une couverture rouge avec un texte moulé qui dit : "The Nodders".
    Le corps de Happy est peint en vert pour ressembler à un costume et sa tête est moulée séparément et pivote sur une sorte de piquet à double fourche, créant l'effet de " hochement de tête " tel un personnage " Bobble Heads ".
    ( nodders = hochements de tête )
    Les corps de Mule, Buckboard et Happy Hooligan sont moulés ensemble tandis que sa tête est moulée séparément.
    Il s'agit d'un très vieux jouet original en fonte, fabriqué par Kenton Hardware Company. Kenton Hardware Co. était autrefois l'une des plus grandes usines de jouets en fonte au monde.
    Etat : très bon état avec une certaine usure de la peinture, inévitable de par son âge, inévitable de par son utilisation, mais qui luis confères une superbe patine.
    Pas de manque ni de lésion pouvant nuire à la structure de l'objet.
    ( même les rênes d'origine ont été conservés ! )
    dimensions : 16 x 17 x 7 cm env.
    poids : 500 gr. env.
    circa : 1905
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  • share read star Objets de Publicité et Collection : les Barils de Lessive
    Saturday 09 March 2024 - 17:30
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Jeu de Flipper
    Jeu de Flipper : les surprises des barils de lessives
     Non, non ne riez pas, de nombreux collectionneurs sont à la recherche de petits objets vintages ou thématiques comme ces petits ' plus ' que l'on pouvaient trouver, jadis, dans les Barils de Lessive ... la preuve ...

    Des Barils de Lessive comme support publicitaire : cadeau et Idées Déco !

    Les Mondes des produits de Lessive a toujours été très inventif en ce qui concerne la publicité et ... les barils de lessive vintage nous réservaient de belles surprises.
    Dans les années 60-70, les barils de lessive étaient couramment utilisés pour conditionner la lessive machine.
    Ces barils cylindriques ou rectangulaires (parallélépipédiques pour être plus précis) étaient souvent décorés une fois vidés de leur lessive et la lanière retirée.
    Ils servaient alors de boîtes de rangement, de porte-parapluies ou même de poubelles.
    Le recyclage était déjà à l'honneur à cette époque ... :)
    Les surprises des barils de lessives.
    Un peu comme le très fameux " cadeau Bonux ", pour les petits conditionnements, ce qui est amusant, c'est que certaines publicités de l'époque ne mettaient pas particulièrement en avant la qualité de la lessive, mais plutôt l'utilisation créative du baril une fois vide.
    Voici quelques exemples intéressants :
    1 - Barils décorés avec des thèmes clés en main :
    * Certains barils étaient vendus déjà décorés.
    Par exemple, un tonnelet de lessive Matic en 1967, une fois vidé de son contenu et l'étiquette retirée, se transformait en un joli baril mappemonde. De même, le baril Persil proposait deux modèles différents : l'un sur le thème des soldats de Napoléon et l'autre avec une tête du Père Noël cartonnée à l'intérieur.
    * Chez Dash, on trouvait même un rouleau de papier Vénilia dans chaque baril pour le décorer et obtenir de "superbes corbeilles de valeur" !
    * Certains chanceux ont eu droit à un baril Astérix avec des bulles à lire tout autour, ou encore un baril Tintin avec un poster en cadeau.
    2 - Barils en métal :
    * Certaines marques comme Persil vendaient également des barils décorés en métal. Ils étaient plus solides que la version carton, mais souvent sujets à la rouille. Les décors incluaient des fleurs, des animaux et des paysages.
    3 - Barils de formes insolites :
    * Dash avait même fabriqué des barils plastique en forme de tabouret Tam Tam, très en vogue dans les années 70.
    * Ariel et Dash ont également sorti des barils en plastique rouges en forme de bottes de Père Noël. Ces derniers pouvaient s'ouvrir pour ranger des jouets et servir de tabouret.
    En somme, ces barils de lessive décorés étaient bien plus que de simples contenants : ils étaient des objets créatifs et pratiques dans nos foyers !

    Un jouet dans le couvercle d'un baril de lessive : pour les vrais passionnés.

    Les jeux cachés dans les couvercles des barils de lessive étaient en effet une petite merveille de créativité et d'amusement.
    Voici quelques exemples de ces jeux ingénieux :
    ** Le Jeu de la Marelle :
    Certains barils de lessive avaient un couvercle avec un motif de marelle (ou jeu de saute-mouton). Les enfants pouvaient utiliser une petite pierre ou un bouchon pour jouer à la marelle en sautant d'une case à l'autre. C'était une façon amusante de s'occuper pendant la lessive !
    ** Le Jeu de Flipper :
    Certaines marques, Persil principalement, plaçaient à l'intérieur du couvercle des jeux plus importants que l'on découvrait après ouverture. La création astucieuse de la marque Persil fit un véritable tabac : il s'agissait d'un véritable petit flipper à billes, en plastique sérigraphié qui permettait de jouer et rejouer comme sur les grands modèles.
    ** Le Jeu de Cache-Cache :
    D'autres couvercles avaient des illustrations de personnages, d'animaux ou d'objets. Les enfants pouvaient inventer des histoires en utilisant ces images comme base. Parfois, le couvercle devenait une cachette secrète pour des petits trésors ou des messages.
    ** Le Jeu de Devinettes :
    Certains fabricants imprimaient des énigmes, des charades ou des devinettes sur les couvercles.
    ** Le Jeu de Tic-Tac-Toe :
    Des barils avaient un espace pour dessiner un jeu de tic-tac-toe (morpion) sur le couvercle. Les enfants pouvaient utiliser un morceau de craie ou un feutre effaçable pour jouer contre un ami ou même contre eux-mêmes.
    ** Le Jeu de Labyrinthe :
    Certains couvercles avaient des labyrinthes imprimés. Les enfants pouvaient essayer de guider un petit objet (comme un bouton) à travers le labyrinthe jusqu'à la sortie.

    Ces jeux étaient une façon astucieuse de transformer un simple couvercle de baril en une source d'amusement et d'imagination pour les enfants. Ils ont ajouté une touche ludique à la corvée de lessive ! Ils ont aussi énormément contribuer au succès de certaines marques et leur succès à, pour certains, perduré jusqu'à nous en faisant même de belles pièces de collections publicitaires ou de jouets vintages ...

    Voyez notre flipper PERSIL ci-dessous ...
    enjoy ...  :)
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  • share read star Les Désenchantées - Pierre Loti
    Monday 04 March 2024 - 16:52
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Les Désenchantées
    Les Désenchantées : une des œuvres de Pierre Loti, illustrée par A. Calbet
     Pierre Loti, amoureux des voyages, amoureux entre autres des femmes ottomanes, défenseur de la liberté des femmes, ce grand écrivain qui fut aussi un grand voyageur nous fait voyager tous au long de ses écrits ...

    Qui était Pierre Loti ?

    "Pierre Loti", de son vrai nom "Louis-Marie-Julien Viaud ", était un écrivain et officier de marine français.
    Il est né le 14 janvier 1850 à Rochefort et décédé le 10 juin 1923 à "Hendaye"
    Il a laissé une empreinte durable dans la littérature.
    Voici quelques éléments clés de sa vie et de son œuvre:
    1 - Voyages et Inspirations :
    - Pierre Loti a puisé dans ses voyages pour écrire ses romans. Par exemple, son séjour à "Tahiti" a inspiré *Le Mariage de Loti* (également connu sous le nom de *Rarahu*) en "1882".
    - Son expérience au "Sénégal" a donné naissance au roman *Le Roman d'un spahi* en "1881".
    - Son séjour au "Japon" a inspiré *Madame Chrysanthème* en "1887".
    2 - Attirance pour la Turquie :
    Pierre Loti a toujours été fasciné par la "Turquie", où la sensualité occupait une place importante. Il l'illustre notamment dans ses œuvres *Aziyadé* (1879) et sa suite *Fantôme d'Orient* (1892).
    3 - Exploration de l'Exotisme Régional :
    Outre ses voyages lointains, Pierre Loti a également exploité l'exotisme régional dans certaines de ses œuvres les plus célèbres.
    Il a notamment décrit la "Bretagne" dans le roman *Mon frère Yves* (1883) et l'atmosphère du "Pays basque" dans *Ramuntcho* (1897).
    4 - Membre de l'Académie française :
    - À partir de "1891", Pierre Loti a été membre de l'"Académie française".
    - Il a reçu des funérailles nationales et est enterré à "Saint-Pierre-d'Oléron", sur l'île d'Oléron, dans le jardin d'une maison ayant appartenu à sa famille.
    - Sa maison à "Rochefort" est aujourd'hui un musée.
    En résumé, Pierre Loti a laissé une empreinte indélébile dans la littérature française grâce à ses récits romantiques, impressionnistes et fantasques, nourris par ses expériences maritimes et ses amours.

    Les Désenchantées : un petit résumé de cette fort belle oeuvre ...

    Dans le roman "Les Désenchantées", Pierre Loti, l'amoureux d'Istanbul, se fait la voix des femmes des harems dans les dernières heures de l'Empire ottoman.
    Trois femmes de la haute société entrent en contact avec André Lhéry, un écrivain et diplomate français en poste dans l'ancienne Constantinople. Ces échanges complexes, passionnés et violents se déroulent entre l'auteur et ces femmes encore prisonnières de leurs voiles et d'un mode de vie carcéral. Le livre explore leurs vies, leurs émotions et leurs conditions, tout en dépeignant la beauté d'Istanbul et l'ambiance unique de la ville.
    Djénane, Zeyne et Melek, trois sœurs de cœur et d'infortune, vivent enfermées dans un harem à Constantinople. Djénane, amoureuse d'André Lhéry, ose écrire une lettre à l'écrivain. Malgré les dangers, elles parviennent à rencontrer l'homme lors d'escapades interdites. Le roman relate leur terrible condition et l'amitié profonde qui se noue entre elles et l'écrivain.
    Pierre Loti nous transporte dans l'atmosphère envoûtante de Stamboul au début du XXe siècle, où les femmes tentent de franchir les barrières qui les condamnent à la réclusion dans des prisons dorées. L'auteur exprime son amour pour la ville turque tout en dénonçant la prise en otage à vie de ces jeunes femmes mariées de force et condamnées à masquer leur silhouette et leur visage sous de lourds costumes de fantômes.
    "Les Désenchantées" finalement constituent une histoire d'amour, un récit de voyage et une exploration des dilemmes culturels et sociaux de l'époque, tout en plaidant, déjà à cette époque,  pour l'émancipation des femmes turques ...

    Notre LIVRE du jour:

    Les Désenchantées - Pierre Loti - A. Calbet - Calman-Lévy - 1936
    Les Désanchantées de Pierre Loti, illustrations de A. Calbet, Calman-Lévy éditeur
    Tirage sur Vélin à la Forme Bernard-Dumas.
    Typographie Brodard; Héliogravure Aulard, pochoirs de Beaufumé; hors-texte avec pochoirs de Jacomet.
    Edition originale.
    Paris Éditions Calmann-Lévy 1936. Broché couverture à rabat. 312 pages édition sur vélin à la forme Bernard- Dumas illustrations originales dont certaines pleine page coloriées au pochoir. Texte de Pierre Loti illustrations au pochoir de A. Calbet.
    Bon état général; infime insolation à la couverture ( sous plastique ); légers décollements; intérieur très frais et propre; feuillets de protection encore présents.
    dimensions : 23 x 18,5 x 4 cm
    poids : 1050 grammes

    enjoy :)
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  • share read star Soldats de plomb : l'épopée de Napoléon
    Tuesday 27 February 2024 - 18:33
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Soldats de Plomb
    Soldats de Plomb : une collection sur Napoléon et les grands moments de sa vie
     On ne compte plus les collectionneurs de figurines en plomb, souvent peintes à la main, on ne compte plus non plus les passionnés de l'Histoire Napoléonienne, alors quand un éditeur décide de lancer une collection avec les deux thématiques réunies, elle rencontre obligatoirement un franc succès ...
    Si vous êtes intéressé par les soldats de plomb de l'époque napoléonienne, vous allez pouvoir trouver ici une bonne quantité de renseignements et de détails ...
    Il s'agit de figurines en métal représentant les différents corps d'armée de la Grande Armée de Napoléon Bonaparte, le célèbre empereur français qui a régné de 1804 à 1815.
    Ces soldats de plomb sont des objets de collection, de décoration ou de reconstitution historique. Ils illustrent l'histoire, les uniformes, les batailles et les personnages de l'épopée napoléonienne.

    Comment et où sont fabriqués les soldats de plomb ?

    Les soldats de plomb sont fabriqués à partir d’un alliage de plomb, d’étain et d’autres métaux, qui est fondu et coulé dans des moules en bronze ou en acier.
    Les figurines sont ensuite ébarbées, soudées et peintes à la main, avec un grand souci du détail et de la fidélité historique.
    Ce savoir-faire artisanal se transmet depuis plus de deux siècles dans certains ateliers français, comme celui de C.B.G. Mignot, le dernier fabricant de soldats de plomb en France.
    Pour des raisons de qualification, de coût de production surtout, la grande majorité des réalisations actuelles est désormais faite ... à l'étranger ...

    Liste complète de la collection " COBRA "

    Une collection intitulée Napoléon, figurines de collections qu'a commercialisée Cobra éditions de décembre 2010 à avril 2013.
    Les 60 figurines produites en Chine sont au standard du 54 mm, 1/32ème, réalisées en alliage de plomb, avec un très bon rendu au niveau de la peinture, elles sont positionnées sur un socle épais, façon bois.
    Les figurines Cobra sur l'époque de Napoléon sont une collection de 60 figurines de plomb représentant des scènes et des personnages de l'histoire napoléonienne, inspirées de célèbres tableaux. Elles ont été commercialisées par Cobra éditions de décembre 2010 à avril 2013. Elles sont au standard du 54 mm, 1/32ème, et peintes à la main. Elles sont accompagnées de fascicules qui décrivent le contexte historique et artistique de chaque figurine.
    Les descriptifs des différentes figurines de la collection, par ordre de mise en vente :
    01 - Le général Bonaparte au pont d'Arcole en novembre 1796, s'inspirant de la peinture d'Antoine Jean Gros.
    02 - Le premier consul Bonaparte franchissant les Alpes en mai 1800, au Col du Grand-Saint-Bernard, s'inspirant de la peinture de Jacques-Louis David.
    03 - L'empereur Napoléon Ier a cheval en 1809 à la bataille de Wagram.
    04 - Le général Bonaparte a cheval en 1797 à la bataille de Rivoli.
    05 - Napoléon Ier sur le trône impérial.02/2011
    06 - Napoléon au retour de l'île d'Elbe.03/2011
    07 - Napoléon à la bataille des Trois Empereurs.
    08 - Napoléon Ier a cheval sur le champ de bataille d'Eylau.
    09 - Napoléon a cheval en Egypte, le vainqueur aux pyramides.
    10 - Napoléon Ier à la bataille d'Iéna passant a cheval devant ses troupes.
    11 - Napoléon Ier faisant ses adieux à sa garde.
    12 - Napoléon Ier blessé devant Ratisbonne.
    13 - Napoléon Ier le 25 prairial de l'an VIII, soit le 14 juin 1800 à la bataille de Marengo.
    14 - Napoléon Ier a cheval pendant la campagne de France.
    15 - Napoléon Bonaparte commandant en chef de l'armée d'Italie.
    16 - Napoléon 1er a cheval à la Bataille de Friedland.
    17 - Napoléon Bonaparte a cheval en Egypte.
    18 - Napoléon 1er à la bataille de Moskova.
    19 - Bonaparte au palais du Petit  Luxembourg.
    20 - Napoléon sur son cheval blanc, seul contre l'Europe.
    21 - Les derniers moments du maréchal Lannes à la bataille d'Essling.
    22 - Napoléon victorieux a cheval à Marengo.
    23 - Napoléon Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa.
    24 - Napoléon 1er en costume pour son sacre.
    25 - Napoléon 1er Harangue a cheval le 2ème corps de la grande armée à Augsbourg.
    26 - Napoléon a cheval vainqueur à Ulm.
    27 - Le général Bonaparte au Caire.
    28 - Napoléon Bonaparte signant la paix à Leoben.
    29 - Napoléon abdiquant à Fontainebleau le 11 avril 1814.
    30 - Bonaparte Premier Consul.
    31 - Bonaparte a cheval au col du Grand-Saint-Bernard.
    32 - Murat a cheval, le beau-frère de l'Empereur.
    33 - Lasalle a cheval, le meilleur des hussards.
    34 - Le Maréchal Masséna, l'enfant chéri de la victoire.
    35 - Napoléon, le grand stratège.
    36 - Napoléon à Milan en 1805, premier roi d'Italie.
    37 - Napoléon dans son bureau du Louvre.
    38 - Rapp, un comte d'Empire.
    39 - Berthier sabre en main, le chef d'état-major de l'Empereur.
    40 - Oudinot, le Dug de Reggio.
    41 - Bonaparte à cheval passant les troupes en revue.
    42 - Napoléon présentant le roi de Rome.
    43 - Bonaparte, vainqueur à Aboukir.
    44 - Le Général Desaix à Marengo.
    45 - Poniatovski, Prince de Pologne et Maréchal d'Empire.
    46 - Mongey à la Barrière de Clichy.
    47 - L'empereur Napoléon assis à la veille de la bataille de Wagram.
    48 - Napoléon à cheval et son état-major.
    49 - Napoléon sacré Empereur des Français.
    50 - Bessières, le colonel général de la garde.
    51 - Ney à cheval et sabre au clair, le brave des braves.
    52 - Brueys, le vaincu d'Aboukir.
    53 - Bonaparte s'empare du pouvoir.
    54 - Le générale Bonaparte à cheval dans la grande Mosquée du Caire.
    55 - Napoléon face à l'incendie de Moscou.
    56 - Davout, le Maréchal de fer.
    57 - Napoléon sur son lit de mort, à Sainte Hélène.
    58 - Bernadotte, un maréchal d'Empire qui fut aussi Roi de Suède.
    59 - Suchet, le Maréchal d'Empire et Duc d'Albufera.
    60 - Le Napoléon et le Roi de Rome, 1811.
    ++ La figurine du lieutenant 6ème Hussards, en 1814 et la figurine de Napoléon Bonaparte pendant sa campagne d’Égypte ont été mises en " cadeaux " aux abonnés.
    Normalement, à la vente, Chaque figurine en métal inspirée d'un tableau peint par un grand maître de l'époque, est accompagnée à l'origine d'un fascicule détaillant cette époque,
    avec de nombreuses informations historiques, le tout accompagné d'illustrations sur cette période.

    15 soldats de plomb pour représenter l'empereur à cheval.

    C'est notre sélection du jour, une petite partie de cette édition, ne représentant que des figurines représentant l'Empereur à cheval et toujours sur un lieu de bataille célèbre ...
    régalez-vous en visitant la galerie ci-dessous ( CLIC sur les vignettes = agrandir ! )
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  • share read star Raoul Ponchon et sa bohême
    Sunday 25 February 2024 - 16:37
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    La Muse au Cabaret
    La Muse au Cabaret : œuvre majeure de Raoul Ponchon
     Si il se considérait comme un petit rimailleur du quotidien, indigne d’une publication officielle, malgré cela, et malgré lui, parurent de lui un recueil de ses poèmes, La Muse au cabaret, en 1920, seul livre publié de son vivant.

    Qui était donc Raoul Ponchon ?

    Raoul Ponchon était un écrivain et chroniqueur de presse français, né le 30 décembre 1848 à Napoléon-Vendée et mort le 3 décembre 1937 à Paris. Il était ami avec Arthur Rimbaud et faisait partie du cercle des poètes zutiques.
    Il a écrit des poèmes humoristiques et parodiques, souvent inspirés par la bohème, l'absinthe et la gastronomie.
    Il a publié plusieurs recueils de vers, dont La Muse au cabaret (1920), La Muse gaillarde (1939) et La Muse frondeuse (1971).
    Il a également commenté l'actualité avec esprit dans ses " Gazettes rimées ".
    Il a été élu à l'Académie Goncourt en 1924 et décoré de la Légion d'honneur en 1932.
    Il est considéré comme l'un des maîtres de la poésie parodique en France ...
    En exemple, voici un extrait amusant du poème "Le veau réchauffé" de Raoul Ponchon, tiré de son recueil La Muse au cabaret :
    ' Le veau réchauffé est meilleur froid
    Quand il est chaud, il perd de sa saveur
    Et c’est pourquoi, quand je bois à ta santé
    Je bois du vin qui n’est pas de l’année.     '
    Ce quatrain est un exemple de la poésie parodique de Ponchon, qui se moque des conventions littéraires et des clichés sentimentaux.
    Il joue aussi sur le double sens du mot "froid", qui peut signifier à la fois "refroidi" et "indifférent". Il suggère ainsi que son amour pour la personne à qui il dédie son verre est moins sincère qu'il ne le prétend.

    La Muse au Cabaret - Présentation.

    La Muse au Cabaret est un recueil de poèmes humoristiques et parodiques de Raoul Ponchon, publié en 1920. Il s'agit de l'œuvre la plus célèbre de l'auteur, qui y célèbre la bohème, l'absinthe et la gastronomie avec un style léger et ironique. Ponchon y parodie aussi bien les classiques de la littérature que les événements de son époque, comme la Première Guerre mondiale ou la grippe espagnole. Il y montre son talent de versificateur et son goût pour les jeux de mots, les calembours et les contrepèteries.
    La Muse au Cabaret est un livre rare et original, qui témoigne de l'esprit gaulois et de la verve poétique de Raoul Ponchon.

    La Muse au cabaret - notre livre du jour.

    Aux éditions Rieder, Paris, 1938. In-8 (21 x 14 cm) broché, couverture rempliée et illustrée en couleurs, illustrations originales de Lucien Boucher, in-4, 318 pages.
    Exemplaire numéroté sur vélin blanc. Avec les illustrations de Lucien Boucher.‎
    Titre : La muse au cabaret
    Auteur : Raoul Ponchon.
    Illustrations : Lucien Boucher
    Date d'édition : 1938
    Reliure : broché
    Etat : Très bon, feuillets de protection conservés
    Détails techniques de publication.
    Une édition réalisée sous la direction de MARCEL LUBINEAU, achevée d'imprimer le 15 avril 1938 sur les presses du maître imprimeur J. DUMOULIN, à Paris et H. BARTHELEMY, directeur.
    Les aquarelles de LUCIEN BOUCHER ont été reproduites par DUVAL et BEAUFUME.
    Le tirage a été limité à 15 exemplaires sur Vélin de Hollande Van Gelder, numérotés de 1 à 15, auxquels on a joint une suite en noir des planches hors texte et une aquarelle originale; à 50 exemplaires sur Vélin de Rives, numérotés de 16 à 65, auxquels on a joint une suite en noir des planches hors texte et deux croquis originaux et à 2000 exemplaires sur Vélin Blanc, numérotés de 66 à 2065.
    ** Cet exemplaire porte le numéro : 1607
    On y trouve, en début d'ouvrage une dédicace " à mes très chers amis Jean Richepin et Maurice Bouchor en témoignage de ma profonde affection je dédie ces rimes familières ", signée aux initiales " R. P. " et suivi d'un extrait de texte de chacun.
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  • share read star Le chevalier Andréa de Nerciat ( personnalité, œuvre, érotisme et mystère )
    Saturday 24 February 2024 - 18:02
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Le Doctorat Impromptu
    Le Doctorat Impromptu : écrit par Andréa de Nercia et illustré par Klem
     Ce que l'on ignore très souvent de ce Chevalier " André-Robert Andréa de Nerciat " est qu'il fut un homme aux multiples facettes ... soldat, écrivain, diplomate, espion, agent double, le chevalier Nerciat eut une vie encore plus rocambolesque que les tourbillons licencieux de ses personnages.
    Si Les descendants de Nerciat tentent de masquer les activités du chevalier durant la période révolutionnaire, car il semble que Nerciat menacé par la gêne financière eut un parcours plutôt opportuniste, les livres qu'il laisse derrière lui sont très largement autobiographiques et proposent un miroir très fidèle des mœurs fort libres (mais sans leur corruption et leurs violences) de l’aristocratie française de l'époque que la réaction, lors de la Restauration post-napoléonienne, n’avait pas encore assombri de son implacable répression des mœurs.
    En somme, sa vie fut aussi dangereuse que son œuvre est joyeuse...

    Qui était Andéa de Nerciat ?

    Andréa de Nerciat était un écrivain français du XVIIIe siècle, né en 1739 et décédé en 1800.
    Plus précisément, André-Robert Andréa de Nerciat, né le 17 avril 1739 à Dijon et mort en janvier 1800 à Naples, est un romancier français connu pour ses œuvres libertines, notamment pour son roman posthume, Le Diable au corps. Il est surtout connu pour ses écrits érotiques et libertins. Son œuvre la plus célèbre est "Le Diable au Corps", publiée en 1786, qui est un roman érotique qui décrit les aventures sensuelles d'un jeune homme. Nerciat était un contemporain du marquis de Sade et était également associé au genre de la littérature libertine de son époque. Ses écrits étaient souvent audacieux pour son temps et ont suscité la controverse, mais ils sont aujourd'hui étudiés comme des exemples importants de la littérature érotique française du XVIIIe siècle.
    Andréa de Nerciat était un écrivain libertin français dont les œuvres étaient caractérisées par leur audace et leur exploration des thèmes de la sensualité et de l'érotisme.

