Depuis toujours, de nombreux artistes viennent chercher l’inspiration au sein des cafés. Dans ces lieux hors du temps, les esprits se rencontrent pour créer, imaginer et débattre.

Meeting Creatives in French Cafés with Adobe

Adobe France a collaboré avec Luiza Laffitte, Lulu La Nantaise, Florimond Mochel, Caroline Attia et Matthieu Verlaine, 5 artistes illustrateurs qui nous ont partagé leurs inspirations et dévoilé leurs créations imaginées et créées avec Photoshop. Nous avons eu la chance (Fubiz) de les rencontrer afin d’en savoir plus sur leur univers artistique et leur rapport avec les produits et les outils Adobe Photoshop.

Lulu la Nantaise, une illustratrice fan de rock et amoureuse d’humour noir. Fascinée par les aplats de couleurs, les typos et l’accumulation, elle puise son inspiration dans son quotidien et ses voyages.

Quel est votre rapport et le lien de création avec les produits et les outils Adobe Photoshop historiquement dans votre travail ? Une anecdote à partager ?
Les produits Adobe ont toujours fait partie de ma vie ! Mon père était photographe et utilisait déjà Photoshop dans les années 90 pour la retouche photo. J’ai commencé comme ça, avec lui. J’ai ensuite fait une école de design ou j’ai appris à utiliser les autres produits Adobe. Je ne l’utilise plus de la même façon qu’il y a 20 ans, mais « la suite » continue de m’accompagner au quotidien. Et aujourd’hui c’est moi qui partage mes astuces avec mon père !

Florimond Mochel est un “original créatif”, illustrateur et directeur artistique, il est passionné de l’image et aime mettre de la couleur dans le quotidien de tous.

Pouvez-vous nous préciser le contexte et le défi dans votre création pour « Les Cafés Français par Adobe Photoshop » ?

J’ai apprécié avoir été choisi par Adobe pour ce projet parce que j’ai moi-même participé avec une petite équipe à la création d’un café branché en ville à Strasbourg. L’essence même de la création de café était le « social ». Créer du lien avec les gens du quartier. Proposer de venir comme l’on est et d’apprendre à se connaître à travers des activités. On a eu l’idée de créer un lieu de rencontres tourné vers les relations, les ateliers, un lieu de vie finalement. Il y a eu des brunchs, des ateliers de langues, des soirées concerts, des ateliers créatifs, des cours de musique, d’atelier d’impro…

Quand je pense à Café Français je pense à Amélie Poulain. Je trouve que c’est une bonne image du café français. Un lieu de vie ou les gens se connaissent bien, avec les petits défauts de chacun où chacun vient avec sa propre histoire pour en créer un autre ensemble.
En soit, je ne dessine jamais dans les cafés. Soyons honnête c’est compliqué avec tout le matériel informatique. J’ai un grand écran, une tablette… dur de venir bosser ici. Aussi j’ai besoin d’un endroit très calme. Même dans mon coworking j’ai mon casque antibruit et je n’ai parfois pas de musique ni rien. Je suis dans ma bulle.
Mais j’aime m’évader dans des cafés. Et je crois que tout est source d’inspirations. Même ce genre de moment volé dans le quotidien. Mon inspiration vient des relations. C’est pour ce côté humain que j’ai illustré essentiellement des personnages.

Matthieu Verlaine, artiste lettreur parisien, Matthieu a démarré comme DA dans la pub avant de se concentrer sur sa passion des belles lettres.

En quoi votre univers a-t-il évolué depuis les débuts et comment les outils vous ont-ils permis de vous exprimer ?

J’essaye de toujours renouveler et faire évoluer mon univers et ma technique. Chaque nouveau projet me permet de tester quelque chose de différent et de varier les styles. J’aime passer du tout au tout : du digital au peint à la main; du pop et coloré au sobre et raffiné; du traditionnel au moderne et expérimental.
Au début de ma carrière je travaillais mes lettrages exclusivement à la main sur papier avant de les numériser. L’arrivée d’outils comme l’Ipad et les différents logiciels de dessin m’ont permis de gagner en efficacité sur toute la phase d’esquisse tout en gardant de l’énergie et de la spontanéité dans le trait.

Luiza Laffitte, illustratrice d’origine brésilienne et nantaise d’adoption, a façonné avec le temps un style onirique, qui laisse libre cours à son imagination.

En quoi votre univers a-t-il évolué depuis les débuts et comment les outils vous ont-ils permis de vous exprimer ?

