Basée à Nottingham, Nupur Dasgupta a grandi en regardant « La Petite Sirène ». Un film qui lui inspire aujourd’hui une œuvre à l’aspect surréaliste, représentant un lac où apparaît une sirène, entouré d’un bois coloré. Ce dernier est composé de mousse végétale, ce qui explique l’état du vert qui le compose. La partie aquatique a, quant à elle, nécessité de la résine. Au quotidien, Nupur réalise de nombreuses œuvres en mousse. Elles n’ont pas besoin d’être ni arrosées, ni exposées au soleil, ni enrichie en engrais et durent dans le temps.

Pour découvrir toutes ses créations, rendez-vous sur son site internet.

Vous allez avoir besoin d’un microscope mais cette fois-ci, il n’est pas question de science. Non. Ici, il est question d’art et plus particulièrement de celui de l’artiste Marie Cohydon. L’artiste réalise des œuvres en graphite, en utilisant cet objet originellement scientifique. Et la raison est toute simple : les œuvres mesurent entre 1 et 3 mm. « Les détails sont imperceptibles à l’œil nu, il vous faudra une loupe X5 ou une loupe de bijoutier x8 à x10 pour les apprécier », explique-t-elle. Pour Marie, le graphite, qu’elle travaille avec minutie, est un matériau « magnifique et qui brille de mille feux lorsqu’il est poli ». Les outils qu’elle utilise pour réaliser ses pièces ont été auto-conçus, rendant l’opération encore plus impressionnante.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur son site internet.

Basé en Mécédoine, en Grèce, Olivier Marinkoski est un artiste digital qui a créé une série originale et majestueuse. « Je me suis demandé ce que cela donnerait si les anciens dieux slaves étaient représentés dans des sculptures de style romain. J’ai donc créé ces modèles 3D, puis j’ai ajouté quelques attributs modernes à leurs capacités surnaturelles (le dieu et la déesse du tonnerre ont reçu un boomstick). J’ai ensuite continué à créer leurs homologues romains et helléniques, et les anciens dieux égyptiens étaient les suivants ! », explique-t-il. Pour lui, la meilleure façon d’avoir de bonnes idées est de s’abstenir de toute forme d’expressions visuelle pendant un certain temps, puis de regarder de grandes œuvres d’art.

Le Dance Theatre of Harlem est une compagnie et une école de ballet professionnelle américaine basée à Harlem, à New York City. Elle a été fondée en 1969, à l’apogée du mouvement des droits civiques, par Arthur Mitchell et Karel Shook. Pour Dajssi DaCosta Johnosn, « leur vision reste l’une des plus démocratiques de la danse ». Les auteurs Judy Tyrus et Paul Novosel ont réalisé un ouvrage, « Dance Theater ot Harlem : A History, A movement, A Celebration ». Ce dernier retrace l’histoire de la compagnie depuis ses débuts dans le sous-sol d’une église de Harlem jusqu’à son ascension fulgurante vers la gloire internationale. « […] le Dance Theatre of Harlem a enflammé le monde avec une déclaration simple et toujours révolutionnaire : Tout le monde peut faire du ballet. Au XXIe siècle, alors que le monde et le pays poursuivent leurs luttes et leurs triomphes historiques, l’histoire de ce refuge pour les danseurs de toutes les couleurs et de toutes les origines résonne plus que jamais. Voici, pour la première fois, le portrait définitif de cette compagnie de danse communautaire unique en son genre qui a reflété et façonné notre époque, et dont le principe durable continue d’inspirer l’avenir ». Cet ouvrage regorge de superbes photographies, dont plusieurs de Marbeth. Un ouvrage indispensable pour tout amateur de danse, d’art, de culture ou d’histoire.

Pour découvrir le livre, c’est par ici. Pour en savoir plus sur la compagnie, c’est par là.

The young company c. 1969 ©Marbeth

The Company men in Robert North’s “Troy Game” (photo : Martha Swope, ©NYPL)

Diana Adams and Arthur Mitchell in Balanchine’s Agon, 1957 (Photo: Martha Swope, ©NYPL)

L’artiste italienne Giulia Bernardelli aime le café et au lieu de se contenter de le boire, elle l’utilise également comme un moyen de créer de l’art. « Mon avenir commence quand je me réveille chaque matin. Chaque jour, je trouve quelque chose de créatif à faire de ma vie », ecrit-elle dans sa bio Instagram. En effet, la boisson chaude a un fort potentiel créatif et c’est renversé qu’elle l’utilise comme de l’aquarelle. Ses œuvres sont très détaillées et leur création a commencé par hasard, un jour où l’artiste a malencontreusement renversé du café sur sa toile. Au lieu de l’éponger, elle a pris sa petite cuillère et l’a utilisé comme un pinceau afin de disposer de façon harmonieuse et figurative le liquide dans l’espace.

Pour en découvrir plus, rendez-vous sur son compte Instagram.