    Voici quelques points supplémentaires sur sa personnalité.

    1. Style Libertin: Nerciat s'inscrit dans la tradition de la littérature libertine française du XVIIIe siècle, qui mettait en avant la liberté sexuelle et la transgression des normes sociales. Ses écrits étaient souvent provocateurs et osés pour son époque.
    4. Autres travaux: En plus de ses romans érotiques, Nerciat a également écrit des contes licencieux et des essais sur des sujets liés à la sexualité et à la morale. Ses écrits étaient souvent teintés d'humour et de satire, et il se plaisait à décrire les hypocrisies de la société de son époque.
    5. Réception et Influence: Bien que controversée à son époque en raison de son contenu explicite, l'œuvre de Nerciat a également été appréciée pour sa vivacité d'esprit et son style captivant. Son influence sur la littérature érotique et libertine s'est poursuivie au fil des siècles, et ses écrits continuent d'être étudiés et lus par les amateurs de littérature libertine et érotique.

    Quelles sont les différentes œuvres d'Andréa de Nerciat ?

    - Dorimon, le marquis de Clairville, comédie (jouée pour la première fois à Versailles le 18 décembre 1775)
    - Contes nouveaux. (1777)
    - Constance, ou l’Heureuse Témérité, comédie en trois actes, mêlée d’ariettes. (1780)
    - Félicia ou Mes Fredaines. (1782)
    - L’Étourdi. (1784)
    - Félicia ou Mes Fredaines (1775) : un roman qui raconte les aventures amoureuses d’une jeune femme libre et audacieuse.
    - Les écarts du tempérament, esquisse dramatique. (1785).
    - Le Doctorat impromptu (1788) : un roman qui met en scène un faux docteur qui dispense des leçons de plaisir à ses patientes.
    - Les Amants singuliers, ou le Mariage par stratagème, comédie en un acte et en prose. (1787)
    - Les Rendez-vous nocturnes, ou l’Aventure comique, comédie en un acte et en prose.((1787)
    - Liste de tous les prêtres trouvés en flagrant délit chez les filles publiques de Paris sous l'ancien régime, avec le nom et la demeure des femmes chez lesquelles ils ont été trouvés, et le détail des différents amusements qu'ils ont pris avec elles. Tirée des papiers trouvés à la Bastille. (1790)
    - Julie philosophe, ou le Bon Patriote. Histoire à peu près véritable, d’une citoyenne active qui a été tour-à-tour agent et victime dans les dernières révolutions de la Hollande, du Brabant et de la France. (1791)
    - Mon noviciat, ou Les Joies de Lolotte (1792) : un roman qui narre les expériences érotiques d’une novice dans un couvent libertin.
    - Monrose, ou Le Libertin par fatalité (1792) : un roman qui suit les péripéties d’un jeune homme entraîné dans le libertinage par son destin.
    - Les Aphrodites (1793) : un recueil de contes érotiques qui dépeignent les mœurs de la société parisienne. Un autre ouvrage notable de Nerciat est "Les Aphrodites", qui continue dans la même veine que "Le Diable au Corps" en explorant les plaisirs de la chair et les jeux érotiques.
    - Contes saugrenus (1799)
    - Le Diable au corps (1803) : un roman posthume qui relate les amours passionnées d’un couple infernal. Son œuvre la plus célèbre, "Le Diable au Corps", est un roman érotique qui raconte les aventures d'un jeune homme à travers une série de rencontres passionnées et de situations suggestives. Le roman est remarquable pour sa prose enlevée et son exploration franche de la sexualité. Ce titre est le même qu'une autre oeuvre écrite elle par Raymond Radiguet en 1923.
    Ces œuvres représentent une partie significative de la production littéraire d'Andréa de Nerciat et illustrent son engagement envers la littérature érotique et libertine de son époque.

    Voici un bref résumé de l'histoire racontée par Andréa de Nerciat dans son livre 'Le doctorat impromptu' :

    Erosie est une jeune femme qui sort du couvent pour se marier avec un homme qu'elle n'a jamais vu. Sur la route, elle rencontre un abbé qui se dit envoyé par son futur époux. L'abbé l'emmène dans une auberge où il lui présente le vicomte Solange, un jeune homme qu'il prétend éduquer aux plaisirs de l'amour. Erosie, séduite par le vicomte, se laisse initier aux joies de la chair, sous le regard complice de l'abbé. Mais ce dernier, jaloux et hypocrite, tente ensuite de faire chanter Erosie en menaçant de révéler sa conduite à son mari. Erosie, courageuse et ingénieuse, déjoue le piège de l'abbé et retrouve le vicomte, avec qui elle s'enfuit pour vivre heureuse.
    Le doctorat impromptu est un roman érotique et libertin, publié en 1788, qui critique la morale religieuse et la société de l'époque. Il est considéré comme une œuvre de philosophie amoureuse, qui invite à suivre son cœur et ses désirs...

    Notre live du jour.

    Il s'agit, bien entendu d'une version du " Doctorat Interrompu ", mais tirage qui cette fois ne se trouve pas spécialement en fort bon état dans son intégrité ...
    Il comporte malheureusement un emboitage d'éditeur assez mal conservé et quelques feuillets intérieurs se sont détachés avec le temps et les lectures ...
    *** Mais heureusement, tout cela ne rebutera pas un véritable passionné, un vrai bibliophile, car finalement on peut dire qu'il s'agit d'un document que l'on peut destiner à la " sauvegarde ", à la " reliure " et sa remise en belle forme en fera, sans aucun doute une véritable belle pièce de collection ou de bibliothèque ...
    Les illustrations réalisées par Klem sont de toutes beauté !
    Description de l'ouvrage:
    Andréa de Nerciat - Le Doctorat Impromptu - Illustrations de Klem - 1956
    édition de l'Ibis, Paris
    coloris exécutés à la main par les ateliers Edmond Vairel, enlumineur d'Art à Paris
    justificatif : tirage total limité à 1800 exemplaires, celui portant le n° 1537 / 401 à 1800, sur Vélin.
    état : cartonnage usé, intérieur TRÈS frais, mais quelques pages désolidarisées
    *** un spécimen destiné aux vrais bibliophiles ou à être ' relié ' avec goût.

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  • share read star Les anciennes charbonnières de nos aïeux
    Monday 19 February 2024 - 17:15
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    charbonnière
    charbonnière : un témoignage de notre passé
     contrairement à ce que l'on pourrait penser, ces charbonnières ne servaient pas à 'ramasser ' le charbon, comme l'on a fait beaucoup plus tard avec les seaux ou bacs à charbon, mais elles servaient réellement, surtout chez le petit peuple à ' fabriquer ' du charbon de bois ...

    Du charbon de bois pour alimenter les réchauds et autres appareils.

    Les anciennes charbonnières en fer ou en bois étaient des 'appareils' portatifs qui permettaient de produire du charbon de bois à petite échelle dans les maisons. Elles étaient constituées d’un récipient métallique percé de trous, dans lequel on plaçait du bois sec. On recouvrait ensuite le récipient d’un couvercle et on le posait sur un feu. Le bois se consumait lentement en dégageant des gaz, et se transformait en charbon de bois. Le charbon de bois ainsi obtenu servait à alimenter des réchauds, des fers à repasser, des lampes ou des poêles.
    Les charbonnières en fer ou bois étaient utilisées dans les maisons jusqu’au début du XXème siècle, avant d’être remplacées par le gaz, le pétrole ou l’électricité. Elles étaient pratiques car elles permettaient de produire du charbon de bois sans avoir besoin de se rendre dans les forêts, où les charbonniers fabriquaient le charbon de bois à grande échelle. Cependant, elles présentaient aussi des inconvénients, comme le risque d’incendie, la fumée, les odeurs et la pollution.

    Que sont devenues ces charbonnières ?

    Désormais inutiles, elles sont peu à peu disparues, jetées ou oubliées dans un coin, laissées aux ravages destructeurs du temps ... Heureusement pour nous, de tous ces objets de notre passé, nombreux quand même sont ceux qui ont réussi à parvenir jusqu’à nous, en bon ou moins bon état.
    Désormais ce sont les collectionneurs qui les prennent en charge comme témoignages de notre passé proche, d'autre plus inventifs les recherches avec passion pour les " détourner " et créer à partir de ces objets plus que vintages des concepts décoratifs beaucoup plus modernes et recherchés.

    Deux beaux exemples de charbonnières du XIXème siècle.

    1 - Charbonnière en métal et laiton : Un ancien seau ou bac à charbon, en métal ( fer, laiton, cuivre ), à poignée supérieure, décorations pour certaines charnières, bouton d'aide à l'ouverture; assemblages par rivets, boulons et écrous, pliures du métal.
    Peinture noire d'origine montrant les inévitables signes d'usage. Intérieur assez propre.
    Comporte 4 solides pieds sur les dessous.
    état : sortie de grenier, à nettoyer ou laisser tel quel selon vos idées de Déco :)
    *** Superbe objet de décoration très facilement détournable en un élément de décor totalement original !
    dimensions : 39 x 38 x 26,5 cm
    poids : 5 kg
    2 - Charbonnière en bois et laiton : Un ancien seau ou bac à charbon, en bois ( bois, laiton, cuivre ), à poignée supérieure arrondie, petites décorations,  bouton d'ouverture et charnières en laiton.
    En état d'origine montrant les inévitables signes d'usage, petite fente au fond intérieur.
    Intérieur assez propre.
    Comporte 4 doubles pieds sur le dessous.
    état : sortie de grenier, à nettoyer ou laisser tel quel selon vos idées de Déco :)
    *** Superbe objet de décoration très facilement détournable en un élément de décor totalement original !
    dimensions : 47 x 38 x 34 cm
    poids : 5,300 kg

    Admirez ces objets de notre passé récent ci-dessous d'un simple clic sur les petites vignettes ...
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  • share read star Des objets Michelin à collectionner.
    Monday 19 February 2024 - 10:20
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Bibendum
    Bibendum : la Mascotte de la marque Michelin
     La marque MICHELIN a développé à côté de ses produits habituels une réelle passion chez des milliers de personnes, une passion qui vous entraîne, au travers de la collection, à rechercher, trouver, collectionner des objets, tous en rapport avec le nom " michelin " certes, mais aussi avec des des domaines souvent bien différents.

    Objets publicitaires sur " MICHELIN ", quelques exemples parmi les plus connus:

    1 - Guides Michelin:
    Les guides Michelin sont des trésors pour les collectionneurs. Ils ont été publiés depuis le début du 20e siècle et couvrent divers sujets tels que les restaurants, les hôtels, les itinéraires de voyage, et même les attractions touristiques. Chaque édition est un témoignage de l’évolution des goûts et des préférences culinaires à travers le temps.
    2 - Cartes Michelin:
    Les cartes Michelin sont des compagnons indispensables pour les voyageurs. Elles offrent des détails précis sur les routes, les villes, les paysages et les points d’intérêt. Les collectionner, c’est explorer le monde à travers les yeux de Michelin.
    3 - Figurines Bibendum:
    Le célèbre personnage Bibendum, également connu sous le nom de “Michelin Man”, est un symbole emblématique de la marque. Les figurines Bibendum, qu’elles soient en plastique, en métal ou en porcelaine, sont très prisées par les collectionneurs.
    4 - Miniatures de Voitures Michelin:
    Michelin a souvent collaboré avec des fabricants de jouets pour produire des miniatures de voitures portant le logo Michelin. Ces modèles réduits sont très appréciés des amateurs de voitures et de la marque.
    5 - Objets Publicitaires:
    Les objets publicitaires Michelin sont variés : des bidons d’huile, des affiches, des porte-clés, des stylos, des calendriers, etc. Ils reflètent l’histoire de la publicité et du marketing de la marque.
    6 - Livres Michelin:
    Outre les guides, Michelin a également publié des livres sur des sujets tels que l’histoire de l’entreprise, les pneumatiques, les voyages, etc. Ces ouvrages sont des trésors pour les bibliophiles.
    7 - Artoys et Sérigraphies:
    Les artoys (objets d’art en édition limitée) et les sérigraphies (impressions artistiques) inspirés de Michelin sont recherchés par les collectionneurs qui apprécient l’aspect créatif et esthétique de la marque.

    Bienvenue chez Bibendum !

    Bibendum, ou " Bib ", est le nom du célèbre " Bonhomme Michelin " qui représente la marque MICHELIN depuis 1898. C'est aussi le nom d'une catégorie de restaurants au bon rapport qualité-prix dans les guides MICHELIN ...
    Découvrons-en un peu plus au travers de quelques objets publicitaires ...
    Un collectionneur d’objets sur la marque Michelin est appelé un bibendophile ou un michelinophile.
    Quelques toutes petites pièces pour débuter votre collection.
    1 - Une superbe coupe réalisée en Cristal d'Arques pour la marque Michelin, gravée dans la masse de différents motifs, tous relatifs à celle-ci. ( les '11' principales activités de la marque ... )
    Présentée dans sa boite d’origine, avec le velours et l'emballage de présentation, donc " quasi neuve " ( n'ayant jamais été 'exposée' ou utilisée)
    RARE en cet état ! ***
    dimensions :
    24 x 8 cm ( boite )
    21,5 x 6,5 cm ( coupe )
    poids total : 1150 gr
    2 - Un décapsuleur publicitaire pour la marque MICHELIN
    fabrication sous licence : ATC Paris
    dimensions : 10,5 x 6 cm
    poids : 95 gr
    3 - Un beau porte-clés de collection représentant le " bibendum " de chez Michelin appuyé sur un gros pneu.
    *** Modèle peu courant dans cette taille et avec cette position sur le pneu. ***
    état : sortie de tiroir, à laisser l'état ou à nettoyer
    dimensions : 14 x 5 cm ***
    poids : 75 grammes
    période : 80/90's

    et maintenant, je vous laisse les découvrir en détails et en photos grâce à un petit 'clic' sur les vignettes qui suivent ...  enjoy   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Qu'est-ce que c'est qu'un Pyrogène ?
    Saturday 17 February 2024 - 12:46
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    pyrogène
    pyrogène : objet de bistrot devenu pièce de collection
     effectivement, les pyrogènes, petits objets qui servaient à stocker les allumettes, à les gratter pour les brûler, ont été déclinés en d'innombrables variantes, mais les principaux collectionneurs sont à l'affut de certaines pièces rares désormais devenues ' collectors ' ...

    Qu'est-ce que c'est que un Pyrogène ?

    Le terme " PYROGÈNE " peut évoquer à la fois les objets du passé qui avaient pour fonction d'allumer des allumettes et la chaleur médicale. Un " pyrogène " peut se référer à deux choses différentes :
    1 - Dans le domaine des objets anciens : Un **pyrogène** est un objet utilitaire qui servait de porte-allumettes avant la généralisation des briquets. Ils étaient couramment utilisés lorsque l'électricité n'était pas disponible.
    Voici quelques détails sur les pyrogènes :
    - Les pyrogènes étaient fabriqués en céramique (porcelaine, biscuit, faïence, terre vernissée, grès) et parfois en métal, bois, corne, ivoire ou papier mâché.
    - Ils étaient munis d'un grattoir ou frottoir pour enflammer les allumettes soufrées.
    - Le grattoir pouvait être en biscuit ou en bois, et il était rugueux pour enflammer les allumettes.
    - Les pyrogènes étaient souvent disposés dans les bistros, accrochés au mur ou posés sur les tables.
    - Ils étaient plus utilitaires dans les classes populaires et plus mondains dans les classes bourgeoises et aristocratiques.
    - Certains modèles de bistro contenaient même une clochette pour appeler le serveur !
    - Les pyrogènes publicitaires sont très recherchés par les collectionneurs en raison de leur variété et de leur rareté.
    2 - En médecine : Le terme **pyrogène** désigne une molécule ou une circonstance ( comme une infection ) qui élève la température corporelle et provoque de la fièvre. La fièvre est généralement le signe d'un processus inflammatoire en cours, qui peut avoir diverses origines.

    Comment appelle-t-on les collectionneurs de Pyrogènes ?

    Les collectionneurs de pyrogènes sont appelés des " pyrogénophiles ".
    Il existe de très nombreux modèles de pyrogènes, en régule, en bronze, en bois, en céramique, en argent ou en or, décoratifs ou publicitaires.
    Certains sont très rares et recherchés par les amateurs atteint de " pyrogénophilie " ...

    Quelques exemples de petits pyrogènes, publicitaires principalement pour cet article.

    Que ce soit en décoration d'intérieurs ou pour une collection, ces belles petites pièces sont fort recherchées, et les prix grimpent vite ...
    * Pyrogène Bistrot : un modèle plus que rare que ce pyrogène publicitaire, portant les inscriptions :
    " ABSINTHE SUPERIEURE QUINQUINA FRAISE DES BOIS VERMOUTH " sur le pourtour bas, puis " CITRONADE ET ORANGEADE Vve RIBOULT et Fils - Distillateurs à PONTARLIER (Doubs) " sur un côté, et la mention " Hors Concours Paris 1889 " surmontant des fleurs et branches de plantes.
    * Un modèle plus que rare que ce pyrogène publicitaire, portant les inscriptions :
    " Liqueur BENEDICTINE / D.O.M. surmontant une croix " ainsi que la représentation d'une bouteille sur la partie haute.
    Sur le dessous, nous trouvons les inscriptions : " Publicité A. IOLLIEN(?), LYON / S. RENAUD fournisseur / Mehun-s-yère ( cher ) ".
    * Ancien pyrogène " CHATEAUNEUF DIJON " en céramique
    Pyrogène Bistrot : un modèle plus que rare que ce pyrogène publicitaire, portant les inscriptions :
    sur le pourtour, en bas : " Liqueurs & Spiritueux Grands Vins de Bourgogne Cassis "
    Joli modèle, réalisé sur fond de faïence blanche avec des inscriptions publicitaires et des mentions en bleu, noir, relevées par de nombreux filets dorés.
    * un autre pyrogène du même style et noté sur le dessous : JUSTIN GIRAUD Aix B.O.R. Bé S.G.D.G. Déposé.
    * Un modèle assez rare que ce pyrogène publicitaire, portant les inscriptions :
    " DUBONNET GRAND PRIX 1900 " " VIN AU QUINQUINA "
    Sur le dessous, nous trouvons les inscriptions : " MOMENHEIM PARIS ".
    * Plus ancien : " DUBONNET " " VIN TONIQUE "
    Chose asez rare, la partie supérieure est réalisée en bois, la seconde en céramique blanche avec des inscriptions vertes.
    Les deux parties sont assemblées à l'aide d'une vis.
    * et pour terminer, un Pyrogène Bistrot : un modèle plus que rare que ce pyrogène publicitaire, portant les inscriptions :
    " Elixir du Docteur GODART " et " REND AUX VIEILLARDS La mémoire L'intelligence La plénitude des facultés affaiblies " sur la partie haute.
    " LE PLUS ENERGIQUE RECONSTITUANT AUX EXTRAITS DE SANG DE BOEUF " sur le pourtour du bas ... :)
    Modèle original, non dénué d'un certain sens de l'humour, réalisé sur fond de faïence blanche avec des inscriptions publicitaires et des mentions en noir et rouge relevées par de nombreux filets dorés.
    ... régalez-vous en visionnant les photos ci-dessous ...    enjoy  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Quelle est la vraie couleur des boites de Banania ?
    Tuesday 13 February 2024 - 11:17
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Banania
    Banania : des couleurs magiques et changeantes .
    Contrairement à ce que l'on pourrait penser, cette question n'est pas si anodine que cela, car les fameuses boites de BANANIA n'ont pas toujours été " jaunes " ..
    Banania, Banania, une boîte jaune ?
    Et non Banania n’a pas été à sa naissance en 1914 dans une boîte jaune !
    Les créateurs de Banania avaient choisi le bleu ...
    Ils n'ont pas voulu prendre immédiatement la couleur du soleil, mais ils ont en premier et d’abord choisi la couleur du ciel !!! Un bleu si bleu, si beau ...

    Comment s'y retrouver alors entre bleu et jaune pour les boites de Banania ?

    Si l'on parle dates et chronologie, tout se comprend beaucoup mieux; il y a deux périodes :
    1 - La période Bleu - 1914 :
    On y a fabriqué principalement ...
    - Boites Rondes (Antillaise)
    - Boites Carrés (Antillaise)
    - Boites Carrés (Tirailleur assis et Antillaise)
    - Boites Carrés (Tirailleur en buste et Antillaise) Existe en version bicolore
    - Boites Carrés (Tête du Tirailleur) Version Bleu Blanc Rouge
    2 - La période Jaune - 1949 :
    Celle qui est la plus proche de nous, notamment ...
    - Boites Carrés (Tête du Tirailleur) Version Jaune
    - Boites Carrés (Tête du Tirailleur) Version H. Morvan
    - Boites Carrés (Tête du Tirailleur) Version Écusson
    ( Les boites jaunes ont été dessinées par Sepo ... )

    Le mot du spécialiste.

    Un ' spécialiste ' désormais connu et reconnu pour toute la thématique du BANANIA, mais très gravement atteint par cette maladie que nous pourrions appeler " bananiaphilie " dont la collection fait partie des plus importantes d'Europe.
    " Les BANANIAPHILES que nous sommes, ne peuvent toutefois connaitre à 100% toute l'histoire des différents objets de BANANIA, c'est pourquoi nous seront toujours très contents d'avoir des informations rectificatives ou complémentaires ... "
    et ... n'oublions surtout pas que Banania ne se décline pas " que " en boites ...   :)
    ... enjoy ...  ByDR© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star La Manufacture de Faïence de Bordeaux et Jules Vieillard
    Monday 12 February 2024 - 17:13
    from Ma Petite Brocante en Ligne

    TonkinTonkin : service réalisé par J. Vieillard
    une superbe réalisation faite par Jules Vieillard, alors encore associé avec David Jonhston, dans la manufacture de faïencerie de Bordeaux dont il a plus que largement contribué à la renommée internationale ...

    La Manufacture Jules Vieillard & Cie à Bordeaux.

    Plus que bien connue, la manufacture J. Vieillard & Cie est une manufacture de faïencerie bordelaise, installée sur le quai de Bacalan. Elle succède à la manufacture David Jonhston en 1845. Elle est dirigée par Jules Vieillard jusqu'à sa mort en 1868 : ses fils Albert et Charles, qui partagent la gérance avec leur père depuis 1865, prennent la suite jusqu'à sa fermeture en 1895.
    C'est une des productions de " faïence fine " figurant parmi les plus connue. La fabrication de faïences fines va débuter dès 1830 à Bordeaux. Elle durera près de 65 ans, jusqu'en 1895, en présentant une belle continuité de production à travers les trois manufactures successives : la manufacture de Lahens et Rateau (1830-1832), celle de David Johnston (1834-1845) et celle de Jules Vieillard et de ses successeurs (1845-1895).

    Qui était Jules Vieillard ?

    Jules-Étienne Vieillard est né à Paris le 8 juin 1813. Il est le fils de Jean-Baptiste Vieillard, rentier, et de Marguerite Hersent, fille du sculpteur Louis-Étienne Hersent. Jules Vieillard est négociant en céramiques à Paris.
    En 1840, Jules Vieillard est nommé agent général de la manufacture de David Johnston, installée sur le quai de Bacalan à Bordeaux. À partir de 1843, son nom apparait aux côtés de celui de D. Johnston dans les échantillons de faïence fine envoyés à la manufacture de Sèvres.
    Manufacture située donc à Bordeaux, qu'il va racheter en 1845 afin que la faïencerie continue de fonctionner, pour créer la société Jules Vieillard & Cie.
    Il va innover dans la création, moderniser la production et En octobre 1852, lors de la venue de Louis-Napoléon Bonaparte à Bordeaux, J. Vieillard reçoit le ruban et la croix de la Légion d'Honneur de la part du prince-président, qui avait demandé à visiter la manufacture. Aussi en 1854, lors de la neuvième exposition de la Société philomathique de Bordeaux, il reçoit une médaille d'or. Toutes ces distinctions témoignent du succès de la manufacture. À la mort de J. Vieillard en 1868, ses fils Albert et Charles prennent sa succession jusqu'à la fermeture de la société en 1895...

    L'Influence de la porcelaine de Chine sur les production de la manufacture J. Vieillard.

    Bien avant l’arrivée, dans les années 1870, d’Amédée de Caranza, un directeur artistique qui mettra au service de la fabrique reprise par les fils de Jules Vieillard, outre une inventivité débridée, son goût pour l’art persan et sa profonde compréhension des arts graphiques japonais, la faïencerie bordelaise crée déjà des pièces marquées par le goût d’un orient de fantaisie, avec ses paysages exotiques, ses palmiers, saules pleureurs, jonques, oiseaux fabuleux et autres dragons. D’autres décors sont inspirés par la prestigieuse porcelaine de commande, importée de Chine au XVIIIe siècle par la Compagnie de Indes Orientales. Enfin, avec de nouveaux fours à houille construits en 1851, la faïencerie se diversifie dans la fabrication de porcelaine, cherchant alors à reproduire les éclats de l’or sur les harmonies de bleu et de corail des porcelaines « vieux japon » ou imari...

    Deux belles pièces du Service Tonkin - Manufacture Jules Vieillard à Bordeaux.

