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  • Friday 24 January 2025 - 18:14
    Comtesse Dash
    Comtesse Dash : une femme de lettres aux multiples pseudonymes .
    La Comtesse Dash, de son vrai nom Gabrielle Anne de Cisternes de Courtiras (1828-1899), était une romancière française du XIXe siècle. Connue pour ses écrits prolifiques et passionnés, elle a également utilisé les pseudonymes "Gabrielle de St. Mars" et "La Vicomtesse de Saint-Mars" pour signer certaines de ses œuvres. Son style captivant et ses intrigues romantiques ont su séduire de nombreux lecteurs de son époque.

    Qui était donc La Comtesse Dash ?

    La Comtesse Dash, de son vrai nom Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras, était une romancière française née le 1er août 1804 à Poitiers et décédée le 9 septembre 1872 à Paris.
    Elle a écrit sous plusieurs pseudonymes, dont celui de " Jacques Reynaud " également.
    Elle a commencé à écrire après avoir perdu sa fortune et a utilisé le pseudonyme de " Comtesse Dash " pour éviter des conflits avec sa famille.
    Ses œuvres, souvent nostalgiques des mœurs de la haute société, ont été bien reçues par la critique littéraire de son temps.

    Que sait-on sur Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras ?

    Gabrielle Anna de Cisternes de Courtiras, connue sous le nom de plume Comtesse Dash, est née le 1er août 1804 à Poitiers et est décédée le 9 septembre 1872 à Paris.
    Elle était issue d'une famille noble et riche. Son père, Antoine Cisternes, était directeur des domaines.
    Elle a épousé le vicomte Eugène-Jules de Poilloüe de Saint-Mars en 1822, mais leur mariage n'a pas duré.
    Après avoir connu des revers de fortune, elle a décidé de vivre de sa plume et a pris le pseudonyme de Comtesse Dash pour éviter des conflits avec sa famille.
    Elle a écrit de nombreux romans sous ce pseudonyme, souvent nostalgiques des mœurs de la haute société et des intrigues amoureuses.
    Elle a également collaboré avec Alexandre Dumas et a publié plusieurs de ses œuvres sous son nom.

    Quels sont les principaux romans de la Comtesse Dash ?

    Elle a écrit de nombreux romans au 19ème siècle. Voici quelques-uns de ses principaux ouvrages :
    - Le Jeu de la Reine (1839) - Son premier roman, bien accueilli par la critique.
    - Mémoires des autres - Une série de romans qui dépeignent les mœurs de la haute société et les vicissitudes de l'amour.
    - La Princesse Palatine - Un autre de ses romans populaires.
    - La Dame de volupté (1863) - Publié sous le nom d'Alexandre Dumas, mais attribué par certains à la Comtesse Dash.
    Ces œuvres reflètent souvent une nostalgie pour les mœurs du grand monde et les intrigues amoureuses.

    Le livre du jour : " Madame de la Sablière ".

    "Madame de la Sablière" raconte l'histoire de Marguerite Hessein, marquise de La Sablière, une femme célèbre pour son esprit et sa beauté au XVIIe siècle. Elle est connue pour avoir ouvert son salon littéraire à Paris, attirant des écrivains, des poètes, et des philosophes de renom, tels que La Fontaine. Le roman dépeint sa vie sociale et intellectuelle, ses amours tumultueuses, et ses interactions avec les grands esprits de son temps. À travers ce personnage, la Comtesse Dash explore les défis et les triomphes des femmes de la haute société dans une époque marquée par la grandeur et les intrigues de la cour.

    Notre exemplaire de " Madame de la Sablière.

    *** EDITION ORIGINALE ***
    Comtesse DASH  (pseudonyme d'Anna Gabrielle de Cisternes)
    Madame de La Sablière
    Paris, Desessart, 1840.
    Bel In-8 de (2) ff., 362 pp., (1) f. de table ;
    réalisé en demi-veau fauve, dos lisse orné de filets dorés, pièce de titre de chagrin vert bronze, tranches mouchetées.
    ** Reliure de l'époque **.
    état : reliure légèrement insolée, quelques traces de frottages, intérieur en excellent état = Très Bon exemplaire.
    dimensions : 21,5 x 14 x 2 cm
    poids : 1050 gr
    * "Comtesse Dash" est le nom de plume d'Anna Gabrielle de Cisternes de Courtiras, vicomtesse de Poilloüe de Saint-Mars (1804-1872), épouse du vicomte de Saint-Mars.
    bonne lecture ... enjoy  ...  :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
  • Monday 13 January 2025 - 17:11
    pistolet poivrière
    pistolet poivrière : un système pour tirer plusieurs coups

    Pour en savoir un peu plus sur le Pistolet Poivrière.

    Un pistolet poivrière, ou "pepperbox" en anglais, est une arme à feu historique datant des XVIIIe et XIXe siècles.
    Il se distingue par plusieurs canons rotatifs, souvent entre quatre et dix, montés sur un cylindre. Cela permettait au tireur de tirer plusieurs coups successifs sans avoir à recharger après chaque tir, offrant ainsi un avantage tactique significatif à l'époque.
    Ces pistolets étaient surtout populaires avant l'invention des revolvers modernes, car ils permettaient de tirer plusieurs balles rapidement.
    Les poivrières étaient utilisées à la fois par les civils pour la défense personnelle et par les militaires. Leur conception ingénieuse et leur esthétique en font aujourd'hui des pièces de collection très recherchées.

    Différence entre un pistolet poivrière et un revolver.

    1 - Pistolet Poivrière
    - Conception : A plusieurs canons rotatifs montés sur un cylindre.
    - Tir : Chaque canon a sa propre chambre de charge, ce qui permet de tirer plusieurs coups successifs sans recharger.
    - Avantages : Facilité de tir multiple rapide sans les complications des premiers mécanismes de revolvers.
    - Période d'utilisation : Populaires avant et au début de l'ère des revolvers (XVIIIe et XIXe siècles).
    2 - Revolver
    - Conception : Un seul canon avec un cylindre rotatif contenant plusieurs chambres de charge (généralement six).
    - Tir : Le cylindre tourne pour aligner chaque chambre avec le canon pour chaque coup tiré.
    - Avantages : Plus léger et plus compact par rapport au pistolet poivrière ; finalement plus pratique et efficace.
    - Période d'utilisation : A pris le dessus à partir du milieu du XIXe siècle avec l'invention du revolver à percussion.

    Existe-t-il plusieurs genres ou familles de Pistolet Poivrière ?

    En effet, il y a plusieurs genres de pistolet poivrière et chacune de ces familles a contribué à l'évolution des armes à feu et a son propre charme historique…
    1. Les poivrières à percussion
    Ces modèles utilisent un système de percussion où chaque canon a une amorce qui, lorsqu'elle est frappée par le chien (le marteau), déclenche la poudre dans la chambre de tir.
    2. Les poivrières à silex
    Ces pistolets utilisent un mécanisme à silex pour créer une étincelle qui allume la poudre noire dans les canons. Ce sont des modèles plus anciens par rapport aux poivrières à percussion.
    3. Les poivrières à capsule à broche
    Un type de poivrière plus avancé où les chambres de tir utilisent des capsules à broche. Ces capsules sont frappées par un mécanisme de marteau pour déclencher la décharge.
    4. Les poivrières de poche
    Des versions plus compactes, souvent utilisées pour la défense personnelle. Elles sont conçues pour être facilement transportées et dissimulées.
    5. Les poivrières militaires
    Ces modèles sont généralement plus robustes et peuvent avoir des canons plus longs ou un plus grand nombre de canons, destinés à être utilisés par les militaires pour le combat.
    ...  enjoy  :)
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  • Friday 03 January 2025 - 17:06
    Douze Sonnets
    Douze Sonnets : par Paul Guérin

    Charles Guérin, poète français.