Expliquer l’évolution de son style est aussi expliquer son évolution personnelle. Je crois fortement que l’un n’existe pas sans l’autre. Mon style n’a jamais pu prendre forme avant que je comprenne qui je suis et ce que j’aime.
C’est grâce au congé maternité que j’ai pris pour mon deuxième enfant que j’ai pu m’investir sur plusieurs projets personnels. Pendant cette période, j’ai découvert un nouveau public, beaucoup moins dur et moins exigeant que le précédent: mes enfants. J’ai dessiné pour eux ce que j’aime faire. Au fur et à mesure, mon style a commencé à apparaître. Mais tout n’était pas si fluide et naturel que ça. J’ai suivi plusieurs cours en ligne, j’ai analysé tout ce que j’aimais chez les autres, et j’ai intégré toute cette connaissance dans ce que je fais aujourd’hui. Pendant toute cette période de recherche de style et de développement personnel, Photoshop était mon outil de travail. Il m’a permis de faire des croquis, de créer des mood boards, de décalquer des images et, forcément, de créer l’ensemble de mes illustrations.

Caroline Attia, talentueuse et touche à tout, elle navigue d’une application Creative Cloud à l’autre pour exprimer ses idées. Caroline aime les personnages hauts en couleur et les belles histoires.

Quelle est votre actualité créative pour la rentrée 2022/2023 ?

Je démarre la réalisation d’un chapitre d’un long métrage d’animation Omnibus « Le Noel des animaux » avec 5 autres réalisatrices pour les Valseurs. Sortie prévue au cinéma à Noël 2024. Et mon dernier court-métrage « Au pays de l’Aurore Boréale » produit par Folimage sort au cinéma en Novembre en accompagnement du film Opération Père-Noel. Je travaille également au développement d’un spécial de 26 mn que nous allons pitcher avec Sacrebleu production devant les diffuseurs en septembre. Donc grosse rentrée pour l’animation ! Du côté de l’illustration, j’ai déjà les tomes 9 et 10 de la série les petits Toltèques dont j’ai illustré les 8 premiers.
Pour découvrir les tips des artistes sur leur utilisation de Photoshop, notamment à travers des vidéos créatives et ludiques, cliquez ici.

Prada révèle son nouveau parfum féminin signature, Paradoxe. Ce parfum encapsulé dans un flacon rechargeable à la forme triangulaire emblématique Prada, incarne toutes les facettes paradoxales du parfum et de la personne qui le porte. Paradoxe exprime l’essence même de la féminité sous toutes ses formes. Intriguant et révélateur, il nous offre un regard neuf sur le mystère de la féminité.

THE NEW FRAGRANCE FOR ENIGMATIC & AUDACIOUS WOMEN

Cette idée de paradoxe reflète la complexité de l’être et la libération associée au caractère indéfinissable de la femme. Paradoxe revisite des notes et ingrédients iconiques, sélectionnés pour nous permettre de découvrir de nouvelles expériences sensorielles et ainsi proposer une signature immédiatement reconnaissable d’une femme impossible à définir. Imaginé sous la direction artistique de Miuccia Prada et Raf Simons, le parfum a été élaboré par les maîtres parfumeurs Givaudan : Nadège Le Garlantezec, Shyamala Maisondieu et Antoine Maisondieu dans le but de réconcilier l’intemporalité et l’avant-garde, la nature et l’innovation.

Paradoxe redéfinit une sensualité féminine intense à travers un bouquet de fleurs blanches aux notes dominantes de Néroli et de Jasmin, rehaussé par la signature avant-gardiste de l’AmbrofixTM et de la SerenolideTM.

Dans une démarche créative qui favorise un changement écologique positif, Prada a veillé à ce que les programmes de recharge Paradoxe et les pratiques éco-responsables soient visibles en point de vente.
Le flacon et l’étui du parfum sont entièrement recyclables et ont été conçus pour limiter le poids et l’utilisation du verre. Paradoxe se construit autour de trois ingrédients cultivés de manière durable.
Dès aujourd’hui et en exclusivité à Paris, Prada a positionné des distributeurs à l’effigie du nouveau parfum signature, proche de vos magasins Sephora. Ils vous permettront de découvrir un échantillon contenant une cartelette vous invitant à vous rendre dans votre Sephora le plus proche. Grâce à cette cartelette, tentez de remporter un appareil photo Polaroïd rose contenu dans une boîte Prada Paradoxe pour y ranger vos clichés. Un joli bracelet Prada vous sera offert même si vous ne parvenez pas à obtenir le numéro gagnant. Rendez-vous près des plus grands magasins Sephora, foncez !