    Ce sont les deux exemples du jour : un grand plat de service en faïence fine à décor au chinois et une petite coupe, en forme d'avocat, à décor de dragons.
    Le plateau de forme rectangulaire aux grands bords arrondis est décoré est décoré ' au chinois ', présentant sur le pourtour deux grands dragons encadrant un texte sur parchemin enroulé, et, plus bas, un bel oiseau encadré de papillon et insecte. On trouve au centre une belle scène animée représentant deux personnages en conversation dans un jardin.
    Le tout est réalisé en matière légèrement brunie avec des décors plutôt dans les marrons.
    On peut noter cependant quelques usures et salissures temporelles à la glaçure qui est craquelée ( d'origine ou ? ), ce qui peut sembler tout à fait normal pour une aussi belle pièce que l'on peut dater de de 1840/1845 ...
    La seconde pièce, sympathique petite; ayant exactement  coupelle, soit de service également pour un avocat ou autres mets, soit de décoration, ne porte elle qu'une simple signature de Jules Vieillard; ayant exactement le même aspect ' physique ', portant un décor oriental également, montrant trois grands dragons sur le pourtour le long d'une frise géométrique, accompagné dans la cuvette d'un petit insecte et d'un papillon, réalisés graphiquement presque à l'identique, on peut donc facilement imaginer que cette pièce a été ajoutée à l'initiative de J. Vieillard ... seul ... et donc, bien entendu avec une datation similaire.
    dimensions :
    - 32 x 25 x 3 cm pour le plat
    marqué sous la base du tampon aux 3 croissants entrelacés, reprenant ceux de la ville de Bordeaux - " D. Johnston Grès " - " Jules Vieillard & Cie Porcelaine " -  Bordeaux Poterie " et de celui de la série " TONKIN ". ( marque pour la production de 1840 à 1845 ~~ )
    - 23 x 13 x 3 cm  pour la coupe
    marquée, elle, sous la base au tampon " J.VIEILLARD 1 Ci BORDEAUX ".  ( marque de peintre de 1895 )
    * nota : la ' saleté ' peut éventuellement être atténuée avec précautions, quelques petits manque à la brillance, pas de fêles.
    En tous cas, deux fort belles pièces originales, expertisées et qui peuvent constituer le début ou le complément d'une collection thématique sur la Faïence français ou plus particulièrement sur la faïence de Bordeaux, ou de celle du XIXème siècle .
    ... enjoy ... :)

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  • share read star Qu'est-ce qu'un Curvimètre ?
    Tuesday 06 February 2024 - 17:59
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    curvimètrecurvimètre : mesurer et mettre à l'échelle les lignes courbes
    un petit objet technique que ce curvimètre servant à mesurer les distances, courbes ou droites, en suivant un tracé sur une carte par exemple et convertissant ensuite la distance en km réels ...

    Définition, description et utilisation du curvimètre.

    Un curvimètre est un instrument de mesure utilisé pour mesurer la longueur d'une ligne courbe. Il est le plus souvent utilisé pour mesurer des distances sur des cartes, mais il peut également être utilisé pour mesurer des distances sur des objets réels.
    Le curvimètre est constitué d'une petite roue montée sur un cadre. La roue est reliée à un cadran qui indique la distance parcourue. Pour utiliser un curvimètre, placez la roue sur le point de départ de la ligne que vous souhaitez mesurer. Ensuite, suivez la ligne avec la roue, en veillant à ce que la roue reste en contact avec la ligne. Le cadran indiquera la distance parcourue.
    Les curvimètres existent en différentes tailles et formes. Certains curvimètres sont numériques, tandis que d'autres sont analogiques. Les curvimètres numériques sont plus précis que les curvimètres analogiques, mais ils sont également plus chers.
    Ce petit objet, souvent de petite taille, souvent de relatif petit prix, connaît dans sa fabrication, pas mal de variétés.
    Et, notre découverte du jour, pour en apprendre un peu plus ...

    Les références techniques du fabricant : HB pour Henri Burnat à Paris

    Les précurseurs de la mesure cartographique modèle HB 54M étaient ceux produits par Henri Chatelain (HC) et Fritz Chatelain (FC). Le successeur du nom HC/FC fut F. Baudet qui, après le décès d'Henri le 1er juin 1921, reprit l'entreprise à partir de 1921/22, conservant le nom Chatelain. En 1925, l'adresse était le 10 rue de Belzunce, à Paris (adresse de la société Henri Chatelain depuis 1887). L'entreprise Chatelain/Baudet fut ensuite reprise par Henri Burnat ( HB ) vers 1940. L'adresse de la société était alors 69 rue d'Hauteville à Paris. L'entreprise Baudet-Burnat fabriquait de nombreux produits destinés aux amateurs de plein air : podomètres, altimètres, boussoles et mesureurs de cartes. Leur marque est une adaptation de celle utilisée auparavant par Chatelain. Il combinait les initiales des deux identités de fabricant - H et B ci-dessus, de chaque côté d'une impression d'un mesureur de carte (curvimètre), avec les lettres supplémentaires H et C ci-dessous. L'inclusion d'une mesure cartographique dans le dessin de la marque date du XIXe siècle. À partir des années 1970, la marque est à nouveau modifiée et le mot PARIS remplace les lettres H et C. Des instruments de mesure cartographiques HB améliorés ont été produits au moins dans les années 1980 et il semble que la société ait cessé ses activités en 1998. La marque de la société trouvée sur le boîtier en plastique a été introduite dans ce format vers 1970, comme mentionné, les initiales HB signifiant Henri Burnat.
    Ancien curvimètre. A roulette. calculateur convertisseur d' échelle pour cartes. Double écran, recto verso - HB 53 M.

    Joli Curvimètre d'époque dans sa boite d'origine.

    Bel objet de curiosité pour certains, bel objet technique, un peu ancien cependant que ce joli " CURVIMETRE " d'époque.
    Fabriqué en métal, principalement de l'acier chromé, verre et autres matières, il s'agit d'un instrument de mesure utilisé pour mesurer la longueur d'une ligne courbe, soit sur des cartes, soit sur de simples tracés.
    Celui-ci, de marque " H B Paris ", porte la référence ' N° 53 M ' ( modèle fort peu répandu *** ); à doubles faces de mesures différentes et protégées par des lentilles convexes en verre.
    Celui-ci nous est parvenu en fort bel état, dans sa boite d'origine portant :
    - la mention " Pour la mesure rapide et précise des longueurs, de lignes droites ou courbes sur PLANS et DESSINS ".
    - mode d'emploi indiquant comment mettre les aiguilles et le totalisateur à zéro en faisant tourner la roulette ou par pression sur le poussoir suivant le modèle. Ensuite, tenir le curvimètre verticalement et suivre avec la roulette, toujours dans le même sens, la ligne à mesurer.
    Il comporte plusieurs échelles : 1/100000 ème, 1/50000 ème, 1/25000ème d'un coté, 1/320000 ème, 1/300000 ème, 1/250000 ème, 1/180000 ème de l'autre, tous deux pour le calcul des distances en KM.
    L'ensemble est en bon état, la boite très peu frottée, le curvimètre en état fort correct, le tout d'aspect quasi neuf donc.
    dimensions : 12,5 x 4 x 2 cm
    poids : 59 grammes
    fabrication : années 1950/60
    ... enjoy :)
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  • share read star Le Vermeil : quel métal est-ce vraiment ?
    Saturday 13 January 2024 - 13:53
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    cuillère
    cuillère : une réalisation en Vermeil
    Le Vermeil est un métal précieux composé d'argent massif recouvert ensuite d'or qui peut être de différentes qualités ou différentes couleurs ...

    Qu'est-ce que du Vermeil ?

    Le vermeil est un alliage d'argent massif plaqué d'or. Le plaquage or est appliqué par une technique d'électrolyse appelée galvanoplastie.
    Le vermeil est considéré comme un métal précieux et est soumis aux mêmes réglementations que l'or et l'argent. La teneur en or du vermeil doit être d'au moins 92,5 %.
    Le vermeil est souvent utilisé dans la fabrication de bijoux, car il offre un mélange de beauté et de durabilité. Il est également moins cher que l'or massif, ce qui le rend plus accessible.
    Le vermeil est disponible dans une variété de couleurs, allant de l'or jaune traditionnel à l'or rose et à l'or blanc. Il peut être utilisé pour créer une variété de bijoux, allant des bagues et des colliers aux bracelets et aux boucles d'oreilles.
    Le vermeil est un choix populaire pour les bijoux car il offre un excellent rapport qualité-prix. Il est beau, durable et abordable.

    Quel sont les poinçons pour le Vermeil ( en France ) ?

    * Poinçon de l'argent : la tête de Minerve, qui indique que le bijou est en argent massif.
    * Poinçon de garantie : le poinçon « V » dans un losange, qui indique que le bijou est en vermeil. Ce poinçon est obligatoire pour les bijoux en vermeil pesant plus de 30 grammes.
    * Poinçon du fabricant ou de l'importateur : un poinçon en forme de losange ou d'ovale, qui indique le nom du fabricant ou de l'importateur du bijou.
    *** Attention donc : si un bijou en vermeil ne porte pas ces poinçons, il est fort possible qu'il ne soit pas en vermeil véritable ...

    Quelle valeur pour les objets en Vermeil ?

    En voici quelques exemples:
    - Bijoux anciens : les bijoux en vermeil anciens, en particulier ceux qui sont fabriqués à la main, peuvent être très précieux.
    - Objets d'orfèvrerie : les objets d'orfèvrerie en vermeil, tels que les chandeliers, les plats et les couverts, peuvent également être très précieux.
    - Médailles : les médailles en vermeil, telles que les médailles olympiques, peuvent être très précieuses.
    Autre exemple plus 'concret' :  un calice en vermeil, objet religieux précieux qui date du XVIIe siècle. Il est fabriqué en argent massif plaqué d'or de 18 carats. Le calice est décoré de motifs floraux et de scènes religieuses. Il est estimé à plusieurs millions d'euros ...
    La valeur d'un objet en vermeil de grande valeur dépend de plusieurs facteurs, notamment sa rareté, son état de conservation et son travail artisanal.

    Exemple d'objet en Vermeil : une petite cuillère ... ( superbe ! )

    Petite Cuillère à Sucre - VERMEIL - Minerve - Orfèvre - Louis XVI
    Fort belle petite cuillère à sucre ou saupoudreuse réalisée totalement en " VERMEIL ", pur style Louis XVI à décors floraux.
    Bien visibles : poinçon minerve 1er titre (.950), poinçon du maître orfèvre Joseph CROSSARD (initiales «ARD» et crosse), reçu en 1900 ( 1900 / 1920 ) et fort réputé ...
    *** Superbe pièce de collection ou de vitrine.
    état : signes fort légers de l'inévital passage du temps et d'utilisation ne nuisant en riens à l'efthétique de la pièce.
    dimensions : 13 x 4 x 3 cm
    poids : 19 grammes
    circa : 1905
    ... enjoy :)
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  • share read star Les Quinze Joyes du Mariage ( vieux français )
    Tuesday 09 January 2024 - 17:56
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Les Quinze Joyes du Mariage
    Les Quinze Joyes du Mariage : malice, humour et érotisme du XVème siècle
    Les Quinze Joyes de Mariage" est attribué à un auteur anonyme du XVème siècle. Le texte est souvent considéré comme une œuvre de la littérature médiévale française. L'auteur exact n'est pas connu, mais le travail a été préservé au fil des siècles et offre un aperçu intéressant de la perception du mariage à cette époque.

    Les Quinze Joyes du Mariage : écrit en prose française du XVème siècle.

    “Les Quinze Joies de mariage” est un texte satirique français en prose publié anonymement au milieu du XVe siècle. Le texte parodie un texte de dévotion populaire, les Quinze Joies de la Vierge, et énumère en quinze tableaux les « joies », c’est-à-dire les affreux malheurs de l’homme pris dans la « nasse » du mariage, présenté comme la source de tous les maux domestiques, érotiques et autres, et surtout comme l’origine du malheur suprême de tout être humain : la perte de la liberté. Le ton est nettement misogyne et anti-féministe et s’inscrit dans une tradition médiévale qui remonte à saint Jérôme (notamment son Adversus Jovinianum) où les machinations et ruses féminines font le malheur de l’homme. L’intérêt du texte tient en particulier à ce que chacun des quinze tableaux, mi-narratifs mi-satiriques, dans une langue proche de la langue parlée, est en soi une petite nouvelle avec de nombreux dialogues vifs et réalistes.
    Le texte offre un tableau vivant et enjoué des pièges de la conjugalité, sans désir de corriger les mœurs, mais en jetant un regard ironique, toujours amusé. Les quinze tableaux, mi-narratifs mi-satiriques, dans une langue proche de la langue parlée, sont en soi une petite nouvelle avec de nombreux dialogues vifs et réalistes 1. Le ton est nettement misogyne et anti-féministe et s’inscrit dans une tradition médiévale qui remonte à saint Jérôme (notamment son Adversus Jovinianum) où les machinations et ruses féminines font le malheur de l’homme.
    L’auteur parodie un texte de dévotion populaire, les Quinze Joies de la Vierge, et énumère en quinze tableaux les « joies », c’est-à-dire les affreux malheurs de l’homme pris dans la « nasse » du mariage, présenté comme la source de tous les maux domestiques, érotiques et autres, et surtout comme l’origine du malheur suprême de tout être humain : la perte de la liberté. Le mari est présenté comme un balourd sans imagination, « métamorphosé en âne sans qu’il soit besoin d’aucun enchantement », aussi coupable que son épouse, et qui a bien cherché son malheur : « Dieu n’a donné froid qu’à ceux qu’il sait assez chaudement emmitouflés pour pouvoir le supporter.
    En résumé, “Les Quinze Joies de mariage” est un texte satirique qui offre un regard ironique sur les pièges de la conjugalité, sans désir de corriger les mœurs, mais en jetant un regard amusé sur les affreux malheurs de l’homme pris dans la « nasse » du mariage.

    Les Quinze Joyes du Mariage : le texte au travers du temps.

    Le texte date d’après 1382 : il mentionne en effet la bataille de Roosebeke ; il est antérieur au milieu du XVe siècle car il est cité dans les Cent Nouvelles Nouvelles. La date de première publication pourrait être 1430. Le livre a du succès : il est édité quatre fois en quarante ans.
    Il nous est transmis par quatre manuscrits et fait l’objet de deux éditions incunables à la fin du XVe siècle8, puis d’une traduction anglaise en 1509, une édition en 1595 ; il sera constamment réédité depuis.
    Il a notamment fait aux XIXe et XXe siècles l’objet d'éditions bibliophiliques illustrées :
    - Les Quinze Joies du mariage, Paris, Techener, 1837 : réédition en caractères gothiques tirée à 126 exemplaires de l'édition de Trepperel, avec reproductions des vignettes gravées sur bois du XVe siècle et fac similé de manuscrit.
    - Les Quinze Joies du mariage, Paris, Kieffer, 1932 : illustré par Jacques Touchet.
    - Les Quinze Joies du mariage, Paris, Union latine d’édition, 1937 : commentaire et traduction de Raoul Mortier, illustré par Marcel Jeanjean.
    - Les Quinze Joies de mariage, Paris, Éditions Terres Latines, 1946 : illustré par Jean Traynier.
    - Les Quinze Joies de mariage, Paris, Éditions du Rameau d'Or, non daté (1946), 162pp, illustrations par Henry Lemarié, coloriées à la main Par Beaufumé.
    - Les Quinze Joyes de mariage, Monaco, Éditions Art et Création, Ier Mars (1955), 211pp, illustrations par Jean Gradassi, coloriées à la main Par Edmond Vairel, Tirage de 830 exemplaires sur divers papiers.
    - Les Quinze Joies du mariage, s.l., Aux dépens d’un bibliophile et de ses amis, 1947 : tirage de 150 exemplaires sur grand vélin de Lana, illustré d’eaux-fortes érotiques non signées.
    ( source : https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Quinze_Joies_de_mariage )

    Un exemple du français de l'époque !

    " Préface.
    Et samere decapitez
    Tantost et après lesconde
    Toutes trois a messe vendront
    Sans teste bien chantée et dicte
    Le monde avec elles tendront
    Sur deux piez qui le tout acquite     "
    " Pluseurs ont travaillé a moustrer par grans raisons et auctorités que c'est plus grant felicité en terre a homme de vivre en franchise et liberté que soy asservir de sa voulenté sans contraincte. A l'oppinion desquelx on pourroit dire… "
    Pour moi, certainement pour beaucoup d'autres, une véritable attraction, une véritable découverte ... :)

    Notre édition, datant de 1946.

    Les Quinze Joyes de Mariage - Images de Henry Lemarié - 1946
    - éditions du Rameau d'Or - Paul Cotinaud à Paris
    - imprimerie de J. Dumoulin, Paris ( H. Barthélémy étant directeur )
    - les aquarelles ont été coloriées à la main par Beaufumé
    Petit IN-8 en feuilles, certaines fort nombreuses non découpées, de 168 pages environ ( (4) + 161 + (2) pages ), sous couverture rempliée de couleur crème et illustrée d'une composition en couleurs, sous chemise et étui cartonnés de l'éditeur, illustré de 72 fort belles aquarelles de Henry Lemarié, mises en couleurs à la main dans les ateliers de Maurice Beaufumé.
    ** justificatif : premier tirage limité à 720 ( sur 750 ) exemplaires sur papier pur fil, numérotés de 31 à 750, celui-ci portant le N° 611
    ***Titre : Les quinze Joyes du Mariage. Images de Henry Lemarié
    Éditeur : Editions du Rameau d'Or, Paul Cotinaud, Paris
    Date d'édition : 1946
    Reliure : En feuilles, chemise et étui
    Illustrateur : Lemarié
    Etat : Très bon
    Etat de la jaquette : Couverture illustrée rempliée,
    état : cartonnage insolé et à nettoyer/réparer // intérieur en excellent état avec des feuilles en très bon état
    TB++
    dimensions : 20 x 13,5 x 3,5 cm
    poids : 490 grammes

    voilà, voilà ... :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Pour mieux découvrir le Cristal de Sèvres ...
    Friday 15 December 2023 - 16:57
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Cristal
    Cristal : superbe objet signé Sèvres
    Le cristal est une sublime matière qui laisse passer la lumière tout en créant de magnifiques effets, souvent colorés; celui que nos manufactures fabriquent figure parmi les qualités les plus recherchées dans le Monde entier ...
    Commençons par oublier les noms habituellement attachés à celui de " Sèvres ", comme la porcelaine ou la céramique, ainsi que ceux attachés au mot " Cristal " comme Baccarat, Saint-Louis, Clichy, Daum, Lalique et autres pour ne nous intéresser aujourd’hui uniquement à ces termes : " Cristal de Sèvres ".

    L'histoire de la Verrerie et Cristallerie de Sèvres.

    C’est à l’initiative de Madame de Pompadour que la Verrerie de Sèvres est apparue en 1750.
    Cependant, c’est sous le règne de Charles X, que l’établissement se démarque, grâce à ses célèbres opalines. Elles deviendront des joyaux de la couronne, ainsi que de merveilleuses pièces en or et vermeil présentées à l’Exposition Universelle.
    Quand Louis XV, sous l’impulsion de Mme de Pompadour, décide de doter la France de sa première cristallerie à la fin du XVIIème siècle, le cristal est considéré comme un matériau précieux. Lustres, bijoux, parures, sont importés de Bohème ou d’Angleterre, la concurrence est rude. Cristal de Sèvres participe à cette épopée en dédiant le cristal à l’art de la table et les « verres à boire », autrefois négligés, deviennent de vrais chefs-d’œuvre. Dès la fin du XVIIIème siècle, Cristal de Sèvres est incontournable dans l’art de la table, l’ensemble de la noblesse européenne est conquise par la qualité de son cristal et le raffinement de ses formes.
    En 1878 la Cristallerie de Sèvres participe à l’Exposition Universelle de Paris en produisant des pièces en cristal montées en or ou en vermeil.

    Va commencer ainsi la longue, très longue histoire de la production du Cristal de Sèvres.

    En 1932 ce sera la fin de l'aventure de la Cristallerie de Sèvres, les bâtiments sont rachetés par les usines Renault.
    Aujourd'hui la signature "Cristal de Sèvres" persiste toujours mais sans rapport avec une localisation géographique de sèvrienne.
    Actuellement la Compagnie française du Cristal, propriétaire de la signature "Cristal de Sèvres" , fait exécuter à Vannes-le-Chatel, près de Nancy, les pièces en cristal signées "Cristal de Sèvres".
    Des déménagements et des regroupements successifs ont entraîné la fabrication du cristal dit de Sèvres vers l'Est et dans le Nord de la France. Actuellement la Compagnie française du Cristal qui a englobé la Cristallerie de Daum, longtemps propriétaire de la signature " Cristal de Sèvres ", fait exécuter à Vannes-le-Chatel, près de Nancy, les pièces en cristal signées "Cristal de Sèvres ".

    Un bel exemple des productions de la cristallerie dans les années 1930.

    Grand Mortier et son Pilon en épais cristal de Sèvres
    Une superbe pièce en lourd et beau cristal sur lequel chatoient les lumières ambiantes.
    Un objet à la fois décoratif, précieux, et rare qui ne donne pas ... envie de l'utiliser comme mortier mais bel et bien en décoration d'intérieur ou en en détournant l'utilisation !
    Rare et belle pièce en cristal signé Cristal de Sèvres. Sa forme géométrique et épurée, son décor sculpté en relief lui confèrent l’élégance caractéristique de la fin de la période ' Art Déco '.
    Le mortier est signé sur le dessous " Sèvres - France " par gravure de précision ( dans le style des monogrammes et signatures utilisés entre 1930 et 1945 dans les plus prestigieuses collections de la cristallerie ... ). On peut donc facilement en déduire que la période de fabrication possible est fort limitée dans le temps : 1932 = attribution d'une nouvelle signature ( peut-être " transitoire " ? ) et 1945 = redémarrage de la production après-guerre avec une nouvelle signature.
    période : début XXème
    dimensions :
    - mortier : 15,5 x 12 cm
    - pilon : 15 x 2,5 cm
    poids ( total ) : 2550 grammes
    circa : 1935
    enjoy :)
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  • share read star Japon - Un grand Plat en Porcelaine d'Imari
    Thursday 14 December 2023 - 16:21
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Imari
    Imari : une certaine qualité de la porcelaine du Japon
    La porcelaine japonaise peut être divisée en trois catégories principales et, bien que quelques détails historiques restent incertains, aujourd’hui nous voudrions parler de ce qui rend ces porcelaines uniques et de quelle manière elles restent à la mode au Japon de nos jours.
    1 - Imari-yaki (Arita-yaki) - 伊万里焼（有田焼)
    Arita-yaki (« -yaki » se réfère à des objets cuits comme la poterie et la porcelaine) est un terme général pour la porcelaine fabriquée dans la région autour de la ville d’Arita dans la préfecture de Saga.
    2 - Mino-yaki - 美濃焼
    Le Mino-yaki n’a pas un style défini, et l’on pourrait dire qu’il est caractérisé par un manque de particularité spécifique. En raison de cela, il existe de nombreux types de Mino-yaki.
    3 - Seto-yaki - 瀬戸焼
    Ce qui rend le Seto-yaki si spécial, c’est son vernis unique, qui est épais, presque plus proche d’une couche de verre que d’un vernis traditionnel, lui donnant ce caractère de durabilité.

    Qu'est-ce que la porcelaine japonaise de style Imari ?

    La porcelaine japonaise de style Imari, également connue sous le nom d'Arita ware, tire son nom de la ville d'Arita sur l'île de Kyushu au Japon, où elle a été produite pour la première fois au XVIIe siècle. Cette porcelaine est célèbre pour ses motifs décoratifs colorés et complexes.
    Les pièces de porcelaine Imari sont souvent ornées de motifs tels que des oiseaux, des fleurs, des dragons et des motifs abstraits, le tout peint à la main. Les couleurs caractéristiques incluent le bleu cobalt, le rouge fer et le doré. Ces pièces sont connues pour leur élégance et leur raffinement, et elles ont été exportées vers l'Europe au XVIIe siècle, devenant ainsi très prisées.
    Le style Imari a évolué au fil des siècles, mais il conserve généralement ses caractéristiques distinctives. Aujourd'hui, la porcelaine Imari est toujours produite à Arita, et les collectionneurs du monde entier apprécient sa beauté artistique et son héritage historique.

    Comment sont réalisées les porcelaines Imari ?