    Poète Français du XIXème, Charles Guérin, grand ami de Francis James s'est lancé en littérature le temps que lui a laissé la vie ...
    1 - Sa Biographie
    Charles Guérin est né le 29 décembre 1873 à Lunéville, en Lorraine, une région située à l'est de la France.
    Il a grandi dans une famille bourgeoise où il a été encouragé à explorer ses intérêts littéraires dès son plus jeune âge.
    Charles Guérin
    Charles Guérin : portrait par Paul Baudier
    Passionné de littérature, il a poursuivi ses études secondaires à Nancy avant de s'installer à Paris, où il a intégré le monde littéraire bouillonnant de la fin du XIXe siècle. Paris, à cette époque, était un centre névralgique pour les artistes et les intellectuels, ce qui a permis à Guérin de développer ses talents et de se faire connaître parmi ses pairs.
    La ville lumière a joué un rôle crucial dans l'épanouissement de son écriture poétique, influencée par les courants symbolistes et décadents de l'époque.
    2 - La Vie
    La vie de Charles Guérin, bien que courte, a été marquée par des rencontres déterminantes et des amitiés durables avec d'autres figures littéraires.
    Installé à Paris, il a fréquenté les cercles littéraires et a tissé des liens avec des écrivains tels que Paul Claudel, Francis Jammes et André Gide.
    Ces relations ont nourri son inspiration et ont influencé son style poétique. Cependant, Guérin a aussi été marqué par la maladie.
    Dès son jeune âge, il a souffert de la tuberculose, une condition qui a progressivement affaibli sa santé. Cette lutte contre la maladie transparaît dans ses œuvres, où l'on retrouve souvent des thèmes de souffrance, de mélancolie et de contemplation de la mort.
    Malgré sa santé fragile, Guérin a continué à écrire et à publier jusqu'à sa mort prématurée le 17 mars 1907, à Aix-en-Provence, à l'âge de 33 ans.
    3 - Les Œuvres
    L'œuvre poétique de Charles Guérin est riche et diversifiée, reflétant sa sensibilité et sa vision du monde.
    Son premier recueil, "Le Sang des Crépuscules" (1895), a été acclamé par la critique et lui a valu une reconnaissance immédiate. Ce recueil, marqué par une tonalité sombre et introspective, explore des thèmes tels que le crépuscule, la mort et la solitude.
    En 1897, Guérin publie "Lumières et Ténèbres", un recueil où il approfondit ses réflexions sur la dualité de la vie, opposant la lumière à l'obscurité, l'espoir au désespoir. Ce recueil témoigne de son évolution en tant que poète et de sa capacité à capter les nuances de l'existence humaine.
    "Le Semeur de Cendres" (1901), son troisième recueil, est imprégné d'une atmosphère encore plus sombre et méditative. Guérin y exprime ses angoisses et ses doutes, tout en continuant à chercher la beauté dans la tristesse.
    Enfin, en 1904, il publie "La Beauté Nérée", son dernier recueil de poèmes publié de son vivant. Cette œuvre, plus sereine, traduit une quête de la beauté et de l'harmonie malgré les épreuves de la maladie.
    4 - Influence et Héritage
    Bien que Charles Guérin n'ait pas eu une longue carrière, son impact sur la poésie française est indéniable. Son style mélancolique et introspectif a influencé de nombreux poètes contemporains et ultérieurs.
    Sa capacité à exprimer des émotions profondes et complexes à travers des vers élégants et évocateurs continue d'inspirer les lecteurs et les écrivains.
    Les thèmes de la souffrance, de la beauté et de la recherche de sens dans la douleur, omniprésents dans son œuvre, résonnent toujours chez ceux qui découvrent sa poésie.
    Aujourd'hui, Charles Guérin est reconnu comme une figure importante de la littérature française de la fin du XIXe siècle, et ses œuvres sont régulièrement étudiées et admirées pour leur profondeur émotionnelle et leur richesse stylistique.

    Une de ses nombreuses œuvres : Douze Sonnets.

    "Douze Sonnets" est un recueil posthume de Charles Guérin, publié en 1922.
    Ce livre rassemble douze sonnets qui reflètent la sensibilité et la profondeur émotionnelle du poète. Chaque sonnet explore des thèmes tels que la mélancolie, la beauté de la nature, l'amour et la souffrance. Guérin utilise un langage poétique riche et évocateur pour capturer les nuances de l'expérience humaine.
    Les sonnets de ce recueil sont marqués par une introspection intense et une recherche de la beauté dans la douleur.
    Ils montrent la maîtrise de Guérin de la forme poétique et sa capacité à exprimer des émotions complexes de manière concise et puissante. "Douze Sonnets" est un témoignage de l'habileté de Guérin à toucher le lecteur et à laisser une impression durable à travers ses mots.

    Notre livre du jour : Douze Sonnets de Charles Guérin.

    Charles Guérin - Douze Sonnets - ill. William Fel - Librairie des Amateurs - 1922
    Illustrations de William Fel, dont un Frontispice gravé au vernis mou.
    éditeur : Librairie des Amateurs, Paris, 1922
    Gr. in-8°, 28p. Edition limitée à 500 exemplaires non numérotés sur vélin d'Arches
    Bel exemplaire. Broché, couverture illustrée rempliée
    dimensions : 23 x 16,5 x 0,5 cm
    poids : 150 gr
    * sous protection plastique
    état : fort bel état général, extérieur légèrement insolé, intérieur très frais et en excellent état, ne présentant juste que quelques traces de rousseurs …
    * Bel Exemplaire à Collectionner
    … enjoy :)

    © Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
  • Saturday 28 December 2024 - 22:55
    chryséléphantinechryséléphantine : Or & Ivoire pour la beauté de l'Art !

    La technique chryséléphantine, héritée de la Grèce antique, marie avec éclat l’ivoire et l’or pour créer des sculptures d’une élégance et d’un raffinement exceptionnels. Initialement réservée aux représentations divines et monumentales, elle a traversé les siècles pour renaître dans des œuvres plus intimes, notamment durant l’ère Art déco. Ces sculptures, alliant délicatesse et opulence, continuent de captiver les passionnés d’art et les collectionneurs.
    Aujourd'hui, les réalisations chryséléphantines, qu'elles soient antiques ou modernes, incarnent une quête intemporelle de beauté et d'excellence.
    Leur rareté, la finesse de leur exécution et l’éclat des matériaux précieux en font des trésors prisés, souvent vendus à prix d’or lors d’enchères.
    Cette technique, à la croisée de l’histoire et de l’esthétique, reste un symbole de l’art intemporel et du savoir-faire exceptionnel des artistes.
    danseuse avec des voiles
    danseuse avec des voiles : une sculpture chryséléphantine de Demetre Chiparus

    Chryséléphantine : Une technique d'art unique et précieuse

    Le terme chryséléphantine dérive des mots grecs "chrysos" (or) et "elephas" (ivoire). Il désigne une technique artistique ancienne qui combine l'utilisation de l'or et de l'ivoire pour créer des sculptures, souvent des pièces de grand raffinement et de haute valeur. Cette technique, bien que raréfiée aujourd'hui, est à la fois un témoignage du génie artistique des civilisations antiques et un objet de fascination pour les collectionneurs modernes.