Le 23 et 24 août, Saint-Germain
Le 25 et 26 août, Opéra
Le 27 et 28 août, Rivoli
Le 30 et 31 août, Beaugrenelle
Le 1er et 2 septembre, St-Lazare-Haussmann Le 3 et 4 septembre, Les Halles

Sur le parvis de la Défense, une structure pour le moins originale a vu le jour. Originale puisqu’elle dénote de l’architecture environnante. Ce pavillon éphémère en bois a été inspiré des malocas amérindiennes. Imaginé par Simon Velelez, il accueille l’exposition Aqua Mater, du photographe franco-brésilien Sebastião Salgado. « Véritable ode à la fragilité de l’eau, le pavillon en Guadua d’Amazonie offre un écrin naturel singulier aux photographies de Sebastião Salgado nous rappelant combien l’équilibre de la nature reste subtil », indiquent les organisateurs de l’événement. En plus des clichés du photographe, Aqua Mater offre une expérience « sensorielle et spirituelle ». Au programme : lumières tamisées, ambiance musicale et sonore de François Bernard Mâche et brume tropicale.

Pour en savoir plus, c’est par ici.

« J’ai toujours su que je serai artiste, sans aucune prétention, juste que c’est ce que je sais faire de mieux », déclare Dothy. Celle qui dessine depuis toujours partout et tout le temps, n’a jamais eu de doute sur son parcours de vie. Et cette intuition a été la bonne puisqu’aujourd’hui, elle est à la tête de Mersea People qu’elle a créé en 2015 après avoir travaillé plusieurs années dans la Surf Industrie en tant que graphiste textile. Une marque poétique au travers de laquelle elle propose des objets, vêtements, bijoux… tant de produits uniques qui sont de véritables œuvres d’art à part entière. « C’est souvent ce que les gens me disent quand ils s’offrent un Médaillons en Porcelaine : « J’ai l’impression de porter un Tableau ». C’est ma manière à moi de populariser l’Art, de le rendre accessible, de le voir porter par tous », nous explique-t-elle. Pourquoi Mersea People ? Et bien tout simplement par gratitude envers la Mer, qui nourrit l’inspiration, le cœur et l’âme de l’artiste, mais aussi envers les « people », qui la porte si haut. « Une simple envie de crier merci ! », ajoute-t-elle. Basée à sur la Presqu’île de Quiberon, où elle a grandi, enfant de l’Ocean et issue d’une famille de marin, elle veut avant tout continuer d’évoluer en tant qu’artiste et travailler de plus en plus sur la qualité de ses produits.

Pour en découvrir plus sur Dothy et son travail, rendez-vous sur son site internet ou son Instagram.

Le Prix Picto pour la photographie de mode 2022 a dévoilé ses lauréats : Christopher Barraja remporte le Grand Prix, Camille Brasselet le deuxième et la dotation le19M et Antoine Henault le troisième prix ainsi que la dotation Filippo Roversi. La cérémonie de remise des prix a eu lieu le mardi 19 avril au Palais Galliera, Musée de la mode de la Ville de Paris, après les délibérations d’un jury présidé par la photographe Sonia Sieff.

Christopher Barraja développe une pratique photographique sensible aux choses invisibles, lui permettant de créer une discussion avec les objets inanimés de son entourage. Son univers est nourri des inspirations de sa région natale, le Sud de la France. Camille Brasselet mène un travail qui navigue autour du corps et du personnage, mêlant à la fois références picturales ainsi qu’une certaine forme d’étrangeté. Antoine Henault, quant à lui, réalise des portraits contemplatifs aux compositions méticuleuses qui racontent la complicité entre l’être humain et la nature.

Suivez les lauréats sur les réseaux : Chrisopher Barraja, Camille Brasselet, Antoine Henault.