    La porcelaine Imari est fabriquée à partir d'une argile fine qui est cuite à des températures élevées. Le processus de fabrication implique plusieurs étapes, et la plupart des pièces Imari sont toujours fabriquées artisanalement. Voici une vue d'ensemble du processus de fabrication de la porcelaine Imari :
    - Préparation de l'argile : L'argile est extraite et préparée pour la fabrication des pièces de porcelaine. Elle est généralement purifiée et mélangée à d'autres matériaux pour améliorer ses propriétés.
    - Création de la forme : L'argile est façonnée à la main ou à l'aide de moules pour créer la forme de base de l'objet en porcelaine, qu'il s'agisse d'une assiette, d'un bol ou d'une autre pièce.
    - Séchage : Les pièces façonnées sont laissées à sécher complètement. Cela peut prendre plusieurs jours, selon la taille et la complexité de la pièce.
    - Cuisson à haute température : Les pièces séchées sont cuites dans un four à des températures élevées, généralement entre 1200 et 1400 degrés Celsius. Cette cuisson rend la porcelaine dure et durable.
    - Émaillage : Une couche d'émail est appliquée sur les pièces cuites pour leur donner une surface lisse et brillante. L'émail peut également servir de base pour les motifs décoratifs.
    - Peinture à la main : Les motifs caractéristiques de la porcelaine Imari sont peints à la main sur les pièces émaillées. Les pigments utilisés incluent le bleu cobalt, le rouge fer et le doré.
    - Cuisson finale : Après la peinture, les pièces sont soumises à une dernière cuisson à une température plus basse pour fixer les couleurs et assurer la finition.
    - Finition : Une fois refroidies, les pièces peuvent être polies ou recevoir d'autres finitions pour accentuer leur aspect esthétique.
    Le processus artisanal de fabrication de la porcelaine Imari demande du talent, de la patience et une grande attention aux détails, contribuant à la renommée de ces pièces en tant qu'œuvres d'art traditionnelles japonaises.

    Un exemple concret de grand plat en porcelaine japonaise de style Imari.

    Voici une superbe assiette, ou plat, en porcelaine d'imari, à décor polychrome de semis de fleurs dans des compartiments, fabriquée dans la plus pure tradition des productions réalisées dans l'ancienne province de Hizen sur l'île de Kyūshū au Japon.
    Objet très décoratif de par sa taille et ses couleurs, objet fort prisé des collectionneurs.
    Une gamme de couleurs vives et chatoyantes : bleu clair et bleu de cobalt, rouge de fer et vert, principalement déposées sur un fond blanc, le tout rehaussé en ors lumineux et brillants.
    Le dos, en couverte blanche, comporte trois trous percés pour aider à la présentation.
    Les bords réhaussés de 4 graphismes bleu turquoise dans un style presque ' floral '.
    état : rare en cet état ! très legères usures à la dorure extérieure, un seul défaut de cuisson à noter, le reste en parfait état, ayant toujours été exposé en vitrine.
    On peut facilement dater ce plat ( fond blanc grainé sans signature, dessin et pigments utilisés, cuisson et émail, dorrure ... ) entre la fin du XIX et le début du XXème siécle.
    dimensions : 34,5 x 4 cm
    poids : 1600 grammes
    provenance : vente aux enchères / liquidation d'une succession
    période : fin XIXè
    circa : 1890
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  • share read star Qu'est-ce qu'un jouet que l'on appelle un POUET ?
    Wednesday 13 December 2023 - 16:53
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    POUET
    POUET : ou comment faire du bruit avec un jouet pour enfant ...
    une toute petite et simple invention qui fait POUET pour amuser les enfants et qui maintenant nous fait POUET POUET pour le plus grand plaisir des amateurs d'objets de style 'vintage' ou autres collectionneurs nostalgiques ...

    Qu'est-ce qu'un jouet que l'on appelle POUET ?

    Un jouet appelé "POUET" est généralement un jouet en plastique qui émet un son lorsqu'on le presse ou le serre. Le son émis est souvent un bruit de "pouet" ou de "sifflet". Ces jouets sont souvent populaires auprès des enfants et sont conçus pour être amusants et divertissants. Ils peuvent prendre différentes formes et représentent souvent des animaux ou des personnages colorés.

    Comment appelle-t-on les collectionneurs de jouets ?

    Les collectionneurs de jouets sont appelés des "collectionneurs de jouets" ou des "collectionneurs de figurines". On peut également utiliser des termes spécifiques en fonction du type de jouets collectionnés. Par exemple, les personnes qui collectionnent des jouets en peluche peuvent être appelées des "collectionneurs de peluches", tandis que ceux qui se spécialisent dans les figurines d'action peuvent être désignés comme des "collectionneurs de figurines d'action". Le terme spécifique dépend du type de jouets que la personne préfère collectionner...
    Facile à dire, non ? Mais le domaine est tellement vaste ...
    *** un collectionneur d'objets qui font ' POUET ' est un " pouettophonophile ", terme étrange et peu répandu.
    *** un collectionneur de Jeux et de Jouets, en termes général est un " LUDOPHILE "
    *** un collectionneur d'ours en peluche est un " ARCTOPHILE ", mais peu de ces jouets sont des ' pouets ' ...
    etc ...

    Et le système du Pouet, il fonctionne comment ?

    Les jouets qui émettent un son de "pouet" généralement utilisent un dispositif appelé "sifflet à air" ou "sifflet à membrane".
    - Sifflet à air : Ces jouets sont souvent dotés d'un petit sifflet intégré à l'intérieur. Lorsque vous pressez ou serrez le jouet, l'air est comprimé à l'intérieur du sifflet.
    - Membrane : Certains jouets utilisent une membrane en caoutchouc souple comme élément clé. Lorsque vous appuyez sur le jouet, la membrane se comprime, forçant l'air à passer à travers un petit trou ou une valve située dans le sifflet.
    - Émission du son : Lorsque l'air passe à travers le sifflet, il crée une vibration dans la membrane, produisant ainsi le son distinctif de "pouet" ou de sifflet.
    -- Relâchement de la pression : En relâchant la pression sur le jouet, l'air revient à sa position d'origine, et le sifflet peut éventuellement être réinitialisé pour émettre un nouveau son lorsque le jouet est pressé à nouveau.
    Ce mécanisme simple permet aux jouets de produire un son amusant chaque fois qu'ils sont pressés, ce qui les rend attrayants pour les enfants et ajoute une dimension ludique à leur expérience de jeu.
    Les POUETS étant principalement destinés aux enfants, les sujets de prédilection sont la grande majorité du temps des animaux ou autres personnages de contes, de films, de séries enfantines.

    Le POUET du jour : BAMBI, le faon.

    "Bambi" est un personnage de fiction créé par l'auteur autrichien Felix Salten. Bambi est le protagoniste du livre "Bambi, l'histoire d'une vie dans les bois" (Bambi, Eine Lebensgeschichte aus dem Walde), publié en 1923. Ce livre a été adapté en un célèbre film d'animation produit par les studios Disney, intitulé "Bambi", sorti en 1942.
    Bambi est un jeune cerf mâle qui grandit dans la forêt, vivant diverses aventures et rencontrant d'autres animaux de la forêt. Le personnage est souvent associé à son innocence, à la découverte du monde et aux défis de la vie sauvage. Le film a acquis une renommée pour sa beauté visuelle, son animation soignée, ainsi que pour sa narration touchante et émotionnelle.
    BAMBI - jouet vintage POUET - tampon Walt Disney Productions - années 60's
    Pour les petits et grands collectionneurs : un superbe " bambi " de chez Disney, de grande taille et qui plus est articulé, tête qui tourne et membres articulés.
    Une fort belle réalisation 100% VINTAGE !
    marque en relief derrière la tête : WALT DISNEY PRODUCTIONS, copyright avec le logo éléphant
    état : bien propre, qui a servi mais fort bien survécu :) les traces d'usage sont présentes mais minimes.
    *** Le système du " POUET " est parfaitement opérationnel et à encore son opercule de protection !
    période de fabrication : 60's ( 1962 )
    dimensions : 37 x 25 x 12 cm
    poids ~~ 460 gr
    enjoy  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Une belle paire de photophores à découvrir !
    Thursday 16 November 2023 - 18:05
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    photophore
    photophore : mot connu VS objets rares 
    les photophores sont de petits objets de décoration principalement, mais ce genre de " luminaire " réalisé en métal argenté et en verre, accompagné d'un système de fonctionnement tout à fait original donne un résultat tout à fait apprécié en Décoration ...

    Tout savoir sur les Photophores.

    Qu'est-ce qu'un photophore ?
    Un photophore est un dispositif ou un récipient conçu pour contenir une source de lumière, généralement une bougie, une lampe ou une ampoule, utilisé à des fins décoratives ou fonctionnelles. Le terme est souvent associé à des objets tels que des bougeoirs, des lanternes ou des luminaires conçus pour émettre une lumière douce et agréable. Les photophores sont fréquemment utilisés dans la décoration intérieure, les événements spéciaux ou les espaces extérieurs pour créer une atmosphère chaleureuse et accueillante.
    Les principes de fonctionnement des photophores.
    Le fonctionnement d'un photophore dépend du type spécifique de dispositif, mais en général, un photophore est conçu pour contenir et protéger une source de lumière, souvent une bougie. Voici comment cela fonctionne généralement :
    - Contenir la source de lumière : Un photophore est fabriqué avec des matériaux qui peuvent contenir en toute sécurité la source de lumière, généralement une bougie chauffe-plat, une petite lampe ou une ampoule LED.
    - Protection contre le vent : Certains photophores sont conçus avec des parois ou des abat-jour pour protéger la flamme de la source de lumière contre le vent. Cela est particulièrement important si le photophore est utilisé à l'extérieur.
    - Transmission de la lumière : Les photophores sont souvent fabriqués avec des matériaux qui diffusent la lumière de manière douce et agréable, créant une atmosphère chaleureuse. Certains photophores peuvent avoir des motifs ou des découpes pour projeter des ombres décoratives.
    - Sécurité : Les photophores sont conçus pour être utilisés en toute sécurité. Ils peuvent avoir des éléments tels que des poignées isolantes pour éviter les brûlures, des bases stables pour prévenir les renversements, et des matériaux résistants à la chaleur.
    - Installation de la source lumineuse : Selon le type de photophore, vous pouvez placer une bougie allumée, une lampe spéciale ou une ampoule LED à l'intérieur du photophore pour émettre de la lumière.
    Globalement, les photophores ajoutent une touche décorative et fonctionnelle en créant une ambiance lumineuse, que ce soit à l'intérieur ou à l'extérieur.

    Des photophores sans bougie mais avec un réservoir !!!

    Un photophore fonctionnant avec un récipient rempli de pétrole et une mèche est souvent appelé une lampe à huile.
    Voici comment cela fonctionne généralement :
    - Réservoir d'huile : Le photophore a un réservoir conçu pour contenir de l'huile, généralement de l'huile à lampe ou une substance similaire. Ce réservoir est doté d'une ouverture pour remplir l'huile.
    - Mèche : Une mèche est placée dans le réservoir d'huile, généralement en émergeant légèrement de la surface de l'huile. La mèche absorbe l'huile, permettant ainsi une combustion lente et contrôlée.
    - Allumage : Avant d'utiliser le photophore, la mèche doit être allumée. Certains modèles peuvent avoir un mécanisme d'allumage intégré, tandis que d'autres nécessitent l'utilisation d'une allumette ou d'un briquet.
    - Flamme : Une fois la mèche allumée, elle produit une flamme. La hauteur de la flamme peut souvent être ajustée en fonction de la conception du photophore.
    - Régulation : Certains photophores à huile ont des mécanismes pour réguler la quantité d'air qui atteint la flamme, ce qui peut affecter l'intensité de la lumière. Certains modèles peuvent également avoir des couvercles pour éteindre la flamme lorsque cela est nécessaire.
    - Sécurité : Comme avec tous les dispositifs de flamme, il est important de prendre des précautions de sécurité appropriées, telles que placer le photophore sur une surface stable, éviter les courants d'air et surveiller attentivement lorsqu'il est allumé.
    Les lampes à huile ont été utilisées historiquement pour l'éclairage avant l'avènement de l'électricité, à l'intérieur comme à l'extérieur, les photophores, eux, étant principalement destinés aux intérieures. Aujourd'hui, ce sont des objets sont souvent utilisées à des fins décoratives ou dans des situations où l'électricité n'est pas disponible ...

    Des modèles plus anciens, de fabrication différente : Verre et Métal argenté.

    Ceux les deux objets, la découverte du jour que nous vous présentons, des objets fort peu courants, donc rares, très décoratifs et de fort belle qualité.
    *** Très belle paire de photophores, le pied en beau métal argenté, le haut en verre formé d'excellent état.
    Marqué sous le pied : LA LAMPIONE - MARQUE DÉPOSÉE - avec 3 poinçons : orfèvre, France, argenture.
    Une paire d'objets peu courants, quasiment EXCEPTIONNELS en cet état et très décoratifs qui plus est !!!
    " lampione " est une marque fort connue pour ses productions en étain, principalement pour la maison " étains du manoir ", mais elle a su aussi se distinguer par des objets beaucoup plus " haut de gamme " et beaucoup plus rare de ce fait ...
    état : quasi neuf, sans aucun coup, choc ou autre pouvant nuire à la structure des objets; le métal n'est pas piqué, la verrerie est en état neuf :)
    Les photos montrent l'état ( ... neuf ) et le fonctionnement du système de brûleur pour l'éclairage ainsi que du récipient à remplir de carburant, duquel sort une mèche que l'on peut régler pour faire varier la flamme..
    *** Objet rare, de décoration, de collection, de création d'ambiance particulière :)
    dimensions : 26 x 14 cm
    poids : 1150 grammes
    époque : deuxième partie du XXème siècle
    style : moderne épuré
    circa : 1970

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  • share read star Grande bouteille plate en verre filigrané de Murano.
    Monday 13 November 2023 - 17:06
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Verre filigrané de Venise
    Verre filigrané de Venise : une véritable technique de haut niveau des maîtres verriers
    Venise, Murano, des villes tellement réputées pour les créations de leurs maîtres verriers...
    Ce sont ces termes qui vont, au travers d'une véritable œuvre d'Art nous faire découvrir des techniques souvent inconnues du commun des mortels, mais heureusement maîtrisées par les grands verriers qui ont de par son utilisation réussi la réalisation d'un Monde complétement artistique à côté de la simple verrerie.

    Quelques techniques différentes du Verre Vénitien.

    S’il est connu depuis l’Antiquité, le travail du verre y prend à partir du XVe siècle une ampleur considérable. Au début du XVIe siècle, le verre vénitien atteint son plus haut degré de perfection avec une finesse et une élégance des formes sans précédent qui font de chaque pièce, notamment celles qui sont réalisées en verre filigrané , un véritable chef-d’œuvre.
    L’invention d’un verre blanc laiteux (« lattimo »), alliée à une maîtrise technique éblouissante, permet la création des décors dits « filigranés » dans lesquels de minces fils blancs opaques sont incorporés à la masse du verre et donnent l’impression de filets entremêlés pour une infinité de décor
    On distingue  trois catégories de décors aux graphismes différents :
    le “vetro a fili” où les “cannes” forment des lignes parallèles,
    le “vetro a retorti” dans lequel elles sont préalablement tordues en spirales
    le “vetro a reticello “dans lequel elles s’entrecroisent pour former une résille rayonnantes, délicat filet dans lequel sont emprisonnées de minuscules bulles d’air.

    Et notre ' objet du jour ' : une superbe Bouteille Plate, en Verre Filigrané Torsadé.

    Murano - Bouteille Plate - Verre Filigrané Torsadé - Verre de Venise - Antonio Salviati - Lattino blanches - PIECE UNIQUE !
    Superbe pièce de verrerie/cristallerie, vase ou bouteille de forme " plate et torsadée " réalisée selon la technique ancestrale de Murano en " cristallo " avec du verre filigrané à incrustations de baguettes blanches appelées " lattimo " dans le verre pour répéter à l'infini les mêmes décors.
    Un objet rare et recherché, inhabituel et impressionnant, attribué au maître verrier Antonio Salviati ( 1816 - 1890 ) de Murano.
    état : excellent, aucun signe apparent de coups ou autres chocs, pas d'éclat ni de fissures, présence du 'grand' bouchon d'origine.
    période : fin XIXème
    style : Murano filigrané
    circa : 1870
    origine : collection privée

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  • share read star Cow-Parade ou Vach'Art, vous connaissez ?
    Friday 10 November 2023 - 10:43
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Cow-ParadeCow-Parade : Création, Passion, Collection
    Un concept d'art moderne lancé au début du siècle sur la thématique de la " VACHE ", qui s'est propagé dans le Monde entier, de ville en ville ...
    Il est devenu désormais un mouvement artistique ( oui ! ) et comporte des millions de fans de par le monde, des fans qui ont donné naissance à une nouvelle catégorie de collectionneurs.
    Si vraiment vous ne connaissiez pas " Cow-Parade " et ses modèles, ou si le " Vach'Art " est déjà votre passion, nous allons essayez de mettre ici un maximum de renseignements sur le sujet afin de mieux comprendre les tenants et les aboutissements.

    Qu'est-ce que le 'concept' Cow-Parade ?

    Le mouvement CowParade ( ou Vach'Art en français ) est une exposition artistique internationale qui a débuté à Chicago en 1999. Il consiste en la création et la décoration de statues de vaches grandeur nature par des artistes locaux, qui sont ensuite exposées dans les rues des villes participantes. Chaque vache est souvent décorée de manière unique et créative, reflétant la sensibilité artistique de l'artiste. Ces expositions sont souvent organisées dans le but de lever des fonds pour des œuvres caritatives locales. Le concept a depuis été repris dans de nombreuses villes à travers le monde.
    La première du genre fut organisée à Chicago en 1999 à Chicago et obtint de suite une notoriété internationale. Cette première exposition de vaches ( Cows on Parade ) attira cette année plus d'un million de visiteurs dans le Midwest.
    Son internationalisation commença en l'an 2000 notamment aux US, puis dès 2002 à l'étranger ( Sydney, Australie ), pour arriver enfin en Europe en 2002/2003 ( Londres, Bruxelles ) puis à Paris en 2006.

    Pourquoi existe-t-il de petits modèles de vache de Cow-Parade ?

    Les petits modèles de vaches de CowParade sont souvent des reproductions en miniature des grandes statues de vaches créées pour les expositions. Ils sont généralement produits pour permettre aux amateurs d'art et aux collectionneurs de posséder une version plus accessible et facile à exposer chez eux. Ces miniatures sont souvent vendues comme des objets de collection et peuvent également servir à lever des fonds supplémentaires pour les œuvres caritatives soutenues par l'exposition CowParade. En outre, ils permettent de prolonger la visibilité de l'exposition au-delà de la période initiale de l'événement.

    C'est ainsi qu'est née l'une des collections figurants parmi les plus surprenantes du début du siècle ...

    Les petits modèles de vaches CowParade pour les collectionneurs sont généralement fabriqués par des entreprises spécialisées dans la production d'objets de collection et de figurines d'art. Ces entreprises sont souvent mandatées par les organisateurs de l'exposition CowParade pour reproduire les designs originaux des artistes sous forme de miniatures. Il peut s'agir de fabricants d'articles de collection renommés ou de sociétés spécialisées dans la fabrication de figurines et de sculptures. Chaque modèle est généralement produit en série limitée et peut être accompagné d'un certificat d'authenticité.
    Le manque de certificat, les retirages, les mentions 'china', etc ... laissent très peu de doutes sur le manque d'originalité d'une pièce ... qui sera rejetée automatiquement par les vrais connaisseurs.

    La folie des collectionneurs.

    Si il existent de très nombreux modèles dont sont plus que friands les collectionneurs du Monde entier, il faut cependant bien faire attention aux exemplaires " bidouillé " sans aucune réelle autorisation de publication ou attribution de licence ... chose beaucoup trop répandue malheureusement !!!
    Il existe désormais plusieurs organisations ( sites internet visibles ) qui gère les licences de publication, faisant également en même temps respecter certains standards notamment de formes, de conceptions, de tailles, de qualités, de fabrication afin de leur attribuer de véritables valeurs et références pour la collection.
    Cow-Parade catalogue
    Cow-Parade catalogue : une liste des modèles sous licence sur un site officiel.
    La valeur des pièces est établie en fonction de plusieurs critères ( pour des pièces ' officielles ' ), comme la taille, le fabriquant, le designer auteur du modèle, l'année de fabrication, leur rareté ...

    Notre modèle du jour :

    Cow-Parade - Vache Hug & Smooches ( Câlins et bisous , en Français )
    Modèle réalisé en résine polychrome ( couleurs : noir, blanc, rouge )
    Le dessin reproduit sur la robe de la vache est inspiré par l'éternel " Jeu de Morpion ", avec sa grille de 9 cases et ses X et 0 dessiné en blanc sur un fond noir, un graphisme épuré à la perfection par l'artiste Susan Rooney.
    références : 20107
    édition de 2000
    caractéristiques :
    - vache : 18,5 x 27 x 8,5 cm / 1350 grammes
    - boite : 35,5 x 15,5 x 25 cm / 1600 grammes
    référence sur l'étiquette :
    Ditributed by : Sunday International B.V.
    Hugs & Smooches by Susan Rooney
    modèle 20107
    copy 2000 CowParade Holdongs Corporation
    état : quasi neuf
    Présentée dans sa boite d'origine, jamais sortie auparavant, sans aucune piqûre ou défaut notoire sur la résine ou dans les couleurs. Protégée par un emboitage d'origine en polystirène.
    ( encore la petite étiquette du passage au contrôle de qualité "QC PASS." sous le ventre)
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  • share read star Orfèvrerie Béard à Montreux Suisse - Service Thé - Café
    Monday 06 November 2023 - 10:41
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Orfèvrerie Suisse
    Orfèvrerie Suisse : BEARD à Montreux
    Si le Suisse est connue mondialement pour la qualité de son horlogerie, il faut aussi savoir que cette méticulosité s'est aussi distinguée dans d'autres branche du ' luxe ', notamment dans l'orfèvrerie, chose que nous ignorons souvent ...

    L'orfèvrerie Béard de Montreux : qualité et luxe ' à la suisse '

    Cette orfèvrerie BEARD a été fondée en 1907 à Montreux, en Suisse, par Noël Béard.
    Dès les années 1930, elle connaît un essor considérable, notamment grâce à une invention du fils Henri, permettant de fabriquer une argenterie plus solide, capable de supporter l’usage intensif qu’en font les professionnels. En 1948, l’entreprise devenue société anonyme inaugure son usine de Clarens, et devient alors le fleuron industriel de Montreux. Cette marque fut reprise en 1998, par la société E.B.H., digne successeur de BEARD France, seule filiale créée par BEARD Montreux – Suisse- à Nice en 1971 ...

    Fournisseur des grands Hôtels et Palaces du Monde entier.

    Un lot qui est à la fois une superbe pièce d'orfèvrerie, mais également une partie de l'histoire de l'orfèvrerie SUISSE au travers de la marque Béard.
    RARE : service complet (Thé / café sur plateau ) réalisée par la maison " BEARD ", orfèvres à Montreux ( SUISSE ), spécialisée à cette époque dans les production pour l'hôtellerie de luxe ou de riches particuliers.
    Toutes ces commandes et modèles sont 100% réalisés sur commande et il est bien rare d'en retrouver en tel état !
    Ici toutes les pièces portent un monogramme " CH " qui semblerait correspondre à l'un des hôtels les plus connus de Paris et du Monde : L'Hôtel Crillon (HC) de Paris.

    Orfèvrerie BEARD, Montreux - Service thé-café art déco .

    Il comprend pichet, théière, cafetière, sucrier, pot à lait et plateau, à décor d'un monogramme ( CH ou HC ).
    Ce lot est à la fois une superbe pièce d'orfèvrerie, mais également une partie de l'histoire de l'orfèvrerie SUISSE au travers de la marque Beard.
    caractéristiques :
    - plateau : 35 x 1,5 cm / 850 grammes
    - grand pot : 15,5 x 11 x 13 cm / 600 grammes
    - pot avec couvercle : 17,5 x 8 x 12 cm / 660 grammes
    - pot avec couvercle : 14,5 x 6,5 x 12 cm / 505 grammes
    - petit pot à lait : 10 x 5,5 x 6 cm / 215 grammes
    - sucrier couvert : 15 x 7,5 x 4,5 cm / 165 grammes
    Une fabrication en Métal argenté, de fort belle facture, lourde, épaisse et solide, dont tous les objets comportent, en creux sur leurs dessous, les poinçons " Orfèvrerie BEARD, Montreux " et parfois grammage, numéro, capacité en cl.
    état : excellent état état pour l'ensemble avec les traditionnelles marques d'usages et du passage du temps. ( petit coup de chiffon à donner :) ) / pas de coup, bosse ou autre déformation notoire à signaler.
    époque : XXème
    style : Art Déco
    circa : 1930
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  • share read star Les anciennes lampes à huile provençales en verre
    Friday 27 October 2023 - 16:49
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    lampe provençale
    lampe provençale : une ancienne réalisation en verre soufflé
    Déjà évoquées ici, avec deux autres très jolis modèles, dans la famille des anciennes lampes à huile, nous avons celles que l'on nomment " provençales ", qui parfois se trouvent également sous le ' faux ' intitulé de " lampe de dentellière '.

    Les lampes à huile provençales, en cristal ou en verre soufflé ou moulé.

    Une lampe provençale, également connue sous le nom de "lampe à huile provençale", est un luminaire traditionnel originaire de la région de Provence, située dans le sud-est de la France. Ces lampes sont souvent conçues avec un style rustique et authentique, reflétant l'esthétique typique de la Provence.
    Elles sont généralement fabriquées à partir de matériaux tels que la terre cuite, le métal forgé ou la céramique, et sont souvent décorées avec des motifs floraux ou des motifs inspirés de la nature, parfois aussi réalisées en verre ou crstal soufflé ou moulé. Ces lampes étaient traditionnellement utilisées pour éclairer les maisons et les espaces extérieurs dans la région de Provence.
    Une lampe provençale en verre soufflé est une variante de la lampe provençale traditionnelle qui intègre des éléments en verre soufflé. Le verre soufflé est une technique artisanale de fabrication de verre qui consiste à chauffer du verre fondu et à le façonner en soufflant de l'air à l'intérieur à l'aide d'une canne creuse. Cela permet de créer des formes et des motifs variés dont de nombreux collectionneurs sont très friands.
    Une lampe provençale en verre soufflé ou en cristal peut donc être une pièce de décoration particulièrement élégante et raffinée, qui allie le charme traditionnel de la Provence à l'artisanat du verre soufflé.