    Origines et signification du terme.

    La sculpture chryséléphantine trouve ses origines dans la Grèce antique, particulièrement au Ve siècle avant J.-C. Elle était utilisée pour la réalisation de statues monumentales représentant des dieux ou des figures mythologiques. Ces sculptures étaient généralement constituées d’un noyau de bois, recouvert de plaques d’ivoire pour la peau et d’or pour les vêtements ou les ornements. Les exemples les plus célèbres incluent :
    La statue de Zeus à Olympie, créée par le sculpteur Phidias, considérée comme l'une des Sept Merveilles du monde antique.
    La statue d’Athéna Parthénos, également par Phidias, située dans le Parthénon à Athènes.
    Ces œuvres n'étaient pas seulement des symboles religieux, mais aussi des démonstrations de richesse et de pouvoir pour les cités grecques.

    Techniques pour réaliser des objets chryséléphantins

    1. Matériaux de base :
    Ivoire : Prélevé des défenses d'éléphant, parfois d'autres animaux comme le morse. Le travail de l'ivoire exige une grande dextérité pour sculpter des détails sans fissurer le matériau.
    Or : Généralement battu en feuilles ou travaillé en fines plaques pour être appliqué sur les parties décoratives.
    2. Structure :
    Le cœur de l’œuvre était souvent en bois (comme le cèdre ou le chêne), garantissant la stabilité de la sculpture. Ce noyau servait de support pour fixer l'ivoire et l'or.
    3. Fixation :
    Des techniques complexes de fixation étaient nécessaires pour assembler les différentes pièces sans les endommager, notamment en utilisant des chevilles ou des adhésifs naturels comme la résine.
    4. Polissage et finitions :
    Une fois assemblée, l'œuvre était polie pour révéler la brillance naturelle de l'ivoire et la richesse de l’or.

    Difficultés de réalisation

    Fragilité des matériaux :
    L'ivoire est particulièrement sensible à l'humidité et aux variations de température, ce qui peut provoquer des fissures ou une déformation.
    Coût et rareté :
    Les matériaux comme l’or et l’ivoire étaient rares et précieux, limitant leur usage à des commandes d’élite.
    Techniques de conservation :
    Préserver ces œuvres à travers les siècles est un défi, surtout lorsque le bois du noyau se détériore.

    Divers types d'objets réalisés en chryséléphantine

    Bien que les sculptures monumentales de la Grèce antique soient les exemples les plus emblématiques, la technique a été reprise à d'autres époques pour des objets plus petits, notamment au cours de l'Art déco (début du XXe siècle).
    Les artistes de cette période, tels que Demetre Chiparus et Ferdinand Preiss, ont utilisé l’ivoire et le bronze doré pour créer des figurines élégantes représentant des danseuses ou des personnages féminins.

    Exemples célèbres :

    "Danseuse avec des voiles" de Demetre Chiparus : Une sculpture Art déco combinant ivoire pour le visage et bronze doré pour le corps.
    "Fille au cerceau" de Ferdinand Preiss : Une œuvre miniature montrant le mariage délicat entre ivoire et métaux précieux.
    Plus léger que l'air
    Plus léger que l'air : une œuvre de Ferdinand Preiss représentant la danseuse de revue anglaise Ada May

    La passion des collectionneurs et la valeur des pièces

    Les sculptures chryséléphantines suscitent un vif intérêt dans le monde des collectionneurs. Leur rareté, leur esthétique unique et leur association avec des périodes artistiques prestigieuses en font des objets de désir et d’investissement.
    Valeur financière :
    Les pièces Art déco peuvent atteindre plusieurs centaines de milliers d'euros lors de ventes aux enchères. Les œuvres antiques, lorsqu'elles sont découvertes, sont inestimables et généralement conservées dans des musées.
    Conservation et restauration :
    Les collectionneurs investissent souvent dans des techniques modernes pour protéger l’ivoire contre les dommages, notamment en contrôlant les conditions de stockage.
    Symbolique :
    Au-delà de leur valeur monétaire, ces sculptures incarnent une recherche de beauté et de perfection artistique.

    Et, pour résumer ...

    Le terme chryséléphantine dépasse la simple description technique ; il renvoie à une tradition artistique d’une richesse exceptionnelle.
    Des statues monumentales de la Grèce antique aux figurines délicates de l’Art déco, ces œuvres témoignent d’un savoir-faire hors pair et d’une quête perpétuelle d’harmonie et de beauté.
    Dans le monde moderne, elles continuent de fasciner amateurs d’art et collectionneurs, transcendant les siècles et les cultures.
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  • Sunday 22 December 2024 - 12:44
    aiguilles
    aiguilles : pour une durée prévue de ... 10 auditions
    Laissons de côté les histoires de phonographe ou autre gramophone recherchés pour souvent de la décoration " Vintage ", il s'agit ici de réussir à se replonger dans le passé et, véritablement, de parvenir, comme de nombreuses générations en arrière … écouter un ancien disque avec du matériel d'époque et obtenir cette ancienne sonorité inégalable ...
    Écouter des vinyles 78 tours comme avant peut être une expérience fascinante ! Voici quelques étapes pour y parvenir :
    mais ... avant toutes autres choses, une petite mis au point s'impose !

    Quelles sont les principales différences entre un gramophone et un phonographe ?

    Le phonographe et le gramophone sont deux des premiers appareils d'enregistrement sonore, mais ils présentent des différences fondamentales :
    1 - Support d'enregistrement :
     Phonographe : Utilise un cylindre en cire ou en matériau similaire sur lequel les vibrations sonores sont gravées en spirale.
     Gramophone : Utilise un disque plat en gomme-laque (et plus tard en vinyle) sur lequel les vibrations sonores sont gravées en sillon latéral.
    2 - Mécanisme de lecture :
     Phonographe : Un stylet suit les sillons gravés sur le cylindre, amplifiant les vibrations pour produire le son.
     Gramophone : Un stylet suit les sillons gravés sur le disque, qui tourne sur un plateau.
    3 - Qualité sonore :
     Phonographe : La qualité sonore est généralement considérée comme inférieure à celle du gramophone en raison des limitations du support cylindrique.
     Gramophone : La qualité sonore est généralement meilleure, grâce à la surface plane du disque qui permet une gravure plus précise des sons.
    4 - Durabilité :
     Phonographe : Les cylindres sont sensibles aux rayures et à l'usure, ce qui limite la durée de vie d'un enregistrement.
     Gramophone : Les disques sont plus résistants aux rayures et peuvent être lus de nombreuses fois.
    5 - Format et portabilité :
     Phonographe : Les cylindres sont plus encombrants à transporter et à stocker.
     Gramophone : Les disques sont plus plats et plus faciles à transporter.
    6 - Production en masse :
     Gramophone : Le format disque a permis une production en masse plus facile et moins coûteuse, rendant la musique enregistrée plus accessible au grand public.
    In fine, le gramophone a rapidement supplanté le phonographe en raison de sa meilleure qualité sonore, de sa durabilité supérieure et de sa facilité de production en masse.
    Le gramophone a posé les bases de l'industrie du disque telle que nous la connaissons aujourd'hui.