Cette année, une nouvelle compétition photographique a vu le jour : les Natural Landscape Photography Awards. Cet évènement vise à promouvoir les plus beaux clichés de paysages, pris par des photographes qui réalisent un travail authentique et réaliste. D’ailleurs, cela se ressent dès l’étape d’inscription au concours. En effet, Tous les participants doivent également fournir la version brute de leurs photos, afin que les jugent puisse s’assurer que les règles concernant les retouches n’étaient pas enfreintes. « Nous sommes conscients qu’il n’y a rien à gagner à interdire tous les aspects du traitement de l’image, qui est après tout une partie intégrante de notre art. Nous autoriserons toutes les techniques qui respectent l’intégrité visuelle de l’image et du sujet. » L’objectif ? Offrir un résultat qui retranscrit en image ce que le spectateur aurait pu voir lui-même. Plus de 1300 personnes en provenance de 47 pays ont participés.

Pour en découvrir plus, rendez-vous sur le site internet du concours.

©Eric Bennet

©Paul Hammett

©Steve Alterman

©Franka Gabler

©Doug Koepsel

©David Swindler

©James Lane

Les œuvres à grande échelle de Courtney Mattison sont à la fois belles à regarder, mais aussi utiles. Inspirées par la beauté fragile des récifs coralliens et par les menaces d’origine humaines auxquelles ils sont confrontés, ces créations sont un véritable outil de sensibilisation à la protection de notre environnement. En tant qu’artiste engagée, elle a été chargée de créer des œuvres pour des collections permanentes, notamment celles de l’Office of Art in Embassies, du département d’État américain, du navire Endurance de National Geographic Expeditions et de mécènes privés. Dans la plus récentes des œuvres de sa série « Our Changing Seas », qu’on peut observer derrière la réception du Seabord Resort à Oceanside, Californie, se trouvent pas moins de trois cent cinquante coraux, éponges et anémones en céramique, fabriqués individuellement à la main. « Ce relief mural sculptural célèbre l’immense biodiversité des récifs coralliens tout en évoquant le spectre du changement climatique. Les tentacules de porcelaine et les corps fragiles des coraux vivants partagent une fragilité qui les rend vulnérables à l’impact humain. Les tons vibrants et les textures des récifs sains sont juxtaposés à des glaçures blanches qui soulignent le contraste saisissant du blanchiment des coraux », explique l’artiste.

Pour en découvrir plus sur l’artiste, rendez-vous sur son site internet.

Elisa Parron est une photographe née à Lausanne en Suisse. Après un bref passage dans une école d’art, elle décide de s’installer à Paris pour suivre les artistes de rap français mais également les joueurs du club de foot du Paris Saint Germain avec qui elle avait commencé à travailler depuis la Suisse. Son travail plait et sa détermination aussi, c’est comme cela qu’elle commence de multiples collaborations qui donneront naissance à des clichés mythiques avec notamment Les Casseurs Flowters (Orelsan et Gringe),
sans oublier Nekfeu, Booba, MHD, Rilès et bien d’autres…

Aujourd’hui après 9 ans de séances photo, de tournées, de concerts et de matchs de football, elle sort son premier livre photographique « NUMÉRO 10 ». Dans ce livre, elle y partage ses meilleurs clichés (depuis 2012) et s’amuse à mettre en parallèle ces deux univers particulièrement liés. Le livre s’ouvre dans les deux sens; un côté consacré au PSG, de l’autre au RAP et c’est en
son centre que les deux univers se rejoignent et se font face.

Suivez la photographe via son Instagram, et retrouvez le livre Numéro 10 sur son site. 

Serge Najjar est né à Beyrouth et y exerce la profession d’avocat. Pendant son temps libre, il aime photographier sa ville natale, en se concentrant sur « ce qui a apporté de l’ordre à la Beyrouth chaotique et ce qui rapproche l’ordinaire de l’art ». Jouant avec l’ombre et la lumière – souvent avec une personne seule se déplaçant dans chaque cadre – ses incroyables images géométriques et minimalistes sont ensuite partagées sur Instagram où il compte plus de 100k followers.

Son travail examine l’interrelation entre la peinture et la photographie modernes et contemporaines. Serge Najjar avance tel un orfèvre des villes en montrant leur charme géométrique. Il pose son regard de photographe sur les matériaux et leur corrélation avec l’histoire de l’art moderne. Son approche est peut-être instinctive, mais ses vues nous permettent de reconsidérer notre environnement contemporain à l’échelle humaine. Cette présence discrète rend les structures presque utopiques, parfois irréelles, métaphysiques. En 2021, il a publié son premier livre, « BEIRUT », aux éditions KAHL.

Depuis les années 1950, lorsqu’un designer à l’esprit vif a retiré les pieds d’une table LOVET pour la faire entrer dans sa voiture, IKEA est devenu l’une des marques les plus populaires au monde. En se faisant l’un des champions du design moderne et de la fonctionnalité innovante, le tout à un prix abordable, IKEA a été couronné « plus grand détaillant de meubles au monde », avec des centaines de magasins aux quatre coins du globe.

Pour mettre en lumière leur catalogue iconique, HouseholdQuotes a retracé l’évolution de l’aménagement du salon à travers le prisme de la marque, en tirant parti de leur musée de catalogues vintage. En remontant jusqu’aux années 1950, l’équipe de HouseholdQuotes a produit des rendus réalistes pour chaque époque, mettant en valeur les meubles les plus emblématiques de chaque décennie.

Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site internet de Householdquotes.