    Ne pas confondre avec une lampe de dentellière ...

    Quelques professions bien spécifiques (bijoutiers, dentellières, cordonniers…), ayant besoin d’un bon éclairage en un point précis, utilisaient pour concentrer la lumière naturelle ou d’une lampe à essence ou d’une lampe à huile, une boule en verre aux trois quarts remplie d’eau ...
    Les dentellières, les brodeuses,  les cordonniers, etc. utilisaient une boule remplie d’eau pour concentrer la lumière d’une autre source lumineuse vers leur ouvrage.
    Les petites lampes à huile en verre soufflé s’appellent en réalité " lampes provençales ". Elle se retrouvaient d’ailleurs sur les tables de toute la France, bien loin parfois de la Provence.
    La confusion vient de la forme de la lampe qui rappelle, en plus petit, celle de la boule des dentellières.
    *** Une confusion qu'il faudrait donc largement éclaircir pour redonner à chaque objet son nom, origine, provenance et utilisation d'origine ...

    Les deux modèles de lampes présentés aujourd'hui.

    - La première est une fort jolie lampe à huile, d'origine provençale, réalisée en verre soufflé de taille moyenne, présentant quelques bulles incluses, marque du travail artisanal à la bouche, dans laquelle on trouve encore une mèche, non utilisée ...
    dimensions : 21 x 9,5 cm / poids : 320 grammes / Très bon état
    datation : début XXème, vers 1930
    - La seconde, de taille plus importante est elle réalisée en verre moulé de très bonne épaisseur, avec de nombreux décors en creux et reliefs, partiellement conçus à la main et, surtout, chose importante : elle porte sur le dessous du pied la marque " PORTIEUX " qui correspond à une importante cristallerie d'Art, connue depuis 1705 et située dans la commune de Portieux, dans les Vosges.
    Elle fut mise en liquidation en 1970, puis encore en 2021 ...
    dimensions : 25 x 12,5 cm / poids : 760 grammes / très bon état
    datation : fin XIXème / début XXème, vers 1900
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  • share read star Les collectionneurs de tabatières ...
    Saturday 23 September 2023 - 17:46
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    tabatière
    tabatière - objet utilitaire et objet de collection
     Si vous collectionnez les tabatières vous êtes un Buxidanicophile, petits objets appelés également " snuffboxes " en anglais.
    De petits objets qui existent depuis fort longtemps et qui comptent parmi les choses les plus collectionnées ...

    Qu'est-ce qu'une tabatière ?

    Une tabatière est un objet destiné à contenir du tabac à priser. Il s'agit d'une petite boîte, généralement en métal, en bois ou en écaille de tortue, avec un couvercle qui s'ouvre pour révéler une cavité dans laquelle le tabac est stocké. Les tabatières peuvent être simples ou très élaborées, et elles sont souvent décorées de motifs ornementaux, de gravures ou de peintures.
    Les tabatières ont été utilisées depuis des siècles, et elles étaient autrefois un objet de luxe. Elles étaient souvent fabriquées par des artisans qualifiés et étaient considérées comme des objets de collection. Au fil du temps, les tabatières sont devenues plus abordables, et elles sont désormais utilisées par des personnes de tous les milieux sociaux.
    En plus de leur fonction pratique, les tabatières peuvent également être des objets décoratifs. Elles peuvent être exposées sur une étagère ou un bureau, ou elles peuvent être portées en tant qu'accessoire de mode.

    Voici quelques exemples de tabatières :

    - Tabatières en métal : Les tabatières en métal sont les plus courantes. Elles sont généralement fabriquées en argent, en or ou en cuivre.
    - Tabatières en bois : Les tabatières en bois sont plus durables que les tabatières en métal. Elles sont souvent fabriquées en bois précieux, comme l'ébène ou le palissandre.
    - Tabatières en écaille de tortue : Les tabatières en écaille de tortue sont les plus rares et les plus précieuses. Elles sont fabriquées à partir de l'écaille de la tortue marine, qui est un matériau très précieux.
    Voici quelques exemples d'utilisations des tabatières :
    - Pour contenir du tabac à priser : Les tabatières sont utilisées pour contenir du tabac à priser, qui est une forme de tabac qui est prisée et non fumée.
    - Comme objet décoratif : Les tabatières peuvent être exposées sur une étagère ou un bureau, ou elles peuvent être portées en tant qu'accessoire de mode.
    - Comme objet de collection : Les tabatières anciennes et précieuses peuvent être des objets de collection.

    Le tabac à priser : qu'est-ce que c'est ?

    Le tabac à priser est une forme de tabac qui est consommée en l'introduisant dans le nez. Il s'agit d'une poudre fine, généralement aromatisée, qui est prélevée d'une tabatière à l'aide d'un tac à priser. Le tabac à priser est ensuite introduit dans une narine, puis inhalé.
    Le tabac à priser est une forme de tabac ancienne qui était utilisée depuis des siècles. Il était autrefois populaire dans de nombreux pays, mais il est aujourd'hui tombé en désuétude dans la plupart des pays occidentaux.
    Il existe deux principaux types de tabac à priser : le tabac à priser sec et le tabac à priser humide. Le tabac à priser sec est la forme la plus courante. Il est fabriqué à partir de feuilles de tabac séchées et broyées. Le tabac à priser humide est fabriqué à partir de feuilles de tabac fermentées et humides.
    Le tabac à priser est une forme de tabac qui contient de la nicotine, une substance addictive. La consommation de tabac à priser peut entraîner les mêmes risques pour la santé que la consommation de tabac fumé, notamment le cancer, les maladies cardiaques et les maladies pulmonaires.
    Voici quelques effets du tabac à priser :
    - Addiction : Le tabac à priser contient de la nicotine, une substance addictive qui peut entraîner une dépendance.
    - Problèmes de santé : La consommation de tabac à priser peut entraîner les mêmes risques pour la santé que la consommation de tabac fumé, notamment le cancer, les maladies cardiaques et les maladies pulmonaires.
    - Irritation nasale : La consommation de tabac à priser peut provoquer une irritation nasale, des maux de tête et des saignements de nez.
    - Perte d'odorat : La consommation de tabac à priser peut entraîner une perte d'odorat.
    Le tabac à priser est une forme de tabac qui est addictive et qui peut avoir des effets néfastes sur la santé. Il est important de connaître les risques associés à la consommation de tabac à priser avant de l'essayer.

    Les différents types de tabatières.

    Il existe plusieurs types de tabatières, chacune ayant ses propres caractéristiques et usages. Voici quelques-uns des types de tabatières les plus courants :
    * Tabatière de poche : Il s'agit d'une petite boîte portable conçue pour contenir du tabac à priser. Elle est généralement assez petite pour tenir dans une poche.
    * Tabatière de table : Plus grande que la tabatière de poche, celle-ci est conçue pour être placée sur une table. Elle peut contenir une plus grande quantité de tabac à priser et est souvent utilisée lors de rassemblements sociaux.
    * Tabatière de collection : Certains amateurs de tabac à priser collectent des tabatières anciennes ou artistiquement conçues. Elles peuvent être fabriquées à partir de divers matériaux, tels que l'argent, l'ivoire, le bois précieux, etc.
    * Tabatière décorative : Certaines tabatières sont ornées de motifs artistiques, de gravures complexes, ou sont incrustées de pierres précieuses. Elles sont souvent considérées comme des objets de collection ou des pièces d'artisanat de luxe.
    * Tabatière à compartiments multiples : Ces tabatières ont plusieurs compartiments pour permettre le stockage de différents types de tabac à priser ou d'accessoires liés au tabac.
    * Tabatière électronique : Ces tabatières sont équipées de dispositifs électroniques qui permettent de broyer et de vaporiser du tabac. Elles sont souvent utilisées comme alternative aux cigarettes traditionnelles.

    Pour les vrais Buxidanicophiles, voici quelques petits modèles de tabatières simples et modestes ...

    Nous restons ici dans le monde des des petits objets et du début de collection, de part la simplicité des tabatières présentées.
    Toutes comportent au minimum une partie en bois, certaines sont taillées dans de la corne de bovin; les systèmes d'ouverture sont soit ' à tirette ', en tirant sur un anneau placé sur le couvercle, soit à ' clapet ' en faisant basculer un couvercle monté sur chanières; vous pouvez observer les différents détails plus précisément en agrandissant d'un clic les vignettes ci-dessous ...
    enjoy :)
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  • share read star Vintage : boucle de ceinture de style Rockabilly
    Monday 04 September 2023 - 11:18
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    boucle de ceinture
    boucle de ceinture : style Vintage et Rockabilly
     Les boucles de ceinture sont des accessoires qui servent à attacher et ajuster une ceinture autour de la taille. Elles sont disponibles dans une variété de styles, de tailles et de matériaux, ce qui en fait un élément de mode populaire.
    Elles se déclinent également dans de nombreuses thématiques, comme ici pour ces 4 boucles de ceinturon d'origine anglaise ou américaine et déclinant toute une passion pour la musique " ROCK " et le style VINTAGE.

    Les boucles de ceinture de style Rockabilly.

    Les boucles de ceinture de style rockabilly sont généralement de taille moyenne à grande et sont fabriquées dans des matériaux tels que le métal, l'acrylique ou le plastique. Elles sont souvent décorées de motifs rétro, tels que des pin-up, des voitures anciennes, des drapeaux, des instruments de musique ou des images de style vintage.
    Voici quelques exemples de boucles de ceinture de style rockabilly :
    - Une boucle de ceinture en métal avec une image d'une pin-up des années 1950
    - Une boucle de ceinture en acrylique avec une image d'une voiture ancienne
    - Une boucle de ceinture en plastique avec une image d'un instrument de musique
    - Une boucle de ceinture en métal avec une image de style vintage, comme une machine à écrire ou un juke-box
    - une boucle de ceinturon en métal représentant les drapeaux USA ou anglais
    - Une boucle de ceinturon en métal en métal représentant des groupes ou symboles musicaux
    Les boucles de ceinture de style rockabilly sont un excellent moyen d'ajouter une touche de style et de personnalité à votre tenue.
    Elles sont parfaites pour les fans de rockabilly, mais elles peuvent également être portées par tous ceux qui aiment le style rétro ou vintage.

    Voici quelques conseils pour choisir une boucle de ceinture de style rockabilly :

    * Choisissez une boucle qui correspond à votre style personnel. Si vous aimez le style classique, optez pour une boucle en métal avec un motif simple. Si vous préférez le style vintage, choisissez une boucle avec un motif plus détaillé.
    * Choisissez une boucle qui est de la bonne taille. La boucle doit être suffisamment grande pour être visible, mais pas trop grande pour être gênante.
    * Choisissez une boucle qui est de bonne qualité. Une boucle de qualité supérieure durera plus longtemps et sera plus facile à entretenir.
    * Si vous êtes réellement fan ou passionné d'une thématique, pour ici la musique Rock, choisissez des modèles dans ' votre ' thématique.
    ** Prenez le temps et trouvez votre plaisir à les chiner sur les brocantes ou autres lieux de découvertes ...

    Quatre modèles de boucles de ceinturon vintage pour les " rockers ".

    *** ancienne boucle de ceinturon représentant une tête d'aigle
    Peu courante, une boucle en métal doré, marquée d'une fine gravure de l'aigle Américain.
    gravure fine, fort bien exécuté mais portant les traces d'usage et d'âge habituelles
    belle patine
    8 x 6 cm - 120 grammes - état : usure à la dorure
    fabrication : 1970
    *** superbe boucle de ceinturon au drapeau anglais
    Peu courante, une boucle en zamac, marquée d'une sérigraphie du drapeau anglais.
    Notée : THE ELECTRIC WAY OF LIFE
    émaillée bleu, blanc, rouge sur fond argenté
    CopyrightS au dos :
    - MADE IN USA emi 2004
    - The flag of the United Kingdom of Great Britain and Northern Ireland is sometimes called the Union Jack
    numéro de pièce : BBGB01
    10 x 7,5 cm - 120 grammes - état : excellent
    fabrication : 2004
    *** Belle boucle de ceinturon style anglais
    Peu courante, une boucle en zamac, marquée d'une grande guitare encadrée des drapeaux anglais et américain.
    Notée : THE ELECTRIC WAY OF LIFE
    émaillées noir, bleu, blanc, rouge sur fond argenté
    CopyrightS au dos :
    - DRAGONS DESIGNS TANSIDE LTD. ENGLAND
    - MANUFACTURED IN THE USA TANSIDE LTD ENGLAND
    N° de pièce : TAN-1088
    9 x 8 cm - 155 grammes - état : excellent
    fabrication : 1980
    *** Grande boucle de ceinturon ancienne
    Peu courante, une boucle en zamac, marquée en grandes lettres calligraphiées " Rock ".
    émaillées noir sur fond argenté
    10,5 x 7,5 cm - 70 grammes - état : excellent
    fabrication : 1980
    et maintenant, pour mieux voir, vous pouvez les visualiser en cliquant simplement sur les vignettes ci-dessous pour les agrandir ...
    enjoy    :)
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  • share read star Mieux connaître la porcelaine de Vierzon
    Sunday 03 September 2023 - 18:13
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    musée de la Porcelaine
    musée de la Porcelaine : un incontournable de la ville de Vierzon
     Vierzon est une commune française située dans le département du Cher, en région Centre-Val de Loire. Elle est connue pour son patrimoine historique et ses beaux paysages de la vallée du Cher.

    La Porcelaine de Vierzon : il faut la redécouvrir !

    La ville de Vierzon est effectivement associée à la production de porcelaine. Vierzon a une longue histoire dans l'industrie de la céramique et de la porcelaine. La manufacture de porcelaine de Vierzon a été fondée au XVIIIe siècle et est devenue célèbre pour sa production de porcelaine de haute qualité.
    La porcelaine de Vierzon est connue pour sa finesse et sa délicatesse. Elle a été exportée dans le monde entier et a acquis une réputation internationale. Malheureusement, la manufacture de porcelaine de Vierzon a fermé ses portes au cours du XXe siècle, mais son héritage perdure dans la mémoire de la ville.

    L'histoire de la Porcelaine de Vierzon.

    La porcelaine de Vierzon est une porcelaine dure fabriquée à Vierzon, dans le département du Cher, en France. Elle est produite depuis le XVIIIe siècle et a acquis une renommée internationale au XIXe siècle.
    La porcelaine de Vierzon est fabriquée à partir d'une argile spéciale, appelée kaolin, qui est extraite dans la région. Cette argile est ensuite cuite à haute température, ce qui lui donne sa blancheur et sa dureté.
    Les porcelaines de Vierzon sont fabriquées dans une variété de styles, allant du traditionnel au moderne. Les motifs sont souvent inspirés de la nature, de la mythologie ou de la culture française.
    Les porcelaines de Vierzon sont appréciées pour leur beauté, leur qualité et leur durabilité. Elles sont utilisées dans les maisons et les restaurants du monde entier.
    Voici quelques-unes des marques les plus célèbres de porcelaine de Vierzon :
    - Royal Email Fine
    - A. Hache & Cie
    - Bourgougnoux-Vierzon
    La porcelaine de Vierzon est un trésor du patrimoine français. Elle est un symbole de l'excellence de la manufacture française et de l'art de vivre à la française.
    Voici quelques conseils pour reconnaître une porcelaine de Vierzon authentique :
    * La porcelaine de Vierzon est généralement marquée d'une marque ou d'un logo.
    * La porcelaine de Vierzon est blanche et dure.
    * La porcelaine de Vierzon est généralement de bonne qualité.
    Voici quelques conseils pour prendre soin de votre porcelaine de Vierzon :
    ** Lavez votre porcelaine à la main avec de l'eau tiède et du savon doux.
    ** Ne lavez pas votre porcelaine au lave-vaisselle.
    ** N'utilisez pas de produits de nettoyage abrasifs.
    ** Séchez votre porcelaine immédiatement après le lavage.
    ** Rangez votre porcelaine dans un endroit frais et sec.

    Pétry & Hache : l'âge d'or de la porcelaine à Vierzon de 1840 à 1910.

    Sur trois générations, la famille Pétry-Hache a élevé le prestige de la porcelaine au plus haut point. Leur empire dura plus de cent ans.
    Adolphe Hache. Le nom est bien connu des collectionneurs de porcelaine. Au XIX e siècle, cet industriel vierzonnais a bâti un empire industriel, employant jusqu'à 1.000 ouvriers, allant jusqu'à concurrencer les productions de Sèvres et de Limoges. Ceci avant de disparaître au cours des années 1930… Son histoire est, aussi, celle d'une famille, atypique.
    Le destin de la dynastie Hache a commencé avec un industriel nommé… Pétry. Né en 1783, marié, Pierre, de son prénom, n'a jamais eu d'enfant avec sa femme. Mais de son idylle avec sa domestique, Catherine Hache, naquirent un garçon et une fille, Adolphe et Pauline. Ceux-ci gardèrent le nom de leur mère. Mais héritent des industries de leur père.
    Jusqu'à 1.100 ouvriers travaillèrent chez Hache...
    Aucun portrait de Pétry ni de son fils ne semble être parvenu jusqu'à nous… Leur parcours est, néanmoins, bien connu, notamment grâce aux travaux de l'historien Henri Letourneau et aux récentes recherches d'une étudiante, Lauranne Piveteau, menées dans le cadre de son cursus d'histoire de l'art.
    En 1829, Pierre Pétry achète un château au cœur de Vierzon, Bel-Air, à Marc Schoelcher (1766-1832), un porcelainier d'origine alsacienne. Lui-même l'avait acquis à Louis Delvincourt, ancien marchand de canons reconverti après les guerres napoléoniennes et pionnier de la céramique, qui, en 1816, y avait installé la première manufacture vierzonnaise.
    Issu d'une famille de notables lillois – son père était directeur des Diligences de Paris, concessionnaire des transports entre le Nord et la capitale – Pétry avait appris le métier de la porcelaine à Paris. Il s'installe à Vierzon, en s'associant à un certain Ronsse. Ils allaient créer un fleuron de l'industrie française.
    Pierre Pétry, industriel, puis maire de Vierzon
    Au milieu du siècle, la porcelainerie Pétry est florissante. Dès 1842, Pierre associe son fils Adolphe, né en 1821, à Marchiennes (Nord). Quand son père se retire, en 1845, il reprend les rênes de l'entreprise – et lui donne son nom – avec son beau-frère, Léon Pépin-Lehalleur. Retiré des affaires, Pétry reste actif.
    Il devient maire de Vierzon-Ville sous la II e République, de 1848 à 1852. Il meurt à Paris, en 1857. Sa dépouille repose, aujourd'hui, à Vierzon, au cimetière central. Dans sa sépulture, ornée d'un élégant drapé de pierre, est, également, inhumée sa compagne, Catherine Hache, qu'il avait fini par épouser.
    Au cours de la seconde moitié du XIX e siècle, Hache et Pépin-Lehalleur donnent un essor sans précédent à leur manufacture, qui se positionne à la pointe de la technique. En 1847, elle emploie 445 ouvriers, effectifs appelés à doubler au cours des décennies suivantes. Dans les années 1850, d'après les archives de l'époque, elle est équipée de six fours pour cuire la céramique.
    Le nom de Hache devient synonyme de qualité et de prestige. La firme est implantée à Paris, place Vendôme, haut lieu du luxe dans la capitale. Et devient ambassadrice du savoir-faire national. « MM. Hache et Pepin-Lehalleur frères ont représenté, avec tous les progrès les plus récents, et avec une grande perfection, la fabrication, de la porcelaine dure française », écrit, alors Victor d'Albert de Luynes, dans son rapport de l'Exposition universelle de Vienne de 1873.
    En 1872, Léon Pépin-Lehalleur se retire, laissant la place à ses deux fils. Ils partent à leur tour en même temps que leur oncle Adolphe, en 1885. Mais la manufacture reste dans la famille et le nom de Hache perdure. Alfred, fils d'Adolphe, reprend le flambeau, d'abord associé à Pierre-Émile Jullien, son beau-frère, puis seul, en 1893.
    À la Belle époque, la porcelainerie reste prospère. En 1903, Alfred Hache la confie à un administrateur, Morel d'Arleux. Son père, lui, s'éteint en 1917 dans son château de La Plaudière, qu'il a fait construire à 20 kilomètres de Vierzon, symbole de sa réussite. Il ne verra pas le champ du cygne de son empire. La crise économique de 1929 n'y est pas pour rien… Les fours sont éteints en 1934. La société est rachetée par un autre ténor de la porcelaine, Pillivuyt, de Mehun-sur-Yèvre. De Hache restent, aujourd'hui, des pièces d'une grande finesse, aux décors parfois flamboyants.

    La Compagnie Nationale de Porcelaine : CNP.

    La Compagnie Nationale de Porcelaine fut une des plus connues parmi les manufactures vierzonnaises.
    La ville de Vierzon a vu sa notoriété s'élever en même temps que les industries se sont développées sur son territoire. Elle comptait au début du XXe siècle près de 14 manufactures de porcelaine où travaillaient environ 1500 ouvriers.
    L’essor industriel de Vierzon a été rendu possible par son environnement naturel favorable (bois, argile) et par le développement des transports ferroviaires (1847) et fluviaux qui permettent l'approvisionnement rapide en matières premières (charbon) mais aussi l'exportation des produits manufacturés.
    La manufacture Taillemite fût fondée en 1875 par François-Xavier Darmet (1843-1911) un vierzonnais qui fût aussi, successivement maire de Vierzon-Village et membre du Conseil Général du Cher.
    La manufacture fabriquait essentiellement de la porcelaine destinée à l'hôtellerie et des services de table de moyenne gamme. À la mort de Darmet, la manufacture est rachetée par un autre berrichon, Lucien Taillemite (1880-1937) qui continue la production pendant la première guerre mondiale. Cest surtout son fils Roger (1909-1981) qui la transforme en une des plus importantes manufactures porcelainières de France. Il n'aura de cesse, pendant près de cinquante ans de moderniser et de faciliter le travail de ces ouvriers.
    Roger Taillemite avait poursuivi une politique de diversification. Tout en continuant de servir l'hôtellerie qui représente la moitié de son chiffre d'affaires, il crée de nouveaux décors dont un ensemble « Chasse » qui eut un grand succès.
    Il est également président de la Chambre syndicale des fabricants de porcelaine du Berry et vice-président du Syndicat national de la porcelaine française.
    Treize unités de production s'éteignent à Vierzon entre 1952 et 1970. Pour faire face à la concurrence un regroupement s'organise autour des Établissements Taillemite, en partenariat avec l'usine de Saint-Genou (Indre) et la manufacture Jacquin à Vierzon : la Compagnie Nationale de Porcelaine est née (CNP).
    Une nouvelle fusion est réalisée en 1969 avec l'Union Limousine, fabrique de services de table haut de gamme à Saint-Léonard-de-Noblat. L'usine étant en Haute-Vienne, sa production a le droit d’être estampillée « Limoges » et sa bonne rentabilité apporte une bouffée d'oxygène à la CNP.
    Cependant les années suivantes marquent le déclin de la CNP, accéléré par des partenariats instables avec les États-Unis (choc pétrolier) par exemple. La CNP dépose le bilan en 1983. Elle est reprise par Jean-Pierre Leman directeur de la filiale de Saint-Genou qui prend en main la création et Daniel Cohen de Lara, ingénieur conseil, qui s'occupe des finances et du commercial. Ils modifient profondément la structure de la manufacture : modernisation des techniques et diminution du personnel (de 550 ouvriers on passe à 240). Malgré tout cela l'espoir de constituer en Berry un grand groupe international s'éloigne. Ensuite, Vierzon ne fait plus que décorer la porcelaine blanche de Saint-Genou et cet atelier de décor stoppe sa production en janvier 1997, sonnant le glas de la porcelaine vierzonnaise.
    ( webmuseo.com )

    Notre objet du jour : une belle petite verseuse en porcelaine blanche de Vierzon.