    Les grands dates de l'évolution de ces deux techniques.

    A - Le Phonographe d'Edison (1877)
    1877 : Thomas Edison invente le phonographe, un appareil révolutionnaire permettant d'enregistrer et de reproduire le son sur un cylindre en cire.
    Fin du 19ème siècle : Le phonographe connaît un certain succès commercial, notamment pour la dictée et la reproduction de musique.
    Cependant, la qualité sonore reste limitée et les cylindres sont fragiles.
    B - Le Gramophone de Berliner (1887)
    1887 : Émile Berliner dépose un brevet pour le gramophone, utilisant des disques plats en gomme-laque au lieu des cylindres. Cette innovation permet une meilleure qualité sonore et une production en masse plus aisée.
    Fin du 19ème - début du 20ème siècle : Le gramophone devient rapidement populaire, supplantant progressivement le phonographe.
    De grandes compagnies phonographiques voient le jour, comme Victor Talking Machine Company (qui deviendra RCA Victor) et Columbia Records.
    C - Évolution et Déclin
    Début du 20ème siècle : Le gramophone est amélioré avec l'utilisation de matériaux plus résistants pour les disques (comme le shellac) et de meilleurs systèmes d'amplification.
    Dans les années 1940 : L'arrivée du disque microsillon en vinyle marque une nouvelle ère pour l'enregistrement sonore, offrant une meilleure qualité sonore et une plus grande capacité d'enregistrement.
    … Le gramophone à disque de gomme-laque devient progressivement obsolète.
    Années 1970-1980 : Le vinyle est supplanté par le cassette audio, puis par le CD.
    Cependant, le vinyle connaît un regain d'intérêt depuis les années 2000, notamment auprès des audiophiles.
    Pour résumer cette nouvelle passion qui anime désormais certains collectionneurs, le phonographe d'Edison a ouvert la voie à l'enregistrement sonore, mais c'est le gramophone de Berliner qui a véritablement démocratisé la musique enregistrée.
    Bien que les technologies aient continué d'évoluer, l'héritage du phonographe et du gramophone reste présent dans notre culture musicale ...

    Et pour retrouver le son de cet héritage, comment faire, donc ?

    Il faut se remettre dans les conditions qu'on connues nos ancêtres, à savoir ...
    1 - Le Matériel Nécessaire
    * Un Phonographe à Manivelle : Pour une expérience authentique, utilisez un phonographe à manivelle. Cela vous permettra de faire tourner le disque à la vitesse correcte (78 tours par minute).
    * Une Aiguille Adaptée : Les aiguilles modernes sont généralement plus légères et moins endommageantes pour les disques. Utilisez une aiguille en bambou ou en épine de cactus pour minimiser l'usure.
    * 'SI' vous désirez dépasser le niveaux des " pavillons ", un Amplificateur et des Haut-parleurs : Si vous souhaitez écouter les disques à un volume plus élevé, vous aurez besoin d'un amplificateur et de haut-parleurs compatibles.
    2 - Les Étapes pour Écouter
    * Préparation du Disque : Insérez soigneusement le disque sur le plateau du phonographe. Assurez-vous qu'il est bien centré.
    * Lecture : Actionnez la manivelle pour mettre le disque en mouvement. Laissez-le tourner jusqu'à ce que vous ayez fini d'écouter.
    * Changement d'Aiguille : Après avoir écouté une face du disque, changez l'aiguille pour éviter d'endommager le sillon.
    3 - Quelques Conseils pratiques
    * Précautions : Manipulez les disques avec soin pour éviter les rayures et les dommages.
    * Entretien : Gardez vos disques et votre équipement propres et en bon état pour une meilleure qualité sonore.

    Objet de Curiosité du jour : une ancienne boite d'aiguilles de Gramophone - MARSCHALL.

    Petits objets et témoignages d'un temps passé pas si lointain que cela …
    Boite d'aiguilles de Gramophone - MARSCHALL - Longue durée - tôle - lithographiée
    ** AVEC LES AIGUILLES D'ORIGINE ! **
    VINTAGES mais toujours opérationnelles.
    Petites aiguilles pour gramophone (disque), modèles d'origine, couleur ' or ', aiguilles à longue durée
    Noté: Marschall - Aiguille longue durée
    " Chaque aiguille donne 10 auditions " …
    Petite boite métallique remplie d'Épingles de gramophone pour écouter les très anciens disques vinyles !
    dimensions : 4,8 x 3,4 x 0,7 env.
    Année 1910/1920

        enjoy   :)© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
  • Friday 20 December 2024 - 17:14
    Jules Barbey d'Aurevilly
    Jules Barbey d'Aurevilly : réalisme, fantastique et romantisme noir

    Jules Barbey d'Aurevilly est une figure singulière et influente dans le paysage de la littérature française du XIXe siècle. Connu pour son style baroque et ses thèmes sombres, il a laissé une marque indélébile sur la littérature française, mêlant réalisme, fantastique et romantisme noir...

    Qui était Jules Barbey d'Aurevilly ?

    Jules Barbey d'Aurevilly, de son nom complet " Jules Amédée Barbey d'Aurevilly " était un écrivain et critique littéraire français, né le 2 novembre 1808 et décédé le 23 avril 1889. Il est surtout connu pour ses romans psychologiques et ses nouvelles, ainsi que pour ses essais sur la littérature et la société de son temps. Son œuvre mélange souvent le réalisme et le fantastique, et il a influencé de nombreux écrivains français.
    Jules Amédée Barbey d'Aurevilly
    Jules Amédée Barbey d'Aurevilly : une figure incontournable de la littérature française du XIXème siècle

    L'œuvre de Jules Barbey d'Aurevilly.

    Jules Barbey d'Aurevilly a laissé derrière lui une œuvre littéraire riche et variée, marquée par ses thèmes de prédilection tels que le mysticisme, le dandysme, et les passions exacerbées. Voici quelques-unes de ses œuvres les plus notables :
    A - Romans
    - Une vieille maîtresse (1851) : Un roman où l'auteur explore les passions destructrices à travers l'histoire d'un jeune homme partagé entre son amour pour une femme vertueuse et son attachement à une ancienne maîtresse.
    - L'Ensorcelée (1854) : Ce roman se déroule en Normandie et plonge le lecteur dans une atmosphère de superstition et de mysticisme.
    - Les Diaboliques (1874) : Un recueil de six nouvelles, chacune racontant des histoires de femmes fatales et d'hommes pris au piège de leurs propres passions. C'est l'une de ses œuvres les plus célèbres.
    - Le Chevalier des Touches (1864) : Un roman historique se déroulant pendant les guerres de Vendée, explorant la loyauté et le courage à travers ses personnages.
    B - Nouvelles et Essais
    - Le Rideau cramoisi (1854) : Une nouvelle sombre et passionnée, souvent citée comme l'une des meilleures de Barbey d'Aurevilly.
    - Les Prophètes du passé (1851-1871) : Une série d'essais où Barbey d'Aurevilly examine les grandes figures littéraires de son temps, telles que Balzac, Baudelaire et Flaubert.
    C - Œuvres Critiques
    - Les Œuvres et les Hommes (1860-1909) : Une série de critiques littéraires où il offre ses réflexions sur la littérature et les écrivains contemporains.
    Le style de Barbey d'Aurevilly est souvent caractérisé par une prose élégante et raffinée, teintée de mysticisme et de romantisme noir. Son influence se fait sentir chez des auteurs comme Marcel Proust et Jean Lorrain.