© Christopher Barraja

© Antoine Henault

© Camille Brasselet

© Camille Brasselet

Lhunatica est une illustratrice vénézuelienne désormais basée en France. Cette dernière est arrivée en tant que réfugiée politique, à la recherche de sécurité, de liens significatifs mais aussi d’expériences qui changent la vie. Tout cela l’a poussée à laisser sa famille derrière elle et à se créer un foyer en terre étrangère, ce qui l’a aidée à se réinventer sur son nouveau chemin vers l’expression artistique. Sa série « The paths of life », compte plusieurs œuvres pensées comme la manifestation visuelle des chemins labyrinthiques qui se présentent à nous, « ceux que nous avons pris aveuglément guidés par le destin, ceux que l’on nous a poussés à prendre et qui deviennent un lourd fardeau ou ceux que nous portons en nous pour nous trouver », explique l’artiste. Chaque labyrinthe est sculpté par le temps et la perception, chaque labyrinthe est un chemin vers le présent. « Et tous ensemble, ils sont les chemins de la vie », conclue-t-elle.

Pour en découvrir plus, rendez-vous sur son site internet ou son Instagram.

En un mois, le dernier clip « Compliance », du groupe britannique MUSE, comptabilise déjà plus de 2,4 millions de vues. Réalisé et écrit avec talent par le très primé Jeremi Durand, il est actuellement en lice dans la catégorie « Meilleur réalisateur » du Berlin Music Video Awards qui aura lieu en juin prochain. Le titre se trouve sur l’album intitulé Will of the People, qui fait suite à Simulation Theory sorti en 2018 et qui sera disponible à l’écoute dès le 26 août. Pour se retrouver derrière la réalisation de Compliance, le réalisateur français a dû remporter une compétition pour laquelle il a écrit avec son nouvel agent à Los Angeles. « C’est la première compétition pour laquelle j’écris avec LARK, donc nous étions contents de gagner directement », déclare-t-il.

Le brief du clip, tourné à Varsovie en Pologne, correspondait directement à l’univers du réalisateur, dont on retrouve bien ici la patte. « C’est une chanson qui parle de conformisme, comme son titre l’indique. On est sur des thèmes de société très actuels, les doutes que l’on peut avoir sur ce qui nous entoure, comment l’humain évolue, comment et par qui il est gouverné. La notion de temps m’inspire toujours beaucoup. Et ici on est en reverse, donc on déconstruit », nous explique-t-il. Comme pour bon nombre de ses projets, le spectateur termine le visionnage à moitié repus mais pleinement satisfait. Interpelé par ce qu’il vient de voir, l’esprit plein de questionnements auxquels Jeremi laisse le loisir de répondre. « Un clip c’est une, voire deux images fortes, et c’est donc la sensation, le ressenti qui reste. C’est ce qui compte avant tout ». Actuellement sur trois autres projets musicaux, Jeremi développe en parallèle la photo, la pub et est en pleine écriture de son premier long-métrage.

Pour en découvrir plus sur le réalisateur et son travail, rendez-vous sur son site internet ou son compte Instagram.

S’il a consacré la plus grande partie de sa carrière à peindre, Shane Wheatcroft s’est spécialisé dans le collage et la sérigraphie durant ces dernières années. Basé à Kent, dans le Sud-Est de l’Angleterre, ce dernier collecte les images utilisées dans ses œuvres dans des magazines vintage, des vieux livres, des timbres, des pièces de monnaie et parmi tous les morceaux intéressants de papier éphémères qu’il peut trouver. Les portraits de l’artiste sont comme une fenêtre ouverte sur la psychologie des sujets représentés en permettant au spectateur de lire à travers eux comme dans un livre ouvert. Ici, si un œil est en général laissé à sa place, le reste du visage est constitué d’éléments inhabituels…

Pour en découvrir plus, rendez-vous sur le compte Instagram de l’artiste ou sur son site internet.

Mademoiselle Salty est une marque née dans l’esprit de Marion Ferrari, lors d’une année de vie en Indonésie. L’équipe derrière elle, liée par une passion de l’océan, du surf, des voyages, des bijoux et de la culture indonésienne, propose des bagues, colliers ou encore des bracelets et accessoires fabriqués à la main. Ces derniers sont fabriqués avec éthique, en partenariat avec des artisans balinais dans de bonnes conditions. D’ailleurs, des photos et vidéos de la fabrication sont régulièrement partagés sur les réseaux sociaux de Mademoiselle Salty. « Nous aimons penser qu’à travers de notre marque nous partageons des valeurs simples, proche de la nature et du voyage », explique Marion. Tous les mois, 5% des bénéfices de la marque sont reversés à l’association Surfrider Foundation Europe. Depuis 25 ans, cette dernière protège, sauvegarde et met en valeur les océans et toute la population qui en jouit.

Pour découvrir tous les bijoux et en savoir plus, rendez-vous sur le site internet de Mademoiselle Salty ou son Instagram.