    Ancienne verseuse en porcelaine blanche - Vierzon - AH & C
    Très jolie petite verseuse en porcelaine blanche, avec l'anse à 90° par rapport au bec, le couvercle muni d'un petit trou pour la vapeur et d'un frétel en forme de patisson ...
    Bel objet VINTAGE et décoratif !
    Marqué sur le dessous : " Porcelaine à feu - Vierzon - France " " A.H. & C. " " pour Adolphe Hache ", avec griffe et numéro
    caractéristiques :
    dimensions  : 19 x 12 x 13 cm
    poids : 570 grammes
    état : excellent, sans traces, ni coups, ni fissures
    époque : 1845 - 1930
    circa : 1930
    Petite, modeste et toute blanche, cette mignonne verseuse va vous permettre de pouvoir observer la qualité et la finesse de sa réalisation, juste en agrandissant d'un seul clic les vignettes ci-dessous ...
    enjoy      :)
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  • share read star Tableaux Historiques de la Révolution française pour retrouver notre Histoire en gravures
    Monday 28 August 2023 - 17:45
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Serment du Jeu de Paume
    Serment du Jeu de Paume : à Versailles, le 20 Juin 1789
     la première planche des Tableaux Historiques de la Révolution française, réalisée par Berthault Pierre-Gabriel, graveur ( 1737/1831 ) et Pieur Jean-Louis, graveur ( 1759/1795 ), noté au bas de la cuvette; elle est sous-titrée et daté sous la gravure.
    Le 20 juin 1789, le roi fait fermer la salle dite des "Menus Plaisirs" afin d'empêcher les députés du Tiers État de se réunir. Ceux-ci décident alors de se retrouver, avec quelques députés du clergé, dans la salle du jeu de Paume, située à quelques centaines de mètres du château de Versailles. Une fois réunis, ils prêtent le serment de ne pas se séparer avant d'avoir donner une constitution au royaume de France, celle-ci visant à mettre fin à la monarchie absolue, en limitant légalement les pouvoirs du roi ...

    Tableaux Historiques de la Révolution française - P. Didot

    Cette publication, intitulée " Tableaux Historiques de la Révolution française " est une succession chronologique d'événements qui ont marqué la Révolution Française, nous présentant en deux tomes, l'ensemble de 225 gravures racontant au travers d'estampes, réalisées par des dessinateurs et des graveurs connus pour être les meilleurs de leur époque, une frise historique richement documentée, un ouvrage unique et désormais extrêmement recherché des bibliophiles, des historiens ... Les toutes premières publication se sont étagées depuis 1791 à 1798, publiées par Pierre Didot ( 23 janvier 1761 - 31 décembre 1853 ) imprimeur de père en fils à Paris. On les date alors ainsi : an VI (1798).
    L'on y retrouve, mélangées de diverses manières, les dates écrites selon le calendrier romain ainsi que selon le calendrier révolutionnaire ... ainsi que parfois quelques " commentaires " supplémentaires adjoints au titre pour en préciser la description.
    Toutes ces différentes gravures, issues de diverses techniques telles l'eau-forte ou le burin, sont désormais, même à titre individuel, lorsqu'elles ont été séparées du reste de la publication, comme de véritables pièces de collections, comme des documents historiques, répertoriés aussi bien à la Bibliothèque Nationale de France, que dans de nombreux Musées du Monde entier.
    Produites avant reliure dans une taille commune de " 44 x 28,5 cm ", ces œuvres d'art se retrouveront dans 2 volumes in-folio de 48 x 31 cm ...
    Notre propos n'étant pas, ici, de faire l'éloge de cette publication dans sa globalité, mais d'en présenter quelques pages retrouvées tout à fait par hasard, pour notre plus grand plaisir et de pouvoir ainsi les sauver et les ré-injecter dans la mémoire collective, prenons le temps d'en décrire ici quelques unes ...

    Petite série d'estampes réalisées pour illustrer ce document sur la Révolution Française.

    - gravure n°4
    Séance Extraordinaire tenue par Louis XVI, au Palais,
    le 19 Novembre 1787
    Le cy-devant Roi fait enregistrer un édit portant création d'un emprunt pendnat cinq ans . L'orsqu'il eut prononcé d'autorité l'enregistrement, le cy-devant Duc d'Orléans se leva et demanda au cy-devant Roi si c'était un Lit de Justice, ou une Scénace Royale. Il lui fut répondu Royale. Alors il protesta contre cet enregistrement comme illégal.
    dessiné par Meunier et Girardet
    gravé par Cl. Niquet
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte, burin
    - gravure n°5
    Arestation de d'Eprémesnil et Goislard
    le 6 Mai 1788
    Le Conseiller d'Eprémesnil atant découvert le projetd'édit du Cardinalde Loménie, concernant la Cour Plénière, et l'ayant dénoncé au Parlement qui le fit avorter par le fameux arrêté du le 1er Mai fut enlevé par Vincent d'Agoust ainsi que son collègue Goislard, et conduit par Ordre de la Cour aux Isles Ste Marguerite et le 2è au Chateau de Pierre-en-Cises
    dessiné par Vény et Girardet
    gravé par Cl. Niquet
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte
    - gravure n°7
    Rassemblement sur le Pont Neuf.
    le 16 septembre 1788
    Depuis plusieurs jours le peuple se rassemblait sur la place du Pont-Neuf. Il faisait saluer et mettre à genoux les passants devant la statue de Henry IV qu'il croyait avoir été le meilleur des rois.
    dessiné par Vény et Girardet
    gravé par Cl. Niquet
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte
    - gravure n°55
    Pillage de l'Hôtel de Castres FBG St. Germain à Paris
    le 13 Novembre 1790
    Prieur inv. & del.
    Berthault sculp.
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte
    nota : Le duc de Castres (1756-1842) qui a blessé la veille Charles de lameth (1757-1832) au cours d'un duel, voit son hôtel mis à sac par le peuple parisien.
    - gravure sans numéro * De Vink ( noté en haut à droite sur l'original )
    Arrestation de Louis Seize à Varennes
    le 22 juin 1791
    Prieur inv. et del.
    Cheur sculp.
    * Feuille d'origine découpée, cadrée et mise sous 'passe-partout' ...
    Dimensions : H. 0,206 m ; L. 0,264 m ( d'origine )
    Matière et technique : Pierre noire, mine de plomb, estompe, plume et encre noire, pinceau et lavis gris.
    Trait d'encadrement à la plume et encre noire. Collé en plein sur le montage.
    nota : Le roi attablé à droite, bedonnant et en habit bourgeois, se détache à peine dans le tumulte général. Derrière lui, un aristocrate en perruque se désole. A la droite du roi, la reine, portant également un chapeau bourgeois, nous regarde en coin. A gauche, parmi la troupe venue arrêter le roi, visage fermé et irrité, un officier en tricorne, un patriote portant le bonnet phrygien. La nuit est tombée dehors, d’où les flambeaux qu’ils tiennent à bout de bras et qui fument.
    - gravure n°93
    Déroute de Passy
    le 13 juillet 1793 ou 25 Messidor An 1er de la République
    Swebach Desfontaines inv. & del
    Berthault sculp.
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte
    nota : Déroute des bataillons des Départements face aux soldats parisiens à Passy (actuel 16ème arrondissement), le 13 Juillet 1793 (25 Messidor an 1er). 84ème planche (numéroté 93) des Tableaux Historiques de la Révolution française (1791-1817). Scène de répression par les troupes de volontaires envoyés par la Montagne, fuite des provinciaux.
    - gravure n°96
    Victoire de Hondschoote
    le 7 Septembre 1793 ou 21 Fructidor An 1er de la République
    Swebach Desfontaines env &del
    Bertault sculp.
    dénomination : estampe
    technique : eau-forte
    nota : Victoire des soldats français du général Houchard contre les troupes du duc d'York à Hondschoote (Nord), 8 septembre 1793. 87ème planche (numérotée 96) des Tableaux Historiques de la Révolution française (1791-1817). Scène historique militaire, paysage. Contingent de cavalier à l’assaut des bataillons et campements anglais.

    Pas mal, non ?
    Il y en a encore bien d'autres qui feront le sujet d'autres publications très rapidement, pour l'instant vous pouvez voir et savourer les détails sur les différentes photographies exposées dans la galerie ci-dessous ...
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  • share read star Les pipes en écume de mer.
    Saturday 26 August 2023 - 12:50
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    pipe en écume de mer
    pipe en écume de mer : petit modèle ancien bien sculpté
     Que vous soyez fumeur de pipe ou pipomane, c'est à dire collectionneur de pipes, parmi tous les modèles recherchés se trouvent obligatoirement certaines pipes réalisées en écume de mer ...
    Pourquoi ? Tout simplement parce que cette matière possède de nombreuses propriétés qui font d'elle une excellent base pour la conception de pipes de toutes formes ...

    Qu'est-ce que l'écume de mer ?

    Au départ, l'écume de mer est une mousse blanche et légère qui se forme à la surface de l'eau de mer agitée, généralement près des côtes ou lorsqu'il y a des vagues importantes. Elle est composée de petites bulles d'air piégées dans une fine pellicule de matière organique et de sels provenant de l'eau de mer. L'écume se forme lorsque l'eau est agitée mécaniquement, ce qui provoque l'incorporation d'air dans l'eau et la création de bulles. Ces bulles montent ensuite à la surface et forment la caractéristique mousse blanche que l'on observe.
    Agglomérée, séchée, ou transportée par les alluvions, l'écume de mer est un minéral blanc et tendre, que l'on trouve parfois flottant dans la mer Noire et ressemblant un peu à de l'écume. Elle a été nommée sépiolite par Ernst Friedrich Glocker en référence à sa ressemblance avec les os de seiche. Elle est opaque, de couleur blanc gris ou crème, se casse ou se raie facilement.
    La plus grande partie de l'écume de mer destinée au commerce est obtenue en Asie Mineure, principalement dans les plaines de Turquie, proches de la Mer Noire, où on la trouve en masses nodulaires irrégulières dans les alluvions.
    Quelques petits ' gisements ' de moindre importance existent également en Grèce, en France, en Espagne,, au Maroc et aux États-Unis ...
    Les produits en écume de mer, dont notamment les pipes étaient traditionnellement réalisés à Vienne. Mais, depuis les années 1970, la Turquie a interdit l'exportation de l'écume brute, afin de développer l'artisanat local. De nos jours, les pipes d'écume non turques sont souvent réalisées à partir d'écume de mer pressée, de qualité inférieure, venue d'Afrique ...

    La fabrication d'une pipe en écume de mer.

    Que vous ayez une véritable collection ou pas, ou que ce soit même votre première pipe , il est bien d'en connaître les principales étapes de la fabrication ...
    La fabrication de pipes en écume de mer est un processus artisanal qui nécessite des compétences spécifiques et une attention particulière à la fois pour travailler l'écume de mer et pour concevoir la forme de la pipe.
    Voici les étapes générales pour fabriquer une pipe en écume de mer :
    1 - Collecte de l'écume de mer : dans le cas où l'on a accès à de l'écume de mer, celle-ci peut être collectée à la surface de l'eau. Cependant, comme mentionné précédemment, la grande majorité de l'écume exploitée se trouve dans des " gisements " d'alluvions assez anciennes et seulement à des endroits bien précis ..
    2 - Sélection de la matière première : une fois que l'on a l'écume de mer, sélectionner des morceaux de qualité pour la fabrication de votre pipe. L'écume de mer doit être dense et exempte d'impuretés.
    3 - Conception et modelage : tracer le contour de la pipe que l'on souhaite créer sur l'écume de mer. Utilisez des outils de sculpture pour modeler la forme générale de la pipe, en veillant à laisser suffisamment d'espace pour la chambre du tabac.
    4 - Creuser la chambre du tabac : à l'aide d'outils appropriés, creuser la chambre du tabac à l'intérieur de la pipe. Cela implique de retirer une partie de l'écume de mer pour créer un espace où le tabac sera brûlé.
    5 - Façonnage final : affiner les détails de la pipe en sculptant les courbes et les lignes, en créant une ouverture pour le foyer et en lissant les surfaces pour un aspect fini.
    6 - Ponçage et polissage : poncer la surface de la pipe pour la rendre lisse et uniforme. Vous pouvez ensuite polir la surface pour lui donner un aspect brillant et attrayant.
    7 - Finition : appliquer éventuellement une finition protectrice à la surface de la pipe pour la protéger et mettre en valeur sa beauté naturelle.
    8 - Assemblage : si la pipe comporte des éléments supplémentaires tels qu'un tuyau en bois ou en acrylique, on les assemblera correctement à la chambre du tabac.
    Les différents artisans qui fabriquent désormais ces modèles, à titre individuel comme dans une usine ou coopérative de production, sont capables de produire de véritables objets d'art tout comme leurs prédécesseurs savaient le faire. De véritables artistes qui désormais font partie du Monde de la Création et produisent des objets, des pipes qui sont très recherchées ...
    En voici quelques exemples ...   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Le Palais Idéal du Facteur Cheval.
    Tuesday 15 August 2023 - 11:23
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Le Palais Idéal du Facteur Cheval
    Le Palais Idéal du Facteur Cheval : une construction totalement hors du commun
    Le Palais Idéal est une structure unique et fantastique, construite sur une période de plus de 30 ans, entre 1879 et 1912. Ferdinand Cheval a collecté des pierres pendant ses tournées de facteur et a utilisé du ciment et de la chaux pour les assembler en une œuvre d'art architecturale extraordinaire.
    Le Palais Idéal est un mélange de styles et d'influences variés, incorporant des éléments de l'architecture néoclassique, gothique et orientale ...
    Le travail acharné et la détermination de Ferdinand Cheval ont finalement abouti à la création d'un monument qui est aujourd'hui considéré comme un exemple unique d'art brut ou d'architecture naïve.
    Le Palais Idéal est devenu une attraction touristique et culturelle, et il a contribué à faire connaître Ferdinand Cheval bien au-delà de sa petite ville natale.
    Le facteur Cheval est décédé en 1924, laissant derrière lui un héritage artistique remarquable.
    facteur cheval
    facteur cheval : Joseph Ferdinand Cheval ( en 1895 )

    Brève histoire du Palais Idéal du facteur Cheval.

    C'est un monument extraordinaire situé à Hauterives, dans la région de la Drôme, en France.
    Il a été construit par Ferdinand Cheval, un facteur local, sur une période de plus de 30 ans au 19e et au début du 20e siècle. Le Palais Idéal est considéré comme un exemple exceptionnel d'architecture naïve ou d'art brut.
    Ferdinand Cheval a commencé la construction du Palais Idéal en 1879, après avoir trébuché sur une pierre particulièrement belle pendant l'une de ses tournées de facteur.
    Inspiré par la forme de la pierre, il a commencé à collecter des pierres et des cailloux lors de ses tournées quotidiennes et à les assembler pour créer une structure unique. Il a utilisé du ciment, de la chaux et même du fil de fer pour maintenir les pierres en place ...
    Le Palais Idéal
    Le Palais Idéal : 33 ans de dur labeur !
    Le Palais Idéal est un mélange étonnant de styles architecturaux différents, allant du néoclassique au gothique en passant par l'oriental. Les motifs sculptés dans les murs représentent une grande variété de sujets, tels que des animaux, des figures mythiques, des divinités et des inscriptions personnelles de Ferdinand Cheval.
    La structure entière est un exemple d'expression artistique personnelle et d'inspiration spontanée.
    Le monument a finalement été ouvert au public en 1905, et il a attiré l'attention de nombreuses personnes, y compris d'artistes célèbres comme André Breton et Pablo Picasso.
    En 1969, le Palais Idéal a été classé monument historique par le gouvernement français, ce qui a contribué à sa préservation.
    Aujourd'hui, propriété de la municipalité de Hauterives, il est une attraction touristique populaire et un témoignage du dévouement créatif et de l'imagination de Ferdinand Cheval, le Facteur Cheval.

    Diverses particularités architecturales du Palais idéal.

    ** Aussi bien pour la création que pour sa visite, c’est par la façade Est que tout commence. Au centre, une fontaine appelée " La Source de Vie " entourée par un lion et un chien sera la première construction réalisée par le Facteur Cheval.
    Avec frénésie, il ajoute fontaines, grottes, temples en accumulant pierres, coquillages et mortier de chaux. A droite, il ajoute un tombeau égyptien avec la volonté d’y être enterré avec son épouse ( ce qui ne lui sera pas accordé ... ).
    ** A gauche, un grand temple hindou avec une niche où se dissimule sa célèbre et fidèle brouette !
    Les 3 géants terminent la façade.
    ( Il y est écrit " 1899, Ferdinand Cheval a passé 20 ans à la réalisation de ce côté Est " ).
    ** C’est à la façade Sud que Ferdinand Cheval décide de placer son Musée antédiluvien, une grotte dans laquelle le Facteur Cheval amoncelle les pierres en attente de trouver une utilité dans l’œuvre en construction.
    ** La façade Ouest amène au voyage.
    Grâce aux illustrations qu'il trouve en son temps, Ferdinand Cheval reproduit dans des niches un Chalet suisse, un temple Hindou, la maison blanche, la maison Carrée d’Alger, un Château au Moyen-Age. Une Mosquée ouvre sur la partie intérieure du Palais idéal ... la Galerie.
    Sur de grandes colonnes de style classique, il écrit les lettres : " C H E V A L ", en guise de signature de son œuvre ( voir le document photo ci-joint ).
    * La Galerie, long couloir intérieur, est peuplée d’un bestiaire extraordinaire : dromadaire, ours, éléphant, chat, loup, flamant sont modelés en bas-reliefs impressionnants.
    Le poème " Ton idéal, ton Palais  de Emile Roux Parassac, et inspirant le nom du monument au facteur Cheval, est inscrit à l’entrée de cette Galerie.
    ** Trois escaliers mènent à la Terrasse, c’est là que Ferdinand Cheval installe sa " pierre d’achoppement ", la première pierre sur laquelle il trébuche et lui inspire le Palais idéal ...
    Au sommet du Palais, entre figuiers de Barbarie et aloès, s’élève la Tour de Barbarie.
    Un réservoir d’eau permettait en son temps d’alimenter le Palais et sa fontaine " la Source de Vie " en eau. ( mais l'eau endommageant trop l’édifice, le système a dû être condamné très rapidement ).
    ** La façade Nord est l’aboutissement de 33 ans de travail. La pieuvre sculptée à l’angle Ouest est le point final de l’œuvre. A l’opposé Est, il en écrit le bilan :
    - " 10 000 journées, 93 000 heures, 33 ans d’épreuves, plus opiniâtre que moi se mette à l’œuvre " .
    ** D’une grande richesse ornementale, peuplée d’animaux et autres bêtes mythologiques sous le regard d’Adam et Eve.
    Cette façade Nord fait écho à la dernière œuvre du Facteur Cheval : son tombeau du silence et du repos sans fin, au cimetière de Hauterives; un tombeau qu'il a mis 8 ans à construire ( après 33 ans pour le Palais ) dans lequel il repose avec toute sa famille.

    Un beau livre très complet pour découvrir ce merveilleux Palais Idéal du facteur Cheval.

    Un bon volume, chiné sur une brocante, remplit d'une documentation prolifique, quasi complète, très richement détaillée et illustrée qui est certainement " LE " livre de référence sur ce sujet parfois méconnu, souvent passionnant ...
    Le Palais Idéal du Facteur Cheval - Jean-Pierre Jouve/Claude Prévost/Clovis Prévost - MONITEUR - 1981 - EO
    " Quand le songe devient réalité "
    EO - éditions du MONITEUR , Paris, 1981
    Collection "Les Bâtisseurs inspirés"
    En langue française. in-4° relié pleine toile sous jaquette illustrée, cartonné avec jaquette .
    Abondante iconographie noir et blanc pour cet important travail dans la collection les bâtisseurs inspirés. ‎
    Jaquette légèrement frottée, gardes volantes avec légères marques, intérieur très frais, très bon état. + + +
    Reliure originale en lin avec jaquette. enveloppe ticket de visite original ...
    303 p. + illustrations
    dimensions : 29 x 23,5 x 3
    1550 grammes
    à découvrir en visite photos ci-dessous ...  :)
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  • share read star La Maison du Chat qui Pelote - Honoré de Balzac
    Wednesday 09 August 2023 - 19:08
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    La Comédie Humaine - plus de 90 romans, nouvelles, contes et essais
    La Maison du Chat-qui-pelote est une nouvelle d’Honoré de Balzac parue pour la première fois en 1830. Elle fait partie des Scènes de la vie privée et études de mœurs que Honoré de Balzac mis en place dans La Comédie humaine.
    Le premier intitulé était " Gloire et Malheur " et fut publiée chez " Mama-Delaunay " et connaîtra 4 rééditions
     pour finalement sortir chez " Fume " en 1842 sous son titre définitif de " La Maison du Chat-qui-pelote ".
    Une belle partie de " La Comédie Humaine " de Balzac qui est souvent donnée comme ' étude de texte ' à certains étudiants ...
    Alors, en fouinant un peu sur le Net, voici son étude expliquée et détaillée par Madame Florence TERRASSE-RIOU.

    La Maison du Chat-qui-pelote.

    * L'historique de l’œuvre : les différentes éditions.
    – Le manuscrit, alors intitulé Gloire et Malheur, est conservé à la bibliothèque Lovenjoul (A 89), à l'Institut de France. Il est complet et comprend 35 feuillets. Il propose trois débuts très différents, abandonnés dans le texte définitif, portant sur « le plaisir difficile qui se rencontre dans l'investigation physiognomonique (...) depuis l'ère de la liberté », sur « les débris de l'ancien monde », sur « l'uniformité et la perte des nuances ».
    – Octobre 1829 : rédaction de l'oeuvre à Maffliers, près de la forêt de l'Isle-Adam, au nord de Paris : la duchesse d'Abrantès y séjournait chez les Talleyrand-Périgord ; mais on ne sait pas si Balzac était au village, ou au château. Les critiques ont noté que la duchesse a inspiré le personnage de la duchesse de Carigliano.
    - Avril 1830 : 1ère publication de Gloire et Malheur, édit. Mame-Delaunay, en tête du tome II de l'ouvrage – en 2 volumes – intitulé Scènes de la vie privée.
    – Mai 1832 : 2ème édition de Gloire et Malheur, édit. Mame-Delaunay, en tête du tome II de l'édition augmentée – en 4 volumes – des Scènes de la vie privée. Le texte est identique à celui de l'édition originale.
    – Juillet 1835 : 3ème édition de Gloire et Malheur, édit. Béchet, en seconde position dans le tome I, édition encore augmentée des Scènes de la vie privée, dans les Etudes de Moeurs au XIXe siècle – en 12 volumes publiés de 1834 à 1837.
    – Octobre 1839 : 4ème édition de Gloire et Malheur, édit. Charpentier, en seconde position du tome I, dans Scènes de la vie privée, « nouvelle édition revue et corrigée » – en 2 volumes. Le texte en est identique à celui de l'édition Béchet.
    – Juin 1842 : 5ème édition, cette fois sous le titre de La Maison du chat-qui-pelote, édit. Furne, au début du tome I, immédiatement à la suite de l'« Avant-Propos » dans La Comédie humaine.
    Nombreuses corrections de détail tout au long du Furne corrigé ...
    Honoré de Balzac
    Honoré de Balzac : l'un des grands maîtres du roman français
    ** L'histoire qui nous est racontée.
    Monsieur Guillaume, marchand drapier de Paris, a deux filles à marier. Elles font deux mariages « bien différents ». Virginie, l'aînée, épouse le commis, successeur de son père : mariage solide qui témoigne de sa « fidélité au quartier » ; ces deux époux « marchent avec leur siècle », c'est-à-dire que « ce couple convenablement assorti » accepte la vie « comme une entreprise commerciale ». Augustine, ravissante jeune fille, fait un brillant mariage d'amour, en épousant Théodore de Sommervieux, aristocrate et artiste ; mais ce double décalage, social et intellectuel, mène cette union vers l'échec, car aucune sensibilité poétique ne vient compenser le manque d'éducation mondaine de la jeune femme.
    Ce roman a été placé par Balzac en tête de La Comédie humaine, pour dénoncer « les dangers des faciles mésalliances qui seraient à craindre aujourd'hui ». La description initiale de la façade de la « maison du chat-qui-pelote » témoigne de la réflexion balzacienne sur les objets « archéologiques » ; l'archéologue, observateur privilégié, est ici Sommervieux, le peintre amoureux. Il cherche des modèles, peint ou plutôt « repeint » ce que Balzac appelle des « tableaux naturels ». L'échec de son mariage est consacré lorsque cet artiste offre le portrait de sa femme à sa maîtresse.
    *** Les différents personnages.
    – Victor d'AIGLEMONT : jeune colonel de cavalerie, il va remplacer Sommervieux dans le cœur de la duchesse de Carigliano, ce qui déclenche la fureur du peintre. (Son histoire est racontée dans La Femme de trente ans).
    – La duchesse de CARIGLIANO : née Malin (Le Député d'Arcis). « Célèbre coquette de la cour impériale », « sirène », « enchanteresse », « artificieuse » avide d'hommages » elle prétend révéler à Augustine les secrets du bonheur conjugal, après lui avoir ravi son époux. Plusieurs réapparitions dans La Comédie humaine.
    – « Maître » GUILLAUME : de tous les marchands drapiers de Paris, il est « celui dont les magasins se (trouvent) toujours le mieux fournis, dont les relations [ont] le plus d'étendue, et dont la probité commerciale ne [souffre] pas le moindre soupçon ». Il finit par accepter le mariage de sa fille cadette, et insiste pour la marier séparée de biens, ce dont il se félicite.
    – Madame GUILLAUME : sa figure « maigre et longue » trahit « une dévotion outrée ». « Tout le voisinage l'[appelle] la soeur tourière ». Elle méconnaîtra le désespoir amoureux de sa fille. Une des invités du bal, avec sa fille, mourante de chagrin Birotteau (César Birotteau).
    – Virginie GUILLAUME : madame Joseph Lebas ; fille aînée des Guillaume, elle est laide mais douce et patiente. Son mariage de raison s'avère heureux.
    – Augustine GUILLAUME : madame Théodore de Sommervieux ; seconde fille des Guillaume, elle est l'héroïne malheureuse du roman. « Gracieuse et pleine de candeur », elle fait un mariage d'amour, mais n'est pas à sa place dans le milieu que fréquente son mari. Elle n'est pas sensible à la poésie, n'habite pas la « même sphère » que son mari. « Le seul sublime qu'elle connût était celui du coeur ».
    – Joseph LEBAS : premier commis de maître Guillaume, il était destiné à épouser l'aînée de ses filles, tandis qu'il aimait la cadette. Sa femme finit par faire naître l'amour en lui, et il prend la succession de la maison, introduisant certains changements qui « [font] honneur à son bon sens ».
    – Madame ROGIN : cousine de Mme Guillaume, elle accompagne Augustine au Salon de peinture où se trouve le portrait de la jeune fille. Elle arrange le mariage d'Augustine avec Sommervieux.
    – Baron de Théodore SOMMERVIEUX : jeune peintre brillant, il revient de Rome. Amoureux d'Augustine, il fait son portrait et peint la salle à manger des Guillaume. Après une lune de miel d'une année, il sent « la nécessité de reprendre ses travaux et ses habitudes ». Il devient l'amant de la duchesse de Carigliano. (Voir Pierre Grassou, César Birotteau.)
    *** Lectures et commentaires.
    Récit d'un mariage d'amour qui tourne à la tragédie, ce roman est également une histoire de tableaux : le peintre Sommervieux cherche à peindre des « tableaux naturels » et sublime ainsi la réalité de l'humble maison des Guillaume ; il tuera sa femme en déchiquetant son portrait. Au cœur de cette réflexion balzacienne sur la peinture, l'originale façade de la Maison du chat-qui-pelote, exhibée en frontispice de La Comédie humaine, « offre plus d'un problème à résoudre » : couverte de hiéroglyphes, elle offre des mystères, des signes multiples, et suggère des échelles de valeurs. Elle semble proposer différents modèles d'interprétation de la réalité, toujours déçus. L'essai de déchiffrage de cette « enseigne » du « chat-qui-pelote » peut désigner le nœud de l'action romanesque, en ce qu'elle évoque la notion de malentendu qui est au cœur de la narration (voir l'article de Muriel Amar dans L'Année Balzacienne de 1993). Ainsi les quiproquos et les jeux sur la polysémie des mots comme « peinture » ou « draperie » soulignent la rupture entre le monde matériel et l'univers artistique, et témoignent ici de l'incommunicabilité entre deux systèmes de valeurs différents, celui du commerce et celui de l'esthétique.
    La Maison du Chat-qui-Pelote
    La Maison du Chat-qui-Pelote : couverture illustrée de 1924

    Notre livre du jour : La Maison du Chat-qui-pelote, une édition de 1924.