    L'Ensorcelée de Barbey d'Aurevilly.

    L’Ensorcelée ou La Messe de la Croix-Jugan est un roman de Barbey d’Aurevilly, publié en feuilleton en 1852, puis édité en 1854.
    "L'Ensorcelée" est un roman publié en 1854 par Jules Barbey d'Aurevilly. Il est souvent considéré comme un chef-d'œuvre du romantisme noir, combinant des éléments de mysticisme, de superstition et de passions humaines. L'histoire se déroule en Normandie et s'inspire de légendes locales ainsi que de la culture traditionnelle de la région.
    "L'Ensorcelée" est une œuvre fascinante qui combine le romantisme noir avec une exploration profonde de la nature humaine et des forces mystiques. Barbey d'Aurevilly réussit à créer une ambiance envoûtante qui captive le lecteur et laisse une impression durable.
    L'intrigue suit un prêtre, l'abbé de la Croix-Jugan, qui est marqué par une vie tragique et mystérieuse. Il rencontre Jeanne Le Hardouey, la femme d'un fermier, qui semble être sous l'emprise d'une force surnaturelle. Le roman explore les thèmes de la foi, du doute, de l'amour interdit et des influences surnaturelles, créant une atmosphère sombre et envoûtante.
    Les Thèmes Principaux :
    Mysticisme et Superstition : Le roman est imprégné de mysticisme et de croyances superstitieuses, typiques de la Normandie du XIXe siècle. L'abbé de la Croix-Jugan est lui-même une figure mystérieuse, hantée par son passé et par des phénomènes qu'il ne peut expliquer.
    Passions Humaines : Les personnages sont profondément marqués par des passions intenses, souvent destructrices. Jeanne Le Hardouey est partagée entre son devoir conjugal et son attirance pour l'abbé, tandis que ce dernier lutte contre ses propres démons intérieurs.
    Le Bien et le Mal : Barbey d'Aurevilly explore la lutte entre les forces du bien et du mal, tant dans le monde spirituel que dans le cœur humain. Les personnages sont souvent confrontés à des dilemmes moraux et spirituels, ajoutant une profondeur psychologique à l'histoire.
    Style et Structure :
    Style Évocateur : Barbey d'Aurevilly utilise un langage riche et descriptif pour créer une atmosphère gothique et mystérieuse. Ses descriptions de la campagne normande et des événements surnaturels sont particulièrement marquantes.
    Narration Non Linéaire : Le roman est construit de manière non linéaire, avec des retours en arrière et des perspectives multiples, ce qui renforce l'impression de mystère et d'ambiguïté.
    Analyse des Personnages :
    Abbé de la Croix-Jugan : Un personnage complexe, marqué par des épreuves passées et une foi vacillante. Il est à la fois fasciné et horrifié par les événements surnaturels autour de Jeanne.
    Jeanne Le Hardouey : Représente la figure de la femme ensorcelée, tiraillée entre son rôle de mère et d'épouse et ses aspirations spirituelles et émotionnelles.

    Contexte Historique et Culturel

    "L'Ensorcelée" se déroule dans le contexte de la Normandie rurale du début du XIXe siècle, une période marquée par les superstitions et les croyances mystiques. Ce cadre contribue à l'atmosphère gothique et inquiétante du roman, où le folklore local joue un rôle crucial dans le développement de l'intrigue.
    Analyse Thématique
    1. La Superstition et le Surnaturel
    Barbey d'Aurevilly exploite les croyances populaires en Normandie pour tisser une histoire où le surnaturel et la superstition sont omniprésents. L'abbé de la Croix-Jugan et Jeanne Le Hardouey sont entourés d'un monde où les forces mystérieuses semblent à l'œuvre. Ce thème reflète les peurs irrationnelles et les croyances enracinées dans la culture paysanne.
    2. La Foi et le Doute
    L'abbé de la Croix-Jugan représente le conflit entre la foi religieuse et le doute spirituel. Son passé tragique et son excommunication symbolisent sa lutte intérieure. Il est à la fois fasciné et effrayé par les phénomènes qu'il ne peut comprendre, ce qui le pousse à questionner sa propre foi.
    3. Les Passions Humaines
    Jeanne Le Hardouey incarne les passions destructrices. Sa relation complexe avec l'abbé met en lumière le pouvoir des émotions humaines et leur capacité à perturber l'équilibre moral et spirituel. Leurs interactions sont empreintes de désir, de culpabilité et de rédemption.
    Structure et Style Littéraire
    1. Narration et Point de Vue
    Le roman utilise une narration omnisciente, permettant à Barbey d'Aurevilly d'explorer les pensées et les motivations de ses personnages en profondeur. Cette technique permet de créer une riche tapisserie de perceptions et d'émotions.
    2. Style Évocateur
    Le style de Barbey d'Aurevilly est caractérisé par une prose dense et descriptive. Il utilise des métaphores et des symboles pour renforcer les thèmes du roman. Par exemple, les descriptions des paysages normands sont souvent imprégnées d'une atmosphère sombre et menaçante, reflétant l'état intérieur des personnages.
    Personnages Clés et Leur Symbolisme
    Abbé de la Croix-Jugan
    Symbolisme : L'abbé représente le conflit entre le sacré et le profane, entre la foi et la tentation. Son excommunication et son retour en Normandie marquent son parcours spirituel et personnel.
    Développement : À travers ses interactions avec Jeanne, il évolue d'un homme tourmenté par son passé à quelqu'un cherchant la rédemption.
    Jeanne Le Hardouey
    Symbolisme : Jeanne est l'incarnation de la pureté corrompue par des forces extérieures. Elle symbolise la victime des superstitions et des passions incontrôlées.
    Développement : Son personnage montre la fragilité humaine face aux influences surnaturelles et émotionnelles.

    Analyse des Scènes Clés

    Rencontre entre Jeanne et l'abbé
    Cette scène est cruciale car elle établit la dynamique entre les deux personnages principaux. La tension palpable entre eux, mêlée à une attraction inexplicable, pose les bases de l'intrigue.
    La Séance de Prière
    La scène où l'abbé prie pour Jeanne est chargée d'émotion et de symbolisme. Elle illustre la lutte de l'abbé pour sauver son âme et la sienne, tout en mettant en lumière son propre doute spirituel.

    In Fine.

    "L'Ensorcelée" est une œuvre complexe qui combine le mysticisme, les superstitions et les passions humaines pour créer une histoire envoûtante. Barbey d'Aurevilly réussit à captiver le lecteur par son style évocateur et ses personnages profondément humains, tout en explorant des thèmes universels et intemporels.

    Notre exemplaire : L'ENSORCELÉE - J. Barbey D'Aurevilly - Jacques Camus - 1951 - Les Cent Bibliophiles

    auteur : J. BARBEY D'AUREVILLY
    titre : L'ensorcelée
    illustrations : lithographies de Jacques CAMUS
    éditeur : Les cent bibliophiles, 1951

    Un vol. au format in-4 de 188 pp. env.
    en feuilles, sous chemise titrée à rabats rempliés et étui-chemise de plein cartonnage greige , étui rouge, dos lisse, titre imprimé en noir. Tirage unique à 130 exemplaires numérotés seulement ; sur Arches.
    Exemplaire : n° 116 / 130
    Il est agrémenté, ici, en premier tirage de nombreuses lithographies originales in et hors-texte par Jacques Camus.
    Dédicace à Monsieur le Marquis A. de Custine.
    Mentions 'amoureuses' à l'encre rouge reportées en pleine page avec la signature de l'auteur.
    état : étui comportant qq. soucis aux 2 coins, facilement réparables, dos de la chemise et étui partiellement insolés, le reste et intérieur en parfait état, voire même en état exceptionnel, avec certaines serpentes encore bien présentes. TB++
    dimensions : 35 x 26 x 7 cm
    poids : 2800 gr

        enjoy :)
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  • Thursday 12 December 2024 - 12:41
    Montières
    Montières : une entrée méritée dans la cour des grandes faïenceries
    Les poteries de Montières, créées au début du 20ème siècle, sont célèbres pour leurs pièces uniques et artistiques. Aujourd'hui, ces poteries sont très recherchées par les collectionneurs et admirées pour leur style distinctif Art Nouveau et Art Déco.
    Leur héritage continue de briller à travers des expositions et des collections privées.

    Un Quartier Historiquement Lié à l’Art et à l’Industrie.

    Montières, situé à l’ouest d’Amiens, était autrefois un village indépendant avant de devenir un quartier industriel et résidentiel de la ville. Pendant une période relativement courte, de 1917 à 1933, Montières fut le berceau d’une production exceptionnelle de céramiques d’art, un chapitre fascinant de l’histoire artistique et industrielle de la région.

    Fondation de la Faïencerie Picarde

    En 1915, Messieurs Trouillot et Marque fondent une petite faïencerie dans ce quartier. Cependant, la mobilisation des deux fondateurs pendant la Première Guerre mondiale les pousse à céder leur entreprise à l’industriel amiénois Désiré Borck le 2 avril 1917.
    Ce dernier engage Jean Barol comme directeur artistique.
    Jean Barol, potier renommé formé par Clément Massier à Cannes, apporte son expertise à Montières. Accompagné de Jean Sicard, un autre artisan talentueux, il introduit des techniques innovantes, des modèles originaux, et des matières premières de grande qualité, notamment la terre rouge de Vallauris.

    Les Premiers Pas : Style Napoléon III

    Les premières créations de Montières reflètent un style décoratif influencé par le Napoléon III. Chaque pièce est marquée de la signature de la "Faïencerie Picarde" et produite avec un soin artisanal minutieux. L’argile rouge est associée à des motifs riches et élégants, ce qui distingue ces poteries sur le marché.

    L’Âge d’Or : Transition vers l’Art Nouveau et l’Art Déco

    En 1920, Jean Barol retourne à Cannes, et Maurice Dudicourt prend la direction artistique. La manufacture adopte alors l’esthétique de l’Art Nouveau, marquée par des formes organiques et des décors naturels. Plusieurs artistes de renom contribuent à cet essor, notamment Guy Dumesnil, Georges Tribout, et Guy Arnoux.
    En 1927, la SARL de la Céramique d’Art de Montières est créée.
    Le style Art Déco devient dominant, avec des lignes épurées et des motifs géométriques audacieux. Les émaux métallisés et les reflets iridescents sont caractéristiques des pièces produites pendant cette période, témoignant d’une maîtrise technique exceptionnelle.

    Les Techniques et Méthodes de Production

    La céramique de Montières se distingue par l’utilisation d’argile rouge provenant de Vallauris et de sables blancs locaux. Ces matières premières sont malaxées avec soin, puis transformées en barbotine pour la création de moules et de pièces au tour de potier.
    Une attention particulière est portée à chaque étape de la production. Les moules en plâtre sont réalisés sur place et permettent de produire des formes variées. Le travail au tour de potier, utilisant des techniques traditionnelles, confère une touche artisanale unique à chaque création.
    Les artistes appliquent ensuite des décors peints à la main ou des émaux spéciaux avant une cuisson entre 800 et 1 200°C.
    Cette cuisson contrôlée produit des effets spectaculaires de métallisation et de lumière, reconnaissables dans les pièces signées Montières. Certains décors, tels que les motifs cloisonnés ou les reflets irisés, sont le résultat d’un savoir-faire minutieux qui exige une parfaite maîtrise des températures et des réactions chimiques des émaux.

    Des Collaborations Artistiques Remarquables

    Montières a attiré plusieurs artistes de renom.
    Guy Dumesnil, dessinateur talentueux, a participé à l’élaboration de motifs novateurs. Georges Tribout, connu pour ses influences japonisantes, a également collaboré avec la manufacture. Guy Arnoux, célèbre illustrateur, a créé des modèles emblématiques, notamment des potiches décorées de motifs animaliers ou historiques.
    Leurs contributions ont permis à Montières de produire des pièces originales et audacieuses, mêlant tradition et modernité. De nombreuses œuvres portaient la signature "Géno", un pseudonyme artistique utilisé à partir de 1930.

    La Crise et le Déclin

    La crise économique de 1929 affecte gravement la manufacture. En raison de la concurrence étrangère et d’une baisse de la demande, la production diminue.
    En 1933, l’atelier est réduit à seulement trois employés avant de cesser définitivement son activité.
    Malgré cette fin prématurée, les créations de Montières restent très prisées par les collectionneurs.
    En 1937, lors de l’Exposition universelle, Pierre Motton, dernier gérant de l’atelier, remporte une médaille d’or pour une pièce représentant la céramique de Montières.
    Ce succès tardif souligne l’importance de cet artisanat dans l’histoire céramique française.

    Un Patrimoine à Réhabiliter

    Aujourd’hui, les poteries de Montières sont redécouvertes grâce à des collectionneurs passionnés et des restaurateurs spécialisés.
    Certaines pièces, comme des vases en céramique émaillée, ont été restaurées pour retrouver leur éclat originel. Les techniques utilisées, notamment pour recréer les dorures ou les émaux abîmés, témoignent d’une expertise unique.
    Des expositions, telles que celle de 1987 à Amiens, ont permis de faire connaître ce patrimoine oublié.
    Des projets sont en cours pour intégrer ces œuvres dans des musées, notamment celui d’Amiens en cours de rénovation. L’objectif est de rendre hommage à cette aventure artistique et industrielle et de la partager avec le grand public.

    Les Collectionneurs et la Cote Actuelle

    Les poteries de Montières connaissent un regain d’intérêt remarquable parmi les collectionneurs contemporains.
    Ces pièces uniques, souvent signées et chargées d’histoire, sont devenues très recherchées sur le marché de l’art. Elles apparaissent de plus en plus fréquemment dans les salles des ventes, où leur cote est en pleine expansion.
    Des collectionneurs privés ainsi que des institutions rivalisent pour acquérir ces trésors du patrimoine céramique français.
    Cette demande croissante reflète non seulement l’appréciation esthétique de ces œuvres, mais aussi leur rareté et leur valeur historique. Les vases, potiches et autres créations de Montières trouvent ainsi une nouvelle vie dans les collections privées et les galeries, contribuant à la préservation et à la reconnaissance de cet héritage exceptionnel.

    Un exemple par l'image: une petite coupelle signée ' Montières '.