    Une belle édition, recherchée par les bibliophiles et autres passionnés de Balzac, fort bien illustrée par Jean-Paul Quint et publiée par les éditions ART ET PENSEE en 1924.
    Description globale :
    titre : la maison du chat-qui-pelote  
    auteur : honoré de balzac
    éditeur : éditions ART ET PENSEE PARIS 94, rue Saint-Lazare Paris
    année : 1924
    illustrateur : lithographies de Jean-Paul Quint, artiste illustrateur ( 1884 / 1953 )
    justificatif : édition tirée à 525 exemplaires ( 35 sur Japon 1 - 35 / 490 sur Vélin d'Arches 36 - 525 )
    ici : exemplaire n°96 / 490 sur Vélin d'Aches
    notre exemplaire portant le n°96
    dimensions :23,5 x 18,5 x 2 cm
    poids : 460 grammes
    Un beau volume, In-8° broché sous couverture rempliée illustrée couleurs au 1er plat, richement illustré d'un portrait de l'auteur et de 24 planches lithographiées en bistre ou en couleurs par Jean-Paul Quint. ‎( + Frontispice en première page, 1 bandeau et 1 lettrine en noir )
    ( le portrait de balzac est signé Quint )
    * Achevé d'imprimer sur les presses de l'imprimerie Gallia à Courbevoie, le 15 septembre 1924, sous la direction de M. Grillot De Givry, pour les éditions ART ET PENSEE.
    état : très bel exemplaire, couverture en bel état, intérieur très frais
    Un exemplaire à LIRE et à COLLECTIONNER ... :)
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  • share read star Birmanie : des moules pour fabriquer des jouets en papier mâché
    Thursday 03 August 2023 - 11:28
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Birmanie
    Birmanie : un Monde de Traditions
    artisanat, agriculture, folklore, tout est resté traditionnel dans ce beau pays et bien souvent il nous faut vraiment découvrir ces belles choses pour les apprécier véritablement ...

    Une très ancienne tradition en Birmanie.

    La Birmanie, devenue maintenant le Myanmar, pays assez peu stable politiquement, a toujours eu des traditions artisanales ou folkloriques qui ont fasciné les occidentaux par la beauté de leurs couleurs, la finesse de certaines de leurs réalisations, l'inventivité et la créativité de ses habitants.
    Les quelques petits moules à jouets, moules pour réaliser des statuettes votives également présentées ici sont toutes simples, mais relativement rares à trouver dans nos pays européens ...

    La Birmanie, un pays encore très difficile d'accès.

    La Birmanie ou le Myanmar, également en forme longue la " république de l'union de Birmanie " ou " république de l’union du Myanmar ", est un pays d'Asie du Sud-Est continentale ayant une frontière commune avec la Chine au nord-nord-est, le Laos à l'est, la Thaïlande au sud-sud-est, le Bangladesh à l'ouest et l'Inde au nord-nord-ouest. La partie méridionale a une façade sur la mer d'Andaman orientée vers le sud et l'ouest et la partie septentrionale s'ouvre sur le golfe du Bengale à l'ouest-sud-ouest, avec environ 2 000 kilomètres de côtes au total.
    Terre de passages, ce pays a connu depuis la nuit des temps des invasions de toutes les grandes peuplades nomades. Devenu colonie britannique en 1937, puis occupé par le Japon, le pays obtient son indépendance en 1948.
    Depuis 1962 de nombreuses 'révolutions' ont vu arriver différentes dictatures militaires, rendant le pays de plus en plus instable.
    Même après quelques 'accalmies', la communauté internationale ne reconnait pas la junte militaire au pouvoir ...
    Les deux dénominations que l'on connait sont principalement une histoire de langues : " Début 2012, le Financial Times décide d'utiliser « Myanmar », arguant d'une plus grande respectabilité du gouvernement du pays. En 2021, la presse reste divisée, utilisant massivement le terme de Myanmar en anglais alors que Birmanie reste très largement majoritaire en français ... "

    D'anciens moules à papier mâché pour des fabrications artisanales.

    Ces moules sont réalisés artisanalement dans des morceaux de bois local, taillés pour représenter diverses forme comme des animaux, des personnages, des symboles, puis entaillés profondément pour pouvoir facilement enlever la statuette réalisée en papier mâché et collé sur ces gabarits.
    La technique du papier mâché est employée là-bas depuis des siècles et ces moules ou gabarits permettent une variation de créations très variée, aussi bien en forme que en taille.
    Malheureusement, les bois utilisé n'étant pas de très bonne qualité, la colle ou la salive, ainsi que d'autres ingrédients le salissent et l'abiment très rapidement ainsi la durée de vie de ces gabarits est très courte et il est bien rare qu'ils puissent parvenir jusqu'à nous ...
    Ces " objets du jour " sont donc des anciennes statuettes en bois, personnages et animaux, en bois fendu servant de moules pour la réalisation de statuettes votives et accessoirement de jouets en papier mâché qui une fois secs étaient détachés de leur support puis décorés et peints, le plus souvent de couleurs vives.
    Les fentes dans le dos et sur la tête sont le résultat des coups de couteaux qui servaient à découper le papier mâché pour le sortir ...
    Nous avons ici 4 modèles : un hibou, un petit enfant, une silhouette féminine et une forme phallique.
    Hibou, poupon, femme, pouvaient être utilisés comme jouets, mais également comme statuettes votives dans cette région du Monde où la Religion est omniprésente.
    Tout comme sont omniprésentes également les croyances et les symboles qui ont un rapport avec la fertilité ou la sexualité, c'est la raison de la présence de cette forme doublement phallique.
    Il s'agit d'un Double Pyit Taing Htaung en bois fendu servant de moule pour la réalisation de statuettes votives ou de grandes amulettes traditionnelles.
    Celui-ci représentant non pas cette fois " un jouet d'enfance " mais un objet classique du Myanmar connu pour être " celui qui se redresse toujours ....", avec une particularité pour celui-ci les deux embouts de direction fléchés ET SURTOUT la forme phallique très caractéristique ... un objet qui a dû être la création originale d'un artisan  ...  inventif ...
    Ces moules, objets quasiment éphémères sont des traces de l'artisanat local, des objets finalement éphémères donc rares qui sont aussi à la fois des pièces de collection très recherchées, des objets de décoration fort prisés, puisqu'il s'agit in fine d'objets uniques !
    Tout ce que l'on peut observer comme les fissures, les éclats, les coupures, les remplacements et autres marques d'outils font partie intégrante de la pièce en raison de l'utilisation intensive et de l'âge, mais cela ajoute plus de caractère et de charme fantastique à chaque pièce.
    Derniers petits détails : leur taille va de 12 à 22 cm, pour des poids de 40 à 200 grammes selon la taille et la densité du bois utilisé ...
    Quant à la datation, en remontant l'histoire locale et en comparant certains modèles, on peut situer leur fabrication vers le milieu du XXème siècle.
    Et maintenant, prenez le temps d'admirer ces quelques superbes pièces ...
    :)
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  • share read star Qu'est-ce que un Tachéomètre ?
    Tuesday 01 August 2023 - 12:29
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Tachéomètre
    Tachéomètre : appareil de mesure de précision
    un mot, un objet que je ne connaissais pas, découvert en parcourant un catalogue de Ventes et, désormais le terme " Tachéomètre " n'est plus pour moi un mystère ... :)
    Quelques explications ...

    Un appareil fréquemment utilisé en topographie

    Un tachéomètre est un instrument muni d'organes permettant la mesure d'angles horizontaux, verticaux et des longueurs, surtout en arpentage.
    Le tachéomètre est un appareil servant à mesurer les angles horizontaux et verticaux entre deux cibles, ainsi que la distance entre ces cibles1. Les mesures prises permettent de caractériser un triangle géodésique, et donc soit d'établir une carte ou un plan, soit de vérifier la cohérence entre un plan et la réalité du terrain.
    La précision des mesures est de l'ordre du dix millième de gradian en angles et de millimètres en distances, pouvant effectuer des mesures en des points situés entre 2 et 5 kilomètres selon l'appareil et le nombre de prismes utilisés.
    Pour une performance optimale des stations totales, le nom plus 'moderne' qui lui est donné, il est nécessaire que l'équipement soit calibré; pour cela, la maintenance et les réglages doivent être effectués à l'aide d'un collimateur.
    Bien que le terme " tachéomètre " apparaisse dès le milieu du XIXe siècle, il ne s'agissait alors que d'un théodolite équipé d'un stadimètre. Aujourd'hui, on ne peut réellement parler de « tachéomètre » que si l'appareil est capable de mesurer des distances par lui-même.
    La mesure des distances se fait grâce à un télémètre à visée infrarouge ou laser intégré dans le tachéomètre. La mesure se fait à l'aide d'un prisme réflecteur tétraédrique donc catoptrique, placé à la verticale du point que l'on souhaite mesurer à l'aide d'une nivelle sphérique.
    L'utilisation d'un système laser permet aussi d'effectuer une mesure de distance par télémétrie laser, ce qui permet d'utiliser comme cible des endroits inaccessibles ...

    Un appareil dérivé du Théodolite.

    Le théodolite est l'un des principaux instruments des géomètres lorsque ceux-ci se rendent sur le terrain pour effectuer des mesures, essentiellement pour de l'arpentage dans le domaine de la construction. D'invention anglaise, il sert à calculer les angles entre des points précis de plans verticaux et horizontaux.
    C'est un instrument essentiel en géodésie, cartographie, topographie, en ingénierie et en archéologie.
    Les géomètres en font leur principal instrument de terrain.
    Les premiers théodolite sont apparus très tôt : utilisé dès 1571 par Thomas Digges, habituellement désigné comme son inventeur, on en trouve ensuite de nombreuses variantes qui apparaissent de 1660 à 1720 ...
    Le théodolite ne mesure que des angles horizontaux et verticaux, le tachéomètre permet, lui, de mesurer en plus des distances ...

    L'objet du jour : Tachéomètre Cabasson à Paris.

    Dans sa boîte. Le tachéomètre est un appareil servant à mesurer les angles horizontaux et verticaux entre deux cibles, ainsi que la distance de ces cibles. Les mesures prises permettent de caractériser un triangle géodésique, et donc soit d'établir une carte ou un plan, soit de vérifier la cohérence entre un plan et la réalité du terrain ...
    Présenté dans sa boite d'origine en bois, fabriqué en métal, acier et laiton, cet appareil de précision était fabriqué par une maison spécialisée dans les instruments de précision vers la fin du XIXème jusqu'au début du XXème siècle, dans et avant les années 1900 donc ...
    Il est présenté, ici, en état de " sortie de grenier ", couvert de poussière et ne demandant qu'un bon nettoyage pour retrouver tout son éclat.
    ( fourchette de mise à prix : 80 - 100 € )
    ( découvert sur une vente menée par 'Thomas Enchères et Expertises SARL )
    Comme quoi, chercher, fouiner, chiner finit toujours par nous conduire quelque part, ne serait-ce que à la découverte d'objets nouveaux et souvent surprenant  ... :)
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  • share read star La Porcelaine Victoria China Czechoslovakia - une marque de qualité
    Saturday 22 July 2023 - 16:50
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Victoria China Czechoslovakia
    Victoria China Czechoslovakia : une marque à la Couronne, un gage d'ancienneté et de qualité
    l'on rencontre souvent des objets " made in Tchécoslovaquie ", sur les brocantes, sur les vide-greniers, dans les ventes aux enchères ou autres et souvent malheureusement avec des préjugés quelques peu négatifs voire même ' péjoratifs ' ... et pourtant il y a de véritables trésors à découvrir, notamment dans les premières productions qui sont de véritables œuvres d'art à part entière, de vraies belles petites pièces de collection que les amateurs avertis s'arrachent ...

    La porcelaine marquée Victoria China Czechoslovakia.

    Les indications que l'on peut trouver et fournir sur cette fabrication sont assez rares mais fort précises :
    - L'usine a été créée, Tchécoslovaquie, en 1883 à Karlsbad (Karlovy Vary) par une société londonienne Lazarus & Rosenfeld Ltd.
    Karlovy Vary ou encore Carlsbad est une ville et une station thermale de la Tchéquie ainsi que le chef-lieu de la région de Karlovy Vary. ( population estimée à 50 000 habitants en 2021 ). La ville doit son nom à l'empereur Charles IV, qui lui a accordé le privilège de " ville royale " en 1370. Elle est célèbre pour ses sources d'eau chaude; sources d'eau qui depuis des siècles on favorisé le développement et le fonctionnement de nombreuses industries, notamment des Manufactures de fabrication et de création d'objets divers en porcelaine.
    Cette ville est peut-être mieux connue aujourd'hui pour son festival de cinéma international ainsi que par une boisson alcoolisée qui en est aussi la spécialité.
    - En 1885, elle a été achetée par Franz Schmidt et rebaptisée Porzellanfabrik Victoria Schmidt & Co.****

    L'usine de porcelaine Victoria.

    La Manufacture de porcelaine Victoria a pris comme nouveau nom celui de " Porzellanfabrik Victoria Schmidt & Co " en 1885.
    Fondée en 1883 par Lazarus et Rosenfeld Ltd. Franz Schmidt a acheté l'entreprise deux ans plus tard et elle est devenue la plus grande usine de porcelaine de l'époque. En 1893, le bureau britannique était dirigé par A.& B. Rosenfeld. Les pièces fabriquées étaient des produits utilitaires et n'étaient pas considérées à l'époque comme ayant une valeur artistique. Cependant, l'entreprise a produit de nombreuses pièces de très haute qualité et d'une grande valeur artistique.
    En 1927, elle a été transformée en société par actions Porzellanfabrik Victoria AG.
    En 1945, la Victoria Porcelain Company et la Altrohlau Porcelain Company ont fusionné avec l'EPIAG (Erste Böhmische Porzellan Industrie), les lettres AG sont le terme allemand pour "& Co". faire partie de l'industrie de la porcelaine appartenant à l'État de Starorolský Porcelán. Puis en 1958, il est devenu Karlovarský Porcelán Stará Role II.
    L'usine est devenue un centre de formation depuis 1970 ...

    La porcelaine en Tchécoslovaquie de nos jours.

    En 1945, l'usine et la société de porcelaine Altrohlau sont devenues une partie de l'entreprise publique EPIAG / Starorolský Porcelán et en 1958 Karlovy Vary Porcelán Stará Role II. Aujou rd'hui, il fait partie de Thun Karlovy Vary Porcelán.
    Nouvelle manufacture tchèque donc, qui, sur son site actuel se présente ainsi :
    " Thun 1794 as " est le plus grand fabricant de porcelaine tchèque. Dans son programme de production, l'entreprise a intégré des formes de porcelaine utilitaire ou hôtelière, un programme spécial cuisine, de la porcelaine pour enfants et des produits sur mesure pour de grandes chaînes internationales. Il s'agit d'un type particulier de porcelaine dite dure dont la température de cuisson est de 1405°C.
    Un design de haute qualité et distinctif basé sur plus de 220 ans de tradition de production de porcelaine en Bohême garantit un niveau d'utilisation élevé pour nos clients.
    Le siège de l'entreprise se trouve dans la ville de Nová Role près de Karlovy Vary, surnommée la ville de la porcelaine.
    La vente des produits modernes actuels est assurée par la société anonyme Thun Trade.

    Nos objets du jour : un ensemble de Cuisine - 3 pots à épices - Boite à Sel & Alumettes - en belle Porcelaine à décors de Putti.

    Content de retrouver ainsi les belles productions réalisées par la manufacture de Porcelaine Victoria China Czechoslovakia, survivantes d'une époque où les style et la qualité ainsi que la finesse de réalisaion ont fait sa qualité, ces petits objets du commun deviennent de nos jours, souvenirs, traces historiques, objets de décoration très recherchés, et, de plus, nous ont permis de remonter le temps pour en découvrir les origines ...
    Fort bel ensemble de 5 pièces réalisées en belle porcelaine blanche recouverte d'une couverte irisée du plus bel effet.
    Il comporte :
    - trois pots à épices : Café, Sucre, Thé, noté en lettres dorées
    - une grande boite à sel, avec couvercle abattant en bois
    - une boite à allumettes, avec abattant en bois.
    Toutes les pièces comportent des décors dorés ainsi que des médaillons avec différents Putti musiciens, sur fond bleu profond, le tout sur fond nacré de très belles qualité.
    ** Objets de décorations, encore utilisables bien sûr qui seront du plus bel effet dans votre intérieur :)
    *** marqués sous toutes les pièces : " Victoria China Czechoslovakia " marque à la Couronne et numéros de pièces. ( fabrique créée en 1883 et marque à la couronne utilisée de 1918 à 1939 )
    La "marque supplémentaire " que nous voyons sur les objets ci-dessous, c'est à dire une " couronne " sous laquelle est inscrit ce ' label ' correspond à une période de fabrication qui va de 1918 à 1939, donc bien précise.
    De nombreuses autres " marques " peuvent se trouver, légèrement différentes de par leur présentation et donc correspondant à d'autres périodes de production à déterminer par des spécialistes.
    état : inévitables signes d'usage, aucun choc ou défaut pouvant nuire ou fragiliser les divers objets
    dimensions : 18 x 11 x 10 cm ( un exemple de taille pour le pot à sucre )
    poids : 2100 grammes ( au total )
    époque : début XXème
    circa : 1930
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  • share read star Petites boites en bois surprenantes réalisées par un collectif d'artistes
    Friday 14 July 2023 - 17:31
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    au fond de la boite
    au fond de la boite - la surprise créée par l'imagination
    un monde imaginaire réalisé par un collectif d'artiste tous partis de petites boites en bois et tous divagant au gré de leur imagination, de leur inspiration, de leur créativité et de leur talent personnel, pour notre plus grand plaisir ...

    Qu'est-ce qu'un collectif d'artistes ?

    Il arrive souvent dans le Monde de l'Art et de la Création que, pour un événement bien précis, ou à un moment donné, plusieurs artistes décident décident de travailler " dans la même direction " ... Une manière fort particulière de " créer " qui a toujours exister, mais qui, depuis le milieu du XXième siècle se fait de plus en plus, pour le plus grand plaisir des amateurs, des collectionneurs, des gens en général ... :)
    Un collectif d'artistes est un groupe d'individus qui partagent une vision artistique commune et collaborent pour créer des œuvres d'art, des performances ou des projets artistiques. Ces collectifs peuvent être formés par des artistes de différents domaines tels que la peinture, la sculpture, la musique, la danse, le théâtre, la photographie, la vidéo, l'installation ou d'autres formes d'expression artistique.
    L'objectif principal d'un collectif d'artistes est souvent de promouvoir la collaboration, l'échange d'idées et de compétences, et de créer des œuvres artistiques collectives qui transcendent les limites individuelles des membres du groupe. Ils peuvent travailler ensemble sur des projets spécifiques, organiser des expositions, des performances ou des événements artistiques, et partager des ressources et des connaissances.
    Les collectifs d'artistes offrent souvent un environnement de soutien et de partage, permettant aux artistes de se nourrir mutuellement sur le plan créatif, de bénéficier de perspectives différentes et de s'engager dans des collaborations uniques. Ces groupes peuvent également avoir une dimension sociale ou politique, cherchant à aborder des questions spécifiques ou à générer un impact plus large à travers leur art.
    Il existe de nombreux collectifs d'artistes célèbres et influents à travers l'histoire de l'art, tels que le mouvement Dada au début du 20e siècle, les artistes du Bauhaus, le groupe CoBrA, l'Artists Rights Society (ARS), et bien d'autres encore ...

    Les objets du jour : 6 boites en bois décorées à la manière de ...

    Un exemple fort modeste, mais un bien bel exemple de ce travail d'Artistes qui mettent en commun un point de départ bien précis pour ensuite laisser à chacun, à l'intérieur même d'une thématique commune, une liberté d'expression et de création qui lui permet de révéler ainsi une grande partie de ses talents ...
    Il s'agit d'un très beau lot de 3 boîtes en bois peint ouvrant sur de petites scènes humoristiques.
    Un ensemble très original de 3 boites, en bois, résine, et divers, réalisées lors d'un collectif d'artistes en 1988.
    Dans cette petite présentation, les réalisations sont signées sur les côtés KANISH, P. PUISEUX ou RODOLPHE B. et inscrites " ©88 ".
    Bien sur, chaque boite est un exemplaire à 150% UNIQUE  !
    Des boites à dents, à bijoux, des objets de curiosité ou de décoration, elles sont incontournables ...
    Mais l'on pourrait tout aussi bien dire que ces petits objets n'ont pas vraiment pour objet de devenir des 'rangements' mais que ce sont plutôt des créations à part entière, des boites à surprises, des boites à surprendre, des boites à coucou ... :)
    Chacun a mis sa 'griffe' et son 'style' à sa réalisation, ce qui donne à cet ensemble un véritable pouvoir " d’attrape l’œil "; des objet qui attirent la curiosité, qui captent l'attention, qui vous plongent dans un monde d'interrogation mais aussi et surtout qui parviennent à vous tirer un ... sourire ...
    Les collectionneurs en tout genre vont pouvoir se régaler ... :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Les Faïences du Maître portugais Herculano Elias se redécouvrent ...
    Tuesday 11 July 2023 - 17:16
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    Caldas da Rainha
    Caldas da Rainha - une faïencerie qui porte le nom de sa Ville au Portugal
    Caldas da Rainha, un style, une marque de fabrique, un gage de qualité, une faïencerie, une ville que l'on redécouvre, au Portugal ...

    Qui était Herculano Elias ?

    Herculano Elias (1939-2015) était un céramiste portugais ...
    Il était ouvrier à l'usine Faianças de Caldas da Rainha , où il faisait partie de l'équipe de Rafael Bordalo Pinheiro ...
    C'est là très précisément qu'il a tout appris et commencé à développer son Art, à se faire un nom, puis peu à peu à se libérer de certaines contraintes et à laisser s'exprimer son talent et sa créativité exceptionnels.
    Des caractéristiques qui l'on alors poussé à fonder son propre atelier pour ne fournir alors que des réalisations qu'il signait de son propre nom, avec grand plaisir.
    Herculano Helias
    Herculano Elias : maître faïencier
    (  une photo prise 10 ans avant son décès et parue dans un journal portugais avec le mention " la pâte à modeler est une manière de faire de la poésie " ...  )
    Talent et créativité, que l'on redécouvre peu à peu depuis sa mort, son succès grandissant et certaines productions revenant sur les divers marchés de l'Art ...

    La manufacture de faïence de Caldas de Raihna.