    Petit vide-poche en céramique irisée de forme mouvementée, à décor de fougères, signé " Montières " dans le décor.
    Très bel exemple que cette petite pièce qui nous montre un éventail des couleurs métalliques et irisées que ces procédés de cuisson pouvaient donner comme rendu.
    Des couleurs, pour celui-ci qui vont du jaune, vert aux multiples reflets brunâtres aux " chocolat " des fougères. Une partie du rebord est faite en creux pour surligner la forme des feuilles.
    On distingue également les ( presque ) inévitables toutes petites bulles de cuisson éparses dans la matière, matière qui, bien observée, montre également un léger mode " craquelé " du plus bel effet.
    dimensions : 15,5 x 11 x 2,5 cm
    poids : 155 gr
    à noter : une belle signature " Montières " apposée sur la face supérieure de la réalisation et non sur le talon…

    Et, pour terminer ...

    Les poteries de Montières représentent bien plus qu’une production céramique. Elles incarnent une époque de création et d’innovation artistique unique. Leurs styles variés, leur qualité technique, et leur histoire méritent une reconnaissance accrue, non seulement comme un trésor local, mais aussi comme un chapitre important de l’histoire de la céramique française.
    En redécouvrant ce patrimoine, nous honorons une tradition qui mêle art, artisanat et industrie, et qui illustre le génie créatif d’une région en quête d’excellence ...
    Prenez maintenant le temps de voir tous les détails avec les photos mises ci-dessous ...
        enjoy  :)

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  • Tuesday 10 December 2024 - 17:16
    mouchette
    mouchette : petit objet en laiton à usage domestique permettant d'éteindre facilement les bougies.
    Si le terme " mouchette " peut avoir plusieurs significations, nous allons ici découvrir un petit objet qui a servi, aux siècles passés, dans de très nombreux intérieurs à ... éteindre la lumière, en coupant les mèches de bougies ...

    Qu'est-ce qu'une mouchette ?

    Une " mouchette en laiton " désigne généralement un petit outil conçu pour éteindre les bougies.
    Traditionnellement, les mouchettes étaient munies de lames semblables à des ciseaux et étaient dotées d'une petite coupelle ou réceptacle pour recueillir la mèche carbonisée lorsqu'elle est coupée.
    Cela permettait d'éteindre proprement une bougie sans trop produire de fumée excessive ni de débris.

    Comment étaient fabriquées les mouchettes aux siècles précédents ?

    Fer, bronze ont été utilisés occasionnellement, mais en grande majorité, les mouchettes d'intérieur ou d'église étaient fabriquée en laiton.
    Le laiton est un alliage de cuivre et de zinc, est souvent utilisé pour fabriquer des mouchettes en raison de sa durabilité, de son esthétique (aspect doré), et de sa résistance à la corrosion.
    La mouchette en laiton peut être ornée ou simple, souvent en accord avec les styles décoratifs anciens ou classiques. On peut en trouver de style et de tailles différents selon l'usage ou l'utilisation qui en sera faite.
    C'était donc un objet courant à l'époque où l'éclairage domestique dépendait des bougies, que l'on retrouvait partout où il pouvait y avoir des bougies, principalement dans les intérieurs; pour les plus grandes pièces ou bâtiments l'on utilisait alors plutôt des " éteignoirs ", plus adaptés aux lieux.
    Aujourd'hui, il est souvent vu comme un accessoire décoratif, un objet de collection également ou un utilitaire pour les amateurs de bougies.
    Certaines mouchettes en laiton spécifique, peuvent également être des objets d'antiquité ou des reproduction inspirées des modèles du XVIIIᵉ ou XIXᵉ siècle, voire même des pièces originales et authentiques !!!

    La Mouchette trouvée en belle brocante.

    Voici le modèle découvert en chinant et qui représente bien tout ce que nous venons de décrire.
    En forme générale de ciseaux, en bon laiton épais et doré, elle comporte les lames et le compartiment parallélépipédique pour recueillir mèche coupée et suif fondu. Elle a aussi deux petits 'pieds' pour pouvoir la poser à plat, ainsi qu'un trou dans le haut de la lame pour l'accrocher.
    Présentée ici " dans son jus ", après juste un nettoyage de surface, elle donne une apparence ancienne, vintage, qui en fait un bel objet de décoration, de curiosité aussi ...
    dimensions : 14 x 5 x 2,5 cm
    poids : 80 grammes
    époque présumée : vers 1900
        enjoy  :)
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  • Monday 09 December 2024 - 18:32
    Saint-Antoine
    Saint-Antoine : une re-découverte, pour notre plus grand plaisir
    Une petite beauté que cette statuette sculptée dans une pierre calcaire fort tendre, qui va surtout, en plus, nous permettre de mieux connaître le personnage de Saint Antoine, dit également Saint Antoine Galamus ce qui va donc nous faire voyager dans les objets votifs ainsi que jusque dans Les Gorges de Galamus du pays, dans les Pyrénées Orientales...

    L'Histoire de Saint Antoine Ermite ou Saint Antoine Galamus ou encore Saint Antoine de Tau.

    Richement vêtu, il porte la longue barbe des ermites et une corde à nœuds lui sert de ceinture.
    Les trois nœuds symboliques rappellent les vœux de pauvreté, de chasteté et d’obéissance.
    Dans sa main gauche, il tient un livre fermé contenant sans doute les Saintes-Ecritures. De la main droite, il tient un bâton se terminant par un T (Tau) et une clochette.
    Ce sont les attributs classiques de Saint Antoine de Tau.
    Un cochon est accroupi à ses pieds : au Moyen Âge, l'Ordre hospitalier de Saint-Antoine avait le droit de laisser ses porcs errer dans les rues avec une clochette, ce qui valut au saint d'avoir pour attribut un porc et une clochette.
    Nommé également " De Padoue ", Saint Antoine portait une ceinture en corde avec trois nœuds pour symboliser les trois vœux de pauvreté, de chasteté et d'obéissance.
    Ces vœux sont typiques des ordres religieux mendiants, comme les Franciscains, à qui il appartenait.
    Bien qu'étant une 'personnalité' différente de Saint-Antoine Galamus, ces deux personnages sont souvent confondus, surtout dans leurs représentations ...
    La ceinture avec les trois nœuds était un rappel constant de ses engagements envers ces vœux, et elle servait également de signe de dévotion et de discipline personnelle.

    L'Histoire de Saint-Antoine Ermite.