    La Fábrica de Faianças das Caldas da Rainha est située dans la ville de Caldas da Rainha, au Portugal.
    La production de l'usine englobe ainsi des carreaux et des matériaux de construction, des céramiques utilitaires et des pièces décoratives, où " l' Art nouveau " va se manifester de manière unique, avec la création d'une galerie de personnages caractéristiques de la société portugaise de la fin du XIXe siècle .
    Caldas da Raihna
    Caldas da Raihna : dans le plus pur style ' Art Nouveau '
    Les produits de cette manufacture ont été présentés dans plusieurs expositions aux salles du Comercio de Portugal ( 1886 ), à l' Ateneu Comercial do Porto et à l' Exposition industrielle de Lisbonne ( 1888 ), à l' Exposition universelle de 1889 , à Anvers (1894) et en Espagne ( 1895 ) et aux États-Unis d'Amérique ( 1905 ).
    La production de céramiques artistiques connut trois étapes à cette époque :
    * 1ère phase (1885-1889)
    * 2ème phase (1889-1899)
    * 3ème phase (1899-1905)
    Une grave crise financière à l'usine entraîne sa faillite en 1907 et sa vente aux enchères publiques ...

    Notre découverte du jour : un Pique-fleurs en Faïence, représentant un Chat assis sur un coussin.

    Très belle réalisation en faïence d'un joli petit chat posé sur un coussin, un peu dans le style des faïence de Gien ... mais ... que ' un peu ' et ' dans le style ' ... :)
    Il s'agit là, bel et bien, d'une œuvre tout à fait originale signé d'un créateur portugais " Herculano Elias " ( 1930 - 2015 ) qui avait, entre autres, pour habitude de créer des sujets inspirés de réalisations anciennes et donc marqués " authorized copy ", accompagnés, comme ici, d'un texte complet : " Made in Portugal authorized copy Sec XVIII E 400 Herculano Elias ".
    Ce ne sont donc absolument pas des " copies " mais bel et bien de vraies oeuvres d'Art inspirées par les plus belles choses découvertes par l'artiste.
    Les œuvres de Maître Herculano Elias, céramiste célèbre notamment pour ses miniatures Caldas da Rainha, se redécouvrent actuellement et sa côte n'a cessé de grimper depuis son décès.
    En superbe état, sans aucun coup ni déformation notoires; un objet de décoration MAIS surtout de collection !
    dimensions : 16 x 14 x 11 cm
    poids : 1500 grammes
    époque : milieu du XXème siècle
    circa : 1950
    enjoy :)
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  • share read star Un livre sur les films de federico Fellini - autographe
    Saturday 01 July 2023 - 19:08
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    autographe
    autographe - Federico Fellini
    la marque de la Célébrité, l'autographe de Federico Fellini, un nom plus que Mondialement connu et reconnu, qui vient ajouter de la valeur à un livre destiné à relater une grande partie de ses films ...

    Qui était Federico Fellini ?

    Federico Fellini était un réalisateur de cinéma et scénariste italien.
    Né à Rimini ( Italie ), le 20/01/1920 et décédé (73 ans) à Rome (Italie) le 31/10/1993 d'une crise cardiaque.
     Marquée à ses débuts par le néoréalisme, l'œuvre de Fellini évolue, dans les années 1960, vers une forme singulière, liée à la modernité cinématographique européenne à laquelle Ingmar BERGMAN, Michelangelo ANTONIONI, Alain RESNAIS, Jean-Luc GODARD ou encore Andreï TARKOVSKI sont rattachés. Ses films se caractérisent alors par le foisonnement des thèmes et du récit, l'artificialité revendiquée de la mise en scène et l'absence totale de frontière entre le rêve, l'imaginaire, l'hallucination et le monde de la réalité.
    Federico Fellini
    Federico Fellini : les des grands noms du Cinéma !
    Il est l'un des plus grands et célèbres réalisateurs italiens du XXème siècle et l'un des cinéastes les plus illustres de l'histoire du cinéma, au même titre que Charlie CHAPLIN, Ingmar BERGMAN, Akira KUROSAWA, John FORD, Jean RENOIR, Alfred HITCHCOCK ou encore Orson WELLES. Il a gagné la Palme d'or au Festival de Cannes 1960 pour La Dolce vita / La Douceur de vivre (1960) et quatre fois l'Oscar du meilleur film en langue étrangère à Hollywood (pour La Strada (1954), Les Nuits de Cabiria (1957), Huit et demi (1963) et Amarcord (1973)), un record qu'il partage avec son compatriote Vittorio DE SICA.
    L'œuvre de Fellini doit beaucoup aux souvenirs d'enfance et d'adolescence du réalisateur. Les éléments autobiographiques, déformés par l'imagination, ont peu à peu donné vie à une légende où Fellini lui-même ne semble plus distinguer la part de la réalité et celle de l'imagination. Moderne Cagliostro du spectacle, il crée un monde fabuleux de souvenirs et de mystification dans lequel il évolue comme un personnage parmi ses personnages.

    Filmographie : les films réalisés par Federico Fellini.

    *** Les Longs-métrages
    - 1950 : Les Feux du music-hall (Luci del varietà), coréalisation avec Alberto Lattuada
    - 1952 : Le Cheik blanc ou Courrier du cœur (Lo sceicco bianco)
    - 1953 : Les Vitelloni ou Les Inutiles (I vitelloni)
    - 1954 : La strada
    - 1955 : Il bidone
    - 1957 : Les Nuits de Cabiria (Le notti di Cabiria)
    - 1960 : La dolce vita (parfois intitulé La Douceur de vivre)
    - 1963 : Huit et demi (Otto e mezzo)
    - 1965 : Juliette des esprits (Giulietta degli spiriti)
    - 1969 : Bloc-notes d'un cinéaste (Block-notes di un regista), documentaire TV
    - 1969 : Satyricon (Fellini Satyricon)
    - 1970 : Les Clowns (I clowns)
    - 1972 : Fellini Roma (Roma)
    - 1973 : Amarcord
    - 1976 : Le Casanova de Fellini (Il Casanova di Federico Fellini)
    - 1979 : Répétition d'orchestre (Prova d'orchestra)
    - 1980 : La Cité des femmes (La città delle donne)
    - 1983 : Et vogue le navire… (E la nave va…)
    - 1986 : Ginger et Fred (Ginger e Fred)
    - 1987 : Intervista
    - 1990 : La voce della luna (parfois intitulé La Voix de la lune)

    La Découverte du jour : un livre sur Federico Fellini dédicacé par lui-même !!!

    Il s'agit d'un beau livre, bien réalisé, fortement documenté et illustré, rédigé en langue allemande et tiré en 1976, sur une édition réalisée par " Diogenes Verlag AG Zürich ".
    Une belle édition, reliée et présentée sous jaquette illustrée d'une image d'un de ses films, de grandes dimensions : 33,5 x 28 x 3,5 cm, pour 2600 grammes ...
    Et ... en le feuilletant, l'on découvre, quasiment aux premières pages une superbe dédicace autographiée par FEDERICO FELLINI à une certaine " Denise ", faite à Rome en date de 1977, fort probablement lors de la sortie de ce bel ouvrage.
    MAGNIFIQUE SURPRISE !!!
    ... surtout lorsque la signature se trouve authentifiée par plusieurs experts ... :)

    Les œuvres de Fellini décrites et illustrées dans le livre.

    " Die vierhundert schönsten Bilder aus Federico Fellini's fünfzehneinhalb Filmen Herausgegeben von CHRISTIAN STRICH Mit einem Vorwort von GEORGES SIMENON Diogenes Verlag "
    Ce qui, traduit en français donne :
    " Les quatre cents plus belles images des quinze films et un peu plus de Federico Fellini Edité par CHRISTIAN STRICH Avec une préface de GEORGES SIMENON Diogenes Verlag "
    Soit, pour ce qui concerne l'oeuvre de Fellini reprise et illsutrée dans ce volume, les films suivants :
    - Luci Del Varietà
    - Lo Sceicco Bianco
    - I Vitelloni
    - Un'Agenzia Matrimoniale
    - La Strada
    - Il Bidone
    - Le Notti di Cabiria
    - La Dolce Vita
    - Le tentazioni del Dottor Antonio
    - 8½
    - Giulietta degli Spiriti
    - Toby Dammit
    - Satyricon
    - I Clowns
    - Roma
    - Amarcord
    - Casanova
    Pour chaque film, en en-tête de chapitre, on trouve toute la liste des personnes ayant participé à la fois au tournage, à la mise en scène, on montage et autres effets spéciaux du film ... un générique avant les illustrations, souvent suivi dans une ou deux autres pages d'une présentation ou autre critique du film concerné.
    Un bien bel ouvrage, qui, de plus, porte la signature de Monsieur FELLINI himself !!!© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
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  • share read star Cartes Postales signées Poulbot pour la Ligue Nationale contre le taudis
    Sunday 25 June 2023 - 15:58
    from Ma Petite Brocante en Ligne
    un taudis
    un taudis - là où il ne fait pas bon vivre
    quelques petites cartes postales, assez anciennes, portant une notation au dessus de l'emplacement réservé à l'adresse: " la correspondance au recto n'est pas acceptée par tous les pays étrangers ", ce qui sous-entend qu'il faudra mette la carte postale sous enveloppe.

    Lot de 15 cartes postales éditées pour la " ligue Nationale contre le taudis ".

    Ce lot est composé de :
    * 12 cartes postales " CPA
    * 3 supplémentaires éditées de plus en format publicitaire par la " Blédine JACQUEMAIRE " " La seconde Maman ", moins courantes.
    Chaque carte comporte un joli dessin réalisé et signé par " POULBOT ", montrant une scène animée, qui se veut 'touchante' assortie d'un texte différente pour chaque illustration.
    Les différents textes figurant sur les Cartes postales:
    - C'est parce que, dans le buffet, les rats viennent le manger.
    - Maman a besoin de la table pour repasser
    - Alors, qu'est-ce que tu diras quand on va être un de plus !
    - Encore l'eau qui est gelée.
    - Laisse-le, il est pas encore habitué, c'est les puces qui l'empêchent de dormir.
    - Le médecin a dit qu'il était fichu si on déménage pas d'ici.
    - Noël vient pas chez nous, y a pas de cheminée
    - On l'a trouvé ce qui puait chez nous, y avait deux rats crevés dans le sommier.
    - Pourquoi tu viens pas à l'école ? ... Parce qu'i faut pas avoir de poux.
    - Y en a beaucoup de l'eau chez vous ? ... C'est pas de l'eau c'est du purin.
    - T'as peur des araignées! ... faudrait pas que tu demeures chez nous.
    - Ah, ma vieille ... chez nous, elles sont autrement grosses les punaises.
    - Pourquoi tu te couches pas chez vous ? ... Il pleut à ma place.
    - Je voudrais déjà être soldat pour un lit pour moi tout seul.
    - Maman ... le cochon qui fouille dans le buffet ...
    - Elles dorment donc jamais les rosses de punaises !
    - C'est ceux du premier qui sont bouchés.

    La Ligue Nationale contre le Taudis.

    Lors de la découverte de ce petit lot de CA, je ne connaissais même pas cette organisme, je l'avoue et à la vue des cartes qui semblent relativement anciennes, j'étais même persuadé qu'il s'agissait d'une ancienne association, désormais disparue ... que nenni !!!
    Il existe sur Internet pas mal de renseignement sur cette Ligue Nationale, par exemples :
    " La Ligue Nationale Contre le Taudis se mobilise pour permettre aux personnes les plus en difficulté de sortir de leur situation d’insalubrité et/ou d’avoir accès à une nouvelle offre d’habitat.
    En complément des aides publiques et institutionnelles, il est devenu nécessaire de nouer des partenariats avec les acteurs essentiels que sont les entreprises et les fondations pour permettre à ces projets de voir le jour. En faisant un don, chaque citoyen peut également y contribuer.
    Créée en 1924, la Ligue Nationale Contre le Taudis est la seule association reconnue d’utilité publique dans le domaine du logement, ce qui lui permet de recevoir des dons et des legs qui sont dédiés à financer des solutions adaptées à chaque situation, et ce partout en France. "
    site Internet
    site Internet : Ligue Nationale Contre le Taudis
    Mieux encore, on peut facilement découvrir un site officiel dans lequel tous les renseignements, toutes les explications, tous les projets et actions de la Ligue sont accessibles et clairement expliqués. Quoique que ... il ne semble plus y avoir grande activité sur ce site de la Ligue depuis maintenant au moins un ou deux ans ...
    Il est quand même malheureux, à notre époque, en 2023, de se rendre compte que, en plus de la pauvreté, des gens vivent encore non seulement dans la rue, mais aussi dans des logements insalubres, dans des ... taudis ...
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  • share read star Grand Pichet publicitaire pour les vins fins brocard - pichot
    Sunday 18 June 2023 - 16:59
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    ancien pichet ancien pichet - céramique à thématique publicitaire

    parmi les milliers d'objet ' VINTAGE ' qui passionnent les gens, collectionneurs, décorateurs ou simples particuliers, voici un exemple caractéristique de nos tendances : un pichet publicitaire, représentant la tête d'un bonhomme fort jovial réalisé en belle céramique ...

    Un Pichet publicitaire de forme anthropomorphe.

    Petites explications pour les ' non initiés ' ...
    * pichet : Un pichet est un petit récipient, à col légèrement resserré, et disposant d'une anse et d'un bec verseur, permettant le service des boissons à table ...
    * zoomorphe : qui se veut représenter un animal, un être vivant ...
    * pichet zoomorphe : un pichet auquel l'artiste créateur a donné une forme " vivante ", représentant le plus souvent un animal ...
    * anthropomorphe : qui a la forme, l'apparence d'un être humain ...
    * pichet anthropomorphe : l'un des modèles les plus prisé de certains collectionneurs, un pichet qui peut être réalisé en grès, en biscuit, en céramique ou autre matière, pichet auquel l'artiste a donné " allure humaine " ...
    * vins fins brocard - pichot : des vins issus du domaine Jean-Marc Brocard, une ancienne marque bien connue, qui a maintenant évoluée, JM Brocard se voulant maintenant être un  des premiers producteurs de vins en agriculture bio à Chablis et en Bourgogne.

    Ancien pichet anthropomorphe publicitaire " vins fins brocard - pichot ".

    Barbotine de couleur beige, bouchon d'origine, tampon signature sous la base.
    Thème Publicitaire : VINS FINS BROCARD PICHOT
    - Inscriptions sous la base : BONFIL Paris.
    - Matière : Céramique
    - dimensions : 15 x 19 x 15 cm
    - Poids : Environ 560 g
    - Etat : Très bon état, ancien avec usures d'usage, aucun coup.
    - encore fonctionnel
    Superbe objet de Déco ou pour collectionneur.
    enjoy :)
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  • share read star Les Sept Péchès Capitaux - Lithographies originales de A. Willette - 1857-1936
    Wednesday 07 June 2023 - 17:18
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    Les Sept Péchés Capitaux
    Les Sept Péchés Capitaux - Lithographies originales de A. Willette
    prqztùqyk
    ******************

    Qui était Adolphe Léon Willette ?

    Plus connu comme " A.Willette", selon la signature présente sur la quasi majorité de ses œuvres, Adolphe Léon Willette, né le 30 juillet 1857 à Châlons-sur-Marne et décédé le 4 février 1926 à Paris, était un peintre, illustrateur, affichiste, lithographe et caricaturiste français.
    Les Sept Péchés Capitaux
    Adolphe Willette - artiste français
    Il entre à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1875. En 1877, il réalise ses premiers dessins de presse pour La Jeune Garde et La France illustrée qu’il signe sous le pseudonyme de Nox. Il se fait remarquer au Salon en 1881 en exposant sa toile la Tentation de Saint-Antoine. Il s’installe dans un atelier à Montmartre en 1882.
    Il illustre Victor Hugo, peint des fresques et des vitraux, dessine des cartes postales, des affiches publicitaires, des couvertures de livres et, en échange d'un repas, des menus de brasserie. Ses représentations de Pierrot et Colombine lui valent une certaine popularité. En 1883, il réalise un dessin, intitulé " Ah! que c'est beau le soleil !", pour illustrer la pièce, Le Rêve d'un Viveur, de Jean-Louis Dubut de Laforest qui est alors publié dans le recueil de la pièce.
    Avec Rodolphe Salis et Émile Goudeau, il participe à la création du cabaret parisien le Chat noir au boulevard Rochechouart, où il expose d'abord une toile refusée au Salon : " Une Paire d'amis " (Femme et chat noir), puis qu'il décore ensuite de panneaux, notamment celui du Parce Domine (en 1884), et d'un vitrail, " Le Veau d'or ou Te Deum laudamus " (en 1885), alors perçu par John Grand-Carteret comme " un curieux mélange de souvenirs, d'ornements classiques et de conceptions modernes ". Au Chat noir, il retrouve Antonio de La Gandara et fréquente également Henri Rivière, Maurice Donnay, Maurice Rollinat, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Camille Pissarro, Vincent van Gogh, Louis Anquetin ou Georges Seurat...
    Décoration du Moulin Rouge.
    *** En 1888, à Paris, a lieu sa première exposition de peintures et de dessins au 34 rue de Provence : Jules Chéret lui fait une affiche. Il décore de nombreux cabarets et restaurants de la butte Montmartre : l'auberge du Clou, la Cigale, le hall du bal Tabarin, la Taverne de Paris, ainsi qu'un salon de l’Hôtel de ville de Paris. En 1889 il décore le Moulin Rouge, et dessine le célèbre moulin.
    La Fortune
    La Fortune - lithographie de A.Willette
    Nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1906, il est ensuite élevé au rang d'officier de ce même ordre en 1912.
    En 1923, il pose la première pierre du dispensaire des Petits Poulbots à Montmartre.
    Adolphe Willette meurt d'une congestion pulmonaire en son domicile, le petit hôtel du 28, rue Lacroix dans le 17e arrondissement de Paris, le 4 février 1926, " ne laissant à sa femme et à ses trois filles, évoque Jean-Paul Crespelle, que quelques billets de mille, bien marri de partir aussi démuni, malgré sa célébrité, que l'un de ses Pierrots noceurs ". Il est inhumé au cimetière du Montparnasse, où l'oraison funèbre est prononcée par Jean-Louis Forain.
    sépulture d'Adolphe Léon Willette
    sépulture d'Adolphe Léon Willette - cimetière du MontParnasse
    ( wikipédia )

    L’œuvre de Willette Adolphe Léon.

    L'œuvre graphique de Willette est à ce jour difficilement mesurable en termes de quantité et un catalogue raisonné relève de la gageure selon Laurent Bihl, outre les dessins de presse, les tableaux et les gravures, on compterait des éventails, boîtes de friandises, menus, images scolaires ou religieuses, tracts, enseignes de boutique, cartes postales, faire-part de naissance, affiches, décorations murales de lieux publics, chansons illustrées, mais aussi chars carnavalesques, déguisements, costumes de scène, bannière religieuse, etc ...

    Des œuvres prisées par les collectionneurs.

    Son œuvre graphique est considérable et extrêmement diversifiée.
    Passant avec aisance de la commande publicitaire à la caricature très personnelle, de la poésie à l’ironie, faisant preuve d’un engagement social constant, témoin des transformations de son époque, il collabora à de nombreux journaux comme le Courrier français et surtout L’Assiette au beurre.
    Les innombrables dessins humoristiques de Willette resteront sans doute son meilleur titre de gloire. Ils ont charmé toute une génération par leur grâce alerte, leur gaieté satirique mais sans aigreur ...
    Ses œuvres sont passées en vente aux enchères publiques désormais à plus 1000 reprises, majoritairement dans la catégorie Dessin-Aquarelle. L’adjudication la plus ancienne enregistrée est semble-t-il "La Revue déshabillée de Mr. Jean d'Arc " vendue en 1985 chez Ketterer (Estampe-Multiple) et la plus récente est " Sans titre "vendue en 2023 (Estampe-Multiple).

    Les 7 Pêchés capitaux : avarice / luxure / orgueil / envie / paresse / gourmandise / colère - Lithographies originale de A. Willette.

    Quasiment une des plus récentes apparitions d'une des séries de Lithographies, connue et recherchée de Willette, " Les 7 pêchés capitaux " vient de faire apparition dans une salle des ventes, en voici la présentation, avec tous les documents à l'appui.
    Une série qui également rencontre un franc sucés actuellement notamment à cause du talent de son réalisateur bien sûr, mais également de par le simple fait de la manière que l'on pourrait juger quelque peu " irrévérencieuse " de traiter ainsi un sujet à tendance lus que religieuse, les gravures d'origine qu'il nous a signées étant plus portées vers le genre du " nu ", voire même pour certains de " l'érotisme " que de celui de la religion.
    Il s'agit donc d'un lot de 7 lithographies signées dans la planche, datées pour certaines et nommées ainsi:
    * l'avarice 1917
    * la luxure  1917
    * l'orgueil   1916
    * l'envie   1916
    * la paresse
    * la gourmandise
    * la colère = notée 1906
    Au niveau des dimensions :
    format du tirage : 36,7 cm X 27,5 cm
    passe-partout de 'présentation : 51 x 33 cm
    ( fenêtre de 28 x 25,5 cm )
    Présentées, en ' bon état ', ainsi dans un seul " passe-partout " fait maison, les 7 gravures comportent d'anciennes traces de " scotch " jaunies ayant servi aux précédentes fixations et encadrement; heureusement ces traces, bien visibles, se situent sur les pourtours est disparaissent dès la remise dans un passe-partout. Elles ont eu plusieurs " propriétaires " c'est certain mais sont arrivées jusque nous en excellent état, comme vous pourrez le juger en visionnant les photos placées ci-dessous.
    Il s'agit donc de Lithographies originales tirées sur chine appliqué sur vélin fort en Épreuve avant la lettre et avec remarque, comme un " Essai d'artiste ", épreuves finalement signées dans la lithographie : A. Willette
    La série complète comme celle-ci est assez rare et recherchée. Ici, le tirage sur Chine blanc appliqué sur vélin met particulièrement en valeur les sujets.
    On y retrouve à la fois la présence voluptueuse de la femme qui occupe une place de premier plan dans son œuvre et la figure poétique et lunaire de Pierrot, son double, facétieux et mélancolique, présent tout au long de sa carrière ...
    Prenez le temps de visionner et de savourer ...
    enjoy :)
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  • share read star Un ancien moule à suppositoires en laiton
    Tuesday 30 May 2023 - 18:05
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    moule à suppositoires
    moule à suppositoires - objet technique et maintenant de curiosité
    des outils de pharmaciens, d'apothicaires, qui nous surprennent aujourd'hui mais qui ont eu leur période d'utilisation intense il y a quelques temps et font désormais le régal des ... chineurs ... :)

    Les moules pour faire des suppositoires.

    Bien que certains sites de vente en ligne proposent, encore, des " moules pour faire ses suppositoires " soi-même, hé oui ..., cette pratique est désormais quasiment à abandonner, voire même à proscrire n'étant plus du tout au goût du jour.
    Certes, à une certaine période, pas si lointaine que cela en fait, ils avaient encore une réelle utilité : nombre de prescriptions médicales étaient faites comme " préparation pharmaceutique " à faire faire en pharmacie, travail du pharmacien ou du préparateur en pharmacie.
    Préparations destinées à être administrées par voie rectale en vue d'une action locale ou systémique ou à des fins de diagnostic. Les suppositoires sont, encore maintenant, des préparations unidoses solides. Leur forme, volume et consistance sont adaptés à la voie d'administration
    Ces professionnels utilisaient alors, dès le XIXème siècle, des moules en papier en forme de cornet, puis des moules en laiton ou en étain en forme de cônes; pour une production plus rapide ou en plus grande quantité, l'on fabriqua des moules, en laiton épais le plus souvent, comportant plusieurs empreintes ou emplacements : la préparation médicamenteuse prescrite était alors coulée directement pour produire plusieurs suppositoires à la fois ...

    Notre objet du jour : un moule en laiton pour la fabrication de 12 suppos.

    Un objet de taille relativement moyenne mais qui pèse bien son poids.
    Présenté en état de " sortie de grenier " avec la patine du temps, de l'usage ainsi que de l'oxydation habituelle du laiton, cette belle découverte à fière allure.
    Il s'agit de deux barres qui se superposent et de maintiennent pas deux petits ergots, puis se fixent et se serrent par un système de ' vis ' placé à chaque extrémité, le temps que les suppositoires soient figés, terminés, et puissent ainsi être donné à l'utilisateur.
    Dans ces deux épaisses barres de laiton sont creusées les empreintes des suppositoires, voire aussi des ovules, afin qu'une bonne forme ' ergonomique ' leur soit donnée.
    Ici, l'on peut noter que ces deux barres portent un numéro de fabrication, le nombre " 61 " étant gravé sur chacune d'elle, en plus d'un poids " 2 GR " qui correspondait aux objets fabriqués.
    Quelques détails supplémentaires :
    domaine : pharmacie
    objet : moule à suppositoires
    matériau : laiton
    description : pour 12 suppositoires de 2 grammes, modèle n°61
    période : début XXème
    dimensions : 19 x 3,5 x 3,5 cm
    poids : 930 grammes
    circa : 1910

    Pour les amateurs d'objets hors du commun ...

    Nombre de personnes possédant ces moules à ovules ou à suppositoires n'en font pas que des objets de curiosité placés dans une vitrine; certains en font de véritables " attrape-regard ", objets de décoration, d'autres les détournent complétement en les utilisant comme ... presse-papier ... original, non ???

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