    Saint Antoine naquit en Égypte à Qeman (Fayyoum), près d’Heracléopolis, vers le milieu du IIIe siècle.
    Sa famille était aisée, et lorsque ses parents moururent alors qu'il avait 18 ans, il hérita de leur fortune. Un jour, alors qu’il se trouvait à l’église, il entendit les mots: " si tu veux être parfait, va et vends tout ce que tu possèdes ".
    Pensant que ces paroles lui étaient destinées, il se débarrassa de tous ses biens terrestres et entra en religion.
    Il commença alors par mener une vie d’ascète en observant les vies d’autres ascètes et il affina sa philosophie.
    Il prit ensuite résidence dans une tombe où, dit‑on, il dut se battre pratiquement à mort contre des démons et des bêtes sauvages. Ces épisodes sont restés célèbres au travers des artistes  qui peignirent les innombrables toiles sur les tentations de Saint Antoine.
    Après environ 15 ans de cette vie, à l’âge de 35 ans, il se retira alors dans un fort abandonné près de Der el Memum, où il vécut dans un isolement complet pendant 25 ans.
    Pendant ce temps, il ne porta le regard sur aucun autre être humain. On lui jetait même de la nourriture par‑dessus les murs.
    A mesure que les années passaient, des pèlerins vinrent rendre visite à cet étrange reclus et, au fil du temps, une petite colonie d’adeptes se constitua non loin de là…
    Bien qu’il ne vît jamais ses visiteurs, il céda cependant à leur prière de devenir leur guide spirituel, et vers 305 il abandonna sa retraite.
    Sa réputation et le nombre de ses adeptes augmenta et un monastère fut fondé dans le voisinage. On dit souvent qu’il a été le fondateur du monachisme chrétien.
    Après avoir passé quelque temps à prêcher ses nouvelles ouailles, il retourna à une vie de réclusion et trouva une grotte près de la Mer Rouge, dont il fit sa demeure et où il resta 45 ans.
    Saint Antoine dit le Grand ou Antoine d'Égypte ou Saint Antoine Galamus aurait donc vécu de l'an 251 à 356 …
    Il mourut à l'âge de 105 ans entre les bras de ses deux disciples Macaire et Amathas, le 17 Janvier 356.

    Une belle Statuette de Saint Antoine Galamus.

    C'est donc notre ' objet du jour ' que nous vous présentons ici …
    Cette belle représentation votive, pesant 1,5 kg environ, mesurant 30 cm de hauteur, a été réalisée dans une pierre calcaire très tendre et friable, comme beaucoup d'autres du même genre que l'on peut rencontrer dans certains chemins de croix, certaines chapelles nominatives ou autres oratoires.
    On y voit nettement la tenue vestimentaire de l'Ermite, ornée pour l'occasion des différents attributs qui lui ont été octroyés tels sa longue barbe, le livre des saintes-écritures, la corde à trois nœuds, le bâton, sans oublier le cochon à ses pieds, cochon parfois volontairement transformé en sanglier. On ne peut pas ne pas le reconnaître !!!
    Sur le socle est inscrite, gravée dans la pierre tendre, la mention " St. Antoine Galamus ".
    Un fort bel objet qui retrouvera facilement une place bien adaptée chez un collectionneur qui saura le mettre en valeur ...© Ma Petite Brocante en Ligne - duplication interdite
  • Friday 08 November 2024 - 16:59
    Vierge d'Accouchée
    Vierge d'Accouchée : une ancienne tradition religieuse qui perdure de nos jours
     Dans la tradition chrétienne, la thématique de la "Vierge d'accouchée" explore la représentation de la Vierge Marie dans le moment intime et sacré de l’accouchement ou encore de la naissance. Ce sujet rare et délicat, surtout dans l'art chrétien, met en lumière la maternité de Marie et son humanité, tout en soulignant son caractère divin.
    Ces œuvres cherchent à montrer le mystère de l’Incarnation, offrant une vision douce et profondément humaine de la naissance du Christ.

    Les origines de la " Vierge d'Accouchée ".

    La "vierge d'accouchée" ou "Notre-Dame d'accouchée" est une statue ou une image représentant la Vierge Marie en lien avec la période de l'accouchement et de la maternité.
    Elle est souvent représentée tenant l'Enfant Jésus, tout contre elle ou en position d'accouchement, et elle symbolise la protection divine pour les femmes enceintes et les nouveau-nés.
    Ces représentations ont leurs racines dans la dévotion médiévale, où la Vierge Marie était invoquée pour obtenir une aide divine lors de l'accouchement.
    Parfois même, La Vierge peut être représentée seule ou en compagnie d'anges, tenant des objets symboliques comme une rose (symbole de pureté) ou une étoile (symbole de guidance).
    Les statues, ou plutôt " statuettes " peuvent être réalisées en bois, en céramique, en pierre ou en métal.
    Les images peuvent être peintes sur des toiles, des fresques ou des vitraux.
    La position de Marie peut varier, mais elle est souvent montrée debout ou assise, dans une attitude de tendresse et de protection.
    Les Vierges d'accouchée ont joué un rôle important dans les pratiques religieuses et culturelles, offrant réconfort et espoir aux femmes en période de grossesse et d'accouchement.
    Elles sont encore vénérées dans certaines traditions catholiques aujourd'hui.

    Les statuettes de Vierge d'Accouchée réalisées en céramique ?

    Les statuettes de la Vierge d'Accouchée sont des objets religieux populaires, surtout dans les foyers ruraux du XVIIIᵉ et XIXᵉ siècles. Elles représentent la Vierge Marie couronnée, portant l'enfant Jésus dans ses bras, et sont souvent en faïence ou céramique.
    Ces statuettes étaient couramment utilisées lors des accouchements. Une bougie était placée dans la couronne de la Vierge, allumée au début des contractions de la future maman, et brûlait jusqu'à la fin de l'accouchement1.
    Les membres de la famille priaient pour que l'accouchement se déroule bien.
    Potiers et Manufactures.
    Les Vierges d'Accouchée étaient souvent vendues par des colporteurs et des marchands ambulants. Certaines régions, comme le Coglais, étaient connues pour la fabrication de ces statuettes1. Les potiers locaux et les manufactures de faïence étaient les principaux artisans de ces objets.
    Il existe de nombreux collectionneurs passionnés de Vierges d'Accouchée, souvent appelés "collectionneurs d'art religieux" ou "collectionneurs de faïence".
    Ces objets sont recherchés pour leur valeur historique et artistique qui est souvent élevée, selon l'époque, l'ancienneté, la fabrication.

    Où en Trouver, où en voir ?

    Vous pouvez trouver ces statuettes dans des brocantes, des marchés aux puces, des magasins d'antiquités, ou en ligne sur des sites spécialisés dans l'art religieux et la faïence ancienne.
    Nous allons ici vous en présenter deux modèles, fort simples, mais fort beaux …
    1 - Statue représentant Sainte-Marie à l'enfant Jésus en faïence polychrome.
    Réalisation que l'on peut facilement attribuer à la manufacture de Quimper, vers le milieu du XIXème siècle ( circa : 1860 )
    Un modèle ancien qui comporte quelques manques d'émail ainsi que quelques défauts de cuisson caractéristiques de certains artisans potiers de l'époque.
    dimensions : 25 x 10 x 8 cm
    poids : 700 gr
    ** FORT BEL OBJET **
    2 - "Vierge à l'enfant" couronnée en faïence polychrome, marquée AVMa.
    Plus probablement cette fois d'origine Rennoise, proche de Quimper, mais d'poque encore plus ancienne. ( milieu du XVIIIème et circa : 1780 )
    Cette Statuette en faïence de Rennes polychrome représente la Vierge Marie tenant l'Enfant Jésus sur son bras gauche, marquée AVMa pour Avé Maria.
    Celle-ci est " couronnée " (couronne creuse) et comportait donc l'emplacement pour y placer une bougie, tout en étant accrochée au mur. (trou visible dans le dos)
    Pas de fêles ou chocs importants, mais quelques légers accrocs ou infimes manques dus à l'âge et à l'usage.
    dimensions : 24 x 7 x 8 cm
    poids : 400 gr
    ** BEL OBJET ANCIEN ET DE QUALITÉ **
       découvrez les photos et enjoy :